Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Bei Christoph Schroth denke ich an einen Brechtsatz: „In der Kunst genießen die Menschen das Leben.“ Dieser Satz war eine DDR-Weile lang das Motto des Staatstheaters Schwerin. Kunst stürzt, im Geiste, Verhältnisse um – aber es kostet nicht den Kopf. Doch, den sehr wohl: Ohne freies Denken ginge nichts. Ginge nichts an den Grund, der uns aufreißt. Das aber ist, solange es Spiel bleiben darf: Genuss. Ja, so genießen Menschen das Leben. Von 1974 an hat Schroth in Schwerin als Intendant und Regisseur ein Theater betrieben, das zum Fußball aufschloss: Das Publikum kam in Sonderzügen. Zum „Faust“ etwa: Das war eine vielfarbige ­Wollust, die kein einziges Gefühl der Erdenexistenz verheimlichte. Im Frühlingsherbst der DDR dann der Schweriner „Wilhelm Tell“, über dessen Gastspiel in Berlins Volksbühne Heiner Müller schrieb: „Tumult unter Zuschauern – das war im Oktober 1989 das Freiheitsdrama.“ Schroth, Dresdner des Jahrganges 1937, hat Journalistik ­studiert. Ihm gelang durch gründliches Zweifeln an den Beschönigungspflichten die Flucht aus dem Beruf – bevor dieser ihn verbiegen konnte. Er wurde Assistent am Berliner Maxim Gorki Theater, ging 1966 nach Halle, wo seine Inszenierung „Zeitgenossen“ (von Stolper/Gabrilowitsch/Raisman) für Furore sorgte. Ich sehe sie noch immer, die beiden Hauptdarsteller: Kurt Böwe ganz kerlige Kraft,...

Zum Tod des Regisseurs und Intendanten Christoph Schroth

Die Anmut des leisen Tons

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Publikumskrise – nach mehr als zweieinhalb Jahren Corona mit unterschiedlichen Phasen von Lockdowns, Online-Angeboten, einem Fast-alles-wieder-gut-Sommer 2021, Schachbrettbestuhlung, Nachverfolgungseintrittskarten und Maskenatemnot, schließlich der erneuten Schließung der ­Theater (in Sachsen) im vergangenen Winter und dann dem seltsamen Phänomen des Premieren­staus mit ­Produktionen in der Warteschleife. Aber zurück auf normal (oder eben wie vor Corona) ist es fast nirgendwo, und der nächste Winter naht mit ungewissen ­Aussichten, dazu Inflation, Kriegs- und Energiekrisenangst. Das Einzige, was sich mit Gewissheit sagen lässt: Die Situation ist regional sehr verschieden und wird dann auch sehr unterschiedlich ­gedeutet. Wir haben deshalb aus vier Bundesländern und darin wieder einzelnen Theatern und ihren je eigenen Publikumskulturen ­Berichte und Untersuchungen samt Schlussfolgerungen seitens der Theaterleitungen zusammen­getragen, um das Phänomen Publikumskrise einmal in der ganzen Breite zu beleuchten (S. 10 bis 19). Warum Berlin da gar nicht dabei ist? Es scheint in den Hauptstadttheatern nicht das große Thema zu sein, was eben schon ein Teil des Befunds ist. In Kopenhagen wurde der 300. Jahrestag des Theaters in dänischer Sprache gefeiert. Die künftige Doppelspitze des Theaters in Halle, die Leiterin des Sydhavn Theaters Mille Maria Dalsgaard und ihre Regiepartnerin Mareike Mikat, ließ sich dafür ein locker veranstaltetes Straßenfest mit einem Link zum...

Editorial

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Da steht sie auf der vernebelten Bühne. Iphigenie, die Unerzählte, die Vorgeschichte, das Opfer, mit dem sich Vater Agamemnon günstige Winde für den Krieg gegen Troja erkaufte. Die Frau, von der bei Aischylos zwar die Rede ist, die aber in der „Orestie“ weder Stimme noch Körper bekommt. Nun ist sie da und erzählt, wie sie als Kind nachts aus dem Bett geholt wurde, damit sie sich Geschichten anhörte, Geschichten, die der Vater ihr ins Hirn gepflanzt hat. „Das Dilemma meines Vaters (Iphigenie)“ heißt der Text von Sivan Ben Yishai. Er ist ein starker Anfang der „Orestie“ im Theater Münster. Ein vielschichtiger Text über eine mythologische Gehirnwäsche, den Missbrauch durch Geschichten. Aber auch über das Verblassen der Tradition, eine Mischung aus Wut, Ironie und Ablehnung der Opfer­rolle. Er ist der erste von drei Texten, die für die Aufführung entstanden sind. Sie bilden Anfang, Mitte und Ende der „Orestie“, die in der Übersetzung von Peter Stein gespielt wird. Feministische Perspektivwechsel in einem Stück, das die Keimzelle des europäischen Theaters darstellt. So war es vielleicht gedacht, und das wäre spannend gewesen. Das Problem der Münsteraner Inszenierung ist: Die Regisseurin Elsa-Sophie Jach interessiert sich überhaupt nicht für die antike Männertragödie. Das achtköpfige Ensemble verwitzelt...

Theater Münster: „Orestie“ von Aischylos mit Texten von Sivan Ben Yishai, Miru Miroslava Svolikova, Maren Kames. Regie Elsa-Sophie Jach, Bühne Marlene Lockemann, Kostüme Johanna Stenzel

Münster: Wer ist Sandra?

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Hannes und Ralle im Buswartehäuschen werden Kult. Erst die grimmepreisverdäch­tige TV-Serie, dann die erste Theaterversion in Bielefeld. Jetzt hatte „Warten auf’n Bus“ im Neubrandenburger Schauspielhaus Premiere – die Sunnyboys des Ostens erobern die Bühne! Ihr Autor Oliver Bukowski hatte die beiden Wendeverlierer, einer frühpensioniert, der andere langzeitarbeitslos, eigentlich in die brandenburgische Pampa gepflanzt, aber die beiden lassen sich auch ganz gut umtopfen. Hauptsache, es dümpelt ringsum die reinste schöne Öde. Acker mit Raps und Mais und Tierzucht mit fünfzigtausend Schweinen, der sinnlose Rand der Gesellschaft, auch geografisch gesehen. Und da nehmen sich Brandenburg und Mecklenburg-Vorpommern nicht viel, jedenfalls nicht an einigen Endpunkten des ­öffentlichen Nahverkehrs. Hier wie da rollen die Büsche über die Steppe, ist die Infrastruktur abgewandert. „Termin beim Arzt? Wenn, denn brauchen die die selber.“ Deshalb versucht Hannes, gespielt von Matthias Horn, seinen Freund Ralle (Thomas Pötzsch), der sich selbst einen multiplen Knall ­diagnostiziert, mit küchenpsychologischen ­Maßnahmen, einer Mischung aus Abreiß­kalendertipps und Glückskeksratschlägen, zu therapieren. Eine Selbsthilfegruppe, in der der Einäugige König unter den Blinden ist. „Ich hab noch was zu verlieren“ – „Ja, watt denn??“ Regisseurin Katrin Hentschel lässt da noch das gesamte Personal des Abends, nämlich drei Schauspieler und zwei Schauspielerinnen, ihre inneren Spannungszustände ausloten, die...

Theater Neubrandenburg Neustrelitz: „Warten auf’n Bus“ von Oliver Bukowski. Regie Katrin Hentschel, Ausstattung Alexander Wolf

Neubrandenburg: Die Welt ein bisschen liebhaben

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Heiner Müller ist am Amt gescheitert, Christoph Hein schon am Versuch. Steffen Mensching aber ist der Beweis dafür, dass es gutgehen kann: der Schriftsteller als Intendant. Seit fünfzehn Jahren leitet er als disziplinierter Nonkonformist das Theater Rudolstadt. Als Autor aber blieb er nicht nur auf der ­Bühne sichtbar. Im Gegenteil führte ihn sein Schreiben, das ihm der „intellektuelle Gegenentwurf zur Theaterarbeit“ wurde, inzwischen zu seinem größten literarischen Erfolg. Nach zwölf Jahren Arbeit erschien 2018 sein Opus Magnum „Schermanns ­Augen“ das über mehr als achthundert ­Seiten weg aus Wiens Caféhäusern in den sowjetischen Gulag führt. Dieser Roman beschreibt in Geschichten die Geschichte europäischer Intellektueller aus einer inzwischen untergegangenen Welt. Sein neuer Roman beschreibt den nahenden Abgrund, während am Horizont die Sonne des Westens untergeht: Auf den 2021 vorgelegten Gedichtband „In der Brandung des Traums“ folgt die binnen drei Jahren entstandene dystopische Robinsonade „Hausers Ausflug“. Die auch fürs Theater mehr als widrigen Umstände der Pandemie begünstigten diese literarische Produktivität. Der 249-Seiten-Roman führt uns hinter eine vierte, verheerende Corona- sowie eine nächste riesige Flüchtlingswelle. Und wir befinden uns inmitten einer heftigsten Energiekrise, die den zivilen Flugverkehr vernichtet hat. Wir schreiben den Herbst 2029, wo jener gewisse Punkt erreicht ist, den, wie uns ein...

Steffen Mensching: Hausers Ausflug. Wallstein Verlag, Göttingen 2022, 249 S., 22 Euro.

Der Westen im freien Fall – Steffen Menschings neuer Roman

Das Back to Back Theatre ist einer der wenigen internationalen Repräsentanten des aus­tralischen Theaters. Nun wurde die 1987 gegründete und in Geelong im Bundesstaat Victoria ansässige Theatergruppe in Oslo mit einem der höchsten Theaterpreise der Welt ausgezeichnet, dotiert mit 2,5 Millionen ­Norwegischen Kronen. Das Besondere der Gruppe besteht in der Arbeit eines gemischten Ensembles von Spielern mit geistiger ­Einschränkung und nichtbehinderten Schauspielern, in eigenen Worten als „neurodiverses Ensemble“. Seit vielen Jahren ist die Gruppe auch auf wichtigen Festivals in Nordamerika und Europa präsent, zuletzt etwa bei der diesjährigen Ausgabe der Wiener Fest­wochen. Anlässlich der Preisverleihung in Norwegen wurde noch einmal eine ihrer bedeutendsten Arbeiten aufgeführt, „Ganesh Versus the Third Reich“. Die Produktion war 2014 beim Kunstfest Weimar erstmals im deutschsprachigen Raum zu erleben. „Ganesh Versus the Third Reich“ erzählt die Geschichte, wie der elefantenköpfige Hindugott, in einer Haupteigenschaft auch als Herr der Hindernisse bekannt, sich das Hakenkreuz (Swastika) als uraltes Kultursymbol von den Nazis zurückholt. Im Subtext der Geschichte und der an sich etwas märchenhaften Fabel steckt die Auseinandersetzung mit der ideologisch geprägten Eugenik, einer Auffassung, die im Dritten Reich tatsächlich zur Verfolgung und Vernichtung von Menschen mit Behinderungen führte. Das Besondere an der Spielweise in der vom künstlerischen Leiter...

Back to Back Theatre aus Australien erhält den International Ibsen Award 2022

Neurodivers

Der Materialergründer

Menschen, die auf dem Bahnhof stehen und vor den russischen Bomben fliehen. Längst ist das Leben in Luftschutzkellern Alltag für die Männer und Frauen in der Ukraine. In drastischen Bildern zeichnet die Dramatikerin Oksana Savchenko aus Kiew Bilder vom Krieg. In ihrem Audiowalk „Die Nacht verdeckt den Morgen“ schreibt sie über ihre eigenen Kriegserlebnisse. Trauer, Wut und Schmerz sprechen aus den Zeilen. Immer wieder verlässt die Autorin da die professionelle Distanz, die ihr bisher im Schreiben so wichtig war. „Ich möchte Zeitzeugin sein. Meine ­Erlebnisse für spätere Generationen festhalten.“ Nach dem Überfall der russischen Armee auf die Ukraine am 24. Februar 2022 flohen unzählige Menschen vor Tod und Bomben in europäische Nachbarländer. Auch Oksana Savchenko verließ das Land mit ihrem Mann und der 13-jährigen Tochter. Das war alles andere als freiwillig. Mit leiser Stimme spricht sie von Frauen, die von russischen Soldaten vergewaltigt worden sind. Und sie erinnert an die Toten, die der Krieg täglich fordert. In ihrem Audiowalk, der Anfang Oktober im Rahmen des Widerstandsfestivals Remmi­demmi am Theater Heidelberg zu sehen war, ist die Angst der Menschen in jeder Zeile zu spüren. Im Bunker kauern Frauen und verzweifeln vor Sorge um ihre Familien, die es nicht mehr rechtzeitig geschafft...

Wie Theaterschaffende aus der Ukraine in Heidelberg und in München arbeiten

„Der Krieg hat nicht erst mit dem Angriff begonnen“

Am 30. September war er noch auf der Preisverleihung der DEFA-Stiftung in der Akademie der Künste zu erleben, am 2. Oktober sogar noch auf einer Lesung mit Jutta Hoffmann in Neuhardenberg: Wolfgang Kohlhaase, etwas schmaler vielleicht als sonst, etwas gebückter auch, aber sonst mit wachem Blick wie stets. Man hatte sich trotz des hohen Alters an s­eine Anwesenheit gewöhnt, die Möglichkeit seines plötzlichen Wegbleibens verdrängt. Nun erweist sich die Annahme,...

Zum Tod von Wolfgang Kohlhaase, Drehbuchautor von Weltrang

Der begnadete Erzähler

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Herr Weckherlin, in einem Interview haben Sie gesagt: „Fünfzig Prozent ist das neue Ausverkauft.“ Das beobachten Sie in Tübingen. Selbst das Sommertheater, in den Vorjahren stets ausverkauft, lief schleppend. Wie wirkt sich das auf Ihre wirtschaftliche Lage aus? Bestimmt nicht gut! Immerhin haben wir beim Sommertheater noch die 60 Prozent gerissen. Darüber habe ich mich gefreut. Was den schnöden Mammon angeht: Üblicherweise nehmen wir bei einem Gesamtbudget von guten 8,2 Millionen Euro an die 17 Prozent selbst durch Ticketverkäufe und Gastspiele ein, also bis zu 1,3 Millionen pro Spielzeit. 2020/2021 – da schlug die Pandemie so richtig zu – hatten wir nur rund 190 000 Euro Einnahmen. Das sind gerade mal 15 Prozent einer „normalen“ Spielzeit. Rechne ich alles unter der Überschrift „Corona“ zusammen, haben wir um die 1,5 Millionen weniger eingenommen. Wir bekamen aber Kurzarbeitergeld und Coronahilfen, sodass wir finanziell nicht schlecht dastehen müssen. Die Hilfen laufen aber aus, und die Kosten galoppieren davon. Als Sprecher der fünfundzwanzig deutschen Landesbühnen haben Sie den Überblick. Wie ist die Lage im Land? Jedes Haus ist einzigartig. Ein großes Drei-Sparten-Landestheater in Hildesheim hat andere Sorgen als eine kleine Landesbühne in Dinslaken. Wir brauchen uns aber nichts vorzumachen. Die Finanzsituation ist ähnlich bis...

Jammern will Thorsten Weckherlin, der Sprecher der Landesbühnengruppe im Deutschen Bühnenverein, nicht. Doch die ­Coronapandemie hat gerade in den Häusern mit Abstecherbetrieb wie ein Brandbeschleuniger gewirkt. Die Zuschauer:innen bleiben aus. Und auch in den Gastspielorten stehen die Veranstalter:innen unter Sparzwang. Der Intendant des Landestheaters Tübingen spricht über die Chancen, die in der aktuellen Krise liegen.

Der Tübinger Intendant und Sprecher der deutschen Landesbühnen Thorsten Weckherlin im Gespräch mit Elisabeth Maier über neue Formate gegen den Publikumsschwund

„Die Kulturmüdigkeit wird langsam verpuffen“

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Das Publikum sitzt mitten im Geschehen. Das Studio des Theaters Oberhausen ist zur ­Bibliothek einer Highschool geworden. Hier regiert Miss P. zwischen Staub, Regalen und Weltliteratur und kontrolliert, dass niemand Essen oder Getränke in die heiligen Hallen des Wissens schmuggelt. Sie ist die Siegel­bewahrerin der Zivilisation. Ein wichtiger Job, denn draußen bricht ein Bürgerkrieg aus. Noah Haidle ist in den USA ein erfolgreicher Drehbuchautor, als Dramatiker allerdings vor allem in Deutschland bekannt. Er war auch Hausautor am Nationaltheater Mannheim. Die Kombination verschiedener Genres ist seine Spezialität. Das gilt auch für „Kissyface“, das Stück, mit dem Kathrin Mädler als Regisseurin – nach einem Liederabend – ihre Intendanz am Theater Oberhausen startet. Hier vermengt Haidle Politthriller und satirische Groteske auf sehr unterhaltsame Weise. Eine Granate fliegt in die Bibliothek. Heldenhaft stürzt sich der sonst nicht wegen übertriebener Geistesstärke bekannte Joey (David Lau) auf die Sprengkapsel und befördert sie nach draußen. Dann explodiert die Turnhalle, und die Hölle bricht los. Schuldirektor Overstreet, den Anna Polke hinreißend durchgeknallt als trumpesken Trottel spielt, zieht in den Krieg gegen eine benachbarte Bildungsanstalt. Der Turnlehrer (Klaus Zwick) entdeckt seine wahre Mission als militaristischer Kanonenfutterlieferant und schickt seine Schützlinge ins Gemetzel. Während Miss P.s Tochter Maude sich vom...

Theater Oberhausen: „Kissyface“ von Noah Haidle (UA). Regie Kathrin Mädler, Bühne und Kostüme Mareike Delaquis Porschka

Oberhausen: Granaten in der Highschool

Ein typischer Feuilleton-Hype, ließen sich die Kommentare sächsischer Intendanten zur Debatte um Publikumsrückgewinnung durch Spielplankonzessionen zusammenfassen. Selbst wenn man berücksichtigt, dass die Leiter selbstverständlich nur Gutes über ihre Häuser sagen, klingen ihre Erfahrungsberichte relativ gelassen, jedenfalls weniger alarmiert als teils aus westdeutschen Regionen. Erstaunlich, hatte doch die sächsische Kulturlandschaft kaum Zeit, sich vom letzten Winterlockdown zu erholen. Den verhängte Sachsen als einziges Bundesland wegen der hohen Infektionszahlen und geringen Impfquoten bis zum 14. Januar. Kaum sechs Wochen später begann der russische Überfall auf die Ukraine und damit die nächste Krise. Der erhoffte erlösende Ansturm auf die endlich wieder geöffneten Häuser blieb größtenteils aus, Sommerbespielungen und teils lang aufgeschobene Großinszenierungen ausgenommen. Thea­ter, Kinos oder Konzertveranstalter beobachten jedoch auch hier nach zweijähriger Abstinenz und Ungewissheit bei potenziellen Besuchern Erscheinungen wie Müdigkeit, Entwöhnung, Zurückhaltung und schärfere Ausgabenkalkulation. Diese Begleiterscheinungen von Viruskrise und Krieg verstärken den schon länger bekannten Trend weg von festen Abonnementbindungen hin zu spontanen Entschlüssen für einen Theater- oder Konzertbesuch. Insofern spricht Daniel Morgenroth, Intendant des Gerhart-Hauptmann-Theaters Görlitz-Zittau, sogar von einer „glücklichen Lage“, wenn er einen Abo-Rückgang von nur acht Prozent konstatieren muss. Sein Kollege Joachim Klement vom Staatsschauspiel Dresden beklagt zwar keinen Einbruch, aber „einen größeren Rückgang als in den...

Sächsische Bühnen klagen weniger über Publikumsschwund

Bloß keine seichte Spielplanrevolution!

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Saisonstart in Bielefeld. Intendant Michael Heicks tritt vor das Publikum und bedankt sich. Trotz der Pandemie hat das ­Theater keine Abonnenten verloren. Die Zahl liegt stabil bei über 4000 und steigt weiter. „Zehn Abos pro Woche kommen weiterhin dazu“, sagt Heicks ein paar Wochen später. Zahlen, von denen die meisten Bühnen gerade nur träumen können. Warum erscheint Bielefeld gerade wie eine Insel der Seligen? Viele Faktoren kommen zusammen. Einmal liegt Bielefeld nicht in einem Ballungszentrum. Die nächste Bühne ist das ­Landestheater Detmold. Es gibt eine Universität und ein einigermaßen intaktes Bildungsbürgertum. Michael Heicks und die ­Marketingchefin Charlotte Höpker führen den Erfolg vor allem auf ihre Strategie während der Coronaschließungen zurück. Zwei Jahre gab es keine Abos. Aber eine Abocard, mit der die Stammkunden ein Vorkaufsrecht hatten, wenn das Theater spielen konnte. „Wir haben jedem einen persönlichen Brief geschrieben“, erzählt der Intendant. „Niemand sollte sich allein gelassen fühlen.“ Wenn Veranstaltungen ausfielen, bot das Theater Alternativen an. „Wir sind dabei immer transparent geblieben“, sagt Michael Heicks. „Unsere Besucherinnen und Besucher sollen das Gefühl haben, Teil eines Ganzen zu sein.“ Nahbarkeit ist einer der zentralen Begriffe für Charlotte Höpker. Die Abonnentinnen und Abonnenten haben nicht nur schriftliche Erklärungen bekommen. „Wir haben alle persönlich...

Das Theater Bielefeld befindet sich im Höhenflug, während das Theater Hagen zu verzweifelten Mitteln greift, um Publikum anzulocken

Theater der Nahbarkeit und das Neun-Euro-Ticket

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die Neue Bühne Senftenberg lud unter neuer Intendanz zum „FestSpiel“ ein. Der gebürtige Leverkusener Daniel Ris und sein Team bemühten sich erkennbar um Anschluss an die Bühnenfesttradition der GlückAufFeste, die eine durch den Braunkohletagebau geprägte und veränderte Stadtgesellschaft verhandelten und dabei stets auch die Nähe zum Volksschauspiel herstellten. „Neue Heimat“ als designiertes Thema dieser Festspielausgabe erweist sich dabei selbstredend als dankbares Thema, denn auch über dreißig Jahre nach der Wende durchdringt der Eindruck einer für immer verlorenen, besseren Vergangenheit die Senftenberger Gegenwart. Unweit des sich zwischen Neubaublocks und kargem Fußballplatz befindenden Theaters ist an einer Bushaltestelle „FCK NZS“ eingeritzt, das gegenüberliegende Plakat der Neuen Bühne ist, wenig subtiler, mit „FCK UKRAINE“ versehen. Reichlich Nährboden für spannendes, kluges Theater ist also vorhanden. Die Frucht dieser künstlerischen Anstrengung verfügt aber diesmal bedauerlicherweise über einige madige Stellen. Nach Begrüßung und Sektempfang auf dem Theatervorplatz, inklusive eines „Fremd ist der Fremde nur in der Fremde“ skandierenden Chors aus Senftenberger ­Jugendlichen, fahren umfunktionierte Li­nien­busse das Premierenpublikum zu ihren jeweiligen Spielstätten zur Gartenstadt ­Marga im Ortsteil Brieske. Neben einem Dokumen­tartheaterabend des Kollektivs WEGWOHIN über die ambivalente Le­bens­bilanz älterer Senftenber­ger:innen, abgehalten in einer leerstehenden Turnhalle, und Miru Miroslava Svolikovas „Gott ist drei Frauen“ in der ­Regie von...

Neue Bühne Senftenberg: „Utopia“ von Mikhail Durnenkov in der Übersetzung von Elina Finkel (DEA). Regie Catharina Fillers, Bühne / Kostüme Maria Wolgast, Musik Matthias Bernhold

Senftenberg: Fascist Baby, Utopia

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Nun ist dieses in der deutschen Theater­geschichtsschreibung wohl einzigartige Werk zwar nicht ganz zu Ende gebracht, aber doch abgeschlossen. Nach den Bänden zu den Jahren 1887 bis 1945 und 1945 bis 1966 (erschienen 2007 und 2014) ist jetzt der dritte Band knapp ein Jahr nach dem Tod von ­Günther Rühle erschienen. Der Autor konnte das ehrgeizige Projekt selbst nicht mehr ­vollenden, da seine Sehkraft für das Studium schriftlicher Quellen schwand. Andererseits hat Rühle gerade für die dargestellte Zeit von 1967 bis 1995 wohl die allermeisten „Ereignisse“ und „Menschen“, wie es im Untertitel heißt, selbst erlebt und erzählen können. Seine Methode bestand aber darin, eine bedeutende Aufführung sowohl in ihrem gesellschaftlichen Kontext wie auch im Licht der besonderen künstlerischen Bedingungen zu schildern, die Macher auch mit Selbstaus­sagen auftreten zu lassen oder treffende Beschreibungen und Wertungen aus zeitgenössischen Kritiken heranzuziehen. Das war ihm zum Ende seines Arbeitslebens nicht mehr möglich, und die beiden von Rühle gebe­tenen Herausgeber, der Dramaturg Hermann Beil und der Leiter des Archivs Darstellende Kunst an der Berliner Akademie der Künste Stephan Dörschel, haben einige Lücken in dem etwa zu zwei Dritteln abgeschlossenen Manuskript ausgefüllt, nachrecherchiert und mit anderswo veröffentlichten Artikeln Rühles ergänzt. Was nun für das ganze Projekt...

Günther Rühle: Theater in Deutschland 1967–1995. Seine Ereignisse – seine Menschen. Hrsg. von Hermann Beil und Stephan Dörschel, S. Fischer Verlag 2022, 795 S., 98 Euro.

Im Jahrhundertschritt

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Wie es öfters vorkommt, habe ich mit Laientheater angefangen. Mit Kameraden hatte ich einige kleine Stücke inszeniert, die wir in schweizerischen Dörfern der Umgebung von Yverdon, meiner Geburtsstadt, gespielt haben. Diesen ersten Experimenten verdanke ich, dass ich mitten im Krieg eingeladen wurde, an ­einem Lehrgang in Lyon teilzunehmen. Dort bin ich Jean-Marie Serreau begegnet. Er war der, der mich für immer zum Theater brachte.“ So beginnt Besson im Juli 1976 ein Gespräch mit Jean-Paul Liégeois für L’Unité, die Wochenzeitschrift der Sozialistischen Partei Frankreichs. Zum ersten Mal seit 25 Jahren inszenierte er damals wieder in seiner Muttersprache, mit französisch sprechenden Schauspielern, Shakespeares Komödie „Was ihr wollt“ in der Cour d’Honneur du Palais des Papes, eine Gastregie beim Festival d’Avignon. Besson blickte gern auf sein „Commencement vom Commencement“ zurück, auf diesen Punkt, an dem sich die Geschicke verknotet haben. Am 8. Dezember 1988 erinnerte er sich in einem Publikumsgespräch im Schauspielhaus Zürich, am Premierentag von „Mann ist Mann“, ausführlicher an dieses Urerlebnis: „Mir persönlich ging es so, dass ich natürlich dorthin ging, wohin ich ‚gerufen‘ wurde. Und zwar das erste Mal – nachdem ich in der Schule und in den Dörfern Laientheater gemacht hatte – nicht nach Lausanne oder Genf, sondern,...

Am 4. November jährt sich der Geburtstag von Benno Besson zum 100. Mal. Regisseur, Schauspieler, Übersetzer und Theaterleiter – eine Jahrhundertfigur zwischen Brecht und Heiner Müller mit Nachwirkungen bis in die Gegenwart. Michel Bataillon erkundet die französischen Wurzeln von Bessons Theater, das, wie Thomas Wieck schreibt, später in der Volksbühne aufblühte.

Die Wurzeln von Benno Bessons Theater in der Schweiz und im Frankreich des Zweiten Weltkriegs

„Ich habe mit Laientheater angefangen“

Warum kann das Figurentheater oft stärker beeindrucken als das Menschentheater? Niemand weiß das so genau, aber viele haben es schon erlebt. Nikolaus Habjan, Robert Anton oder auch Wilde &amp; Vogel, Basil Jones und ­Adrian Kohler sind einige von vielen Beispielen (siehe zuletzt auch Karl Huck in TdZ 10/22). Sie sind – müssen es sein – allesamt auch große Schauspieler. Die verrückteste Geschichte ist wahrscheinlich die von Robert Anton, der in den achtziger Jahren in New York zum Mythos wurde. Alle zwei Wochen lud er achtzehn Personen zu sich nach Hause ein, versammelte sie um einen großen Tisch und spielte ihnen mit winzigen Puppen sein Leben vor. Es gab das Gerücht, dass Susan Sontag einen Flug nach Paris absagte, weil sie überraschend auf der Liste stand. Wie ich damals auf diese heilige Liste gekommen bin, habe ich nie begriffen, aber ich war glückselig. In gewisser Weise wirken die Aufführungen von Wilde &amp;Vogel wie ein Gegenpart dazu: Hier werden die Geschichten klar erzählt und behalten dennoch ihr Geheimnis. Die von Charlotte Wilde jeweils eigens für die Stücke komponierte Musik verändert die Spuren und verwandelt sie mitunter in magische Rätsel. Die Wildvögel haben erst in Stuttgart, später in Leipzig ihre sehr eigene Puppenspielform...

Das Figurentheater Wilde & Vogel im Westflügel Leipzig und ihre Emily Dickinson

Traumhaft

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Hier würde man kein Theater vermuten. Ein paar Bahnstatio­nen südlich vom Stadtzentrum Kopenhagens führt ein unscheinbarer Weg in eine Parkanlage zu einer Friedhofskapelle. Das Gebäude für Bestattungszeremonien war schon seit Jahrzehnten stillgelegt, als Mille Maria Dalsgaard hier vor rund zehn Jahren mit dem von ihr gegründeten Sydhavn Theater einzog. Ob es damals nicht ein gespenstischer Ort für Theater gewesen sei? „Nein, es war ein stiller Ort, der einst für bestimmte Rituale geschaffen wurde. Also sehr geeignet für Theater“, erinnert sich Dalsgaard an einem der letzten warmen Sommerabende bei einer Dernière-Party vor der Kapelle. Demnächst wird das Gebäude für die Bedürfnisse des Sydhavn Theaters umgebaut, das die Trauerhalle für Aufführungen und einen Eingangsraum als Foyer nutzt. Dann, ab Beginn der Spielzeit 2023/24, wird Mille Maria Dalsgaard schon Intendantin in Halle sein, zusammen mit Mareike Mikat als stellvertretender künstlerischer Leiterin. Mikat ist an diesem Wochenende nach Kopenhagen gekommen, denn es ist die Feier eines großen Jubiläums des dänischen Theaters, und das Sydhavn Theater begeht es ganz speziell in seiner unmittelbaren Nachbarschaft. Am 23. September 1722 wurde zum ersten Mal ein Theaterstück in dänischer Sprache aufgeführt, Molières „Der Geizige“. Ein paar Tage später folgte das Debüt des dänisch-norwegischen Klassikers Ludvig Holberg, dessen Stücke...

Ein Besuch in Kopenhagen bei Mille Maria Dalsgaard und Mareike Mikat, der künftigen Doppelspitze am neuen theater Halle

Die Aufbruchsbereiten

Rauchen ist im Krankenhaus verboten“, sagt eine Zuschauerin und versucht damit, ihr Gegenüber vor einem tragischen ­Unfalltod zu retten. Denn Ruth Berlau wird an diesem Abend ­verbrennen, gezündelt durch ihre eigene Zigarette in einem Krankenbett der Charité. Die Schauspielerin Esther Hausmann, eine von drei Darstellerinnen der Koautorin und Geliebten von Bertolt Brecht, kontert: „Verpetzt du mich?“. Diese Szene – zwischen einer Schauspielerin und ihrer ­Zuschauerin – lotet ein vollkommen neues und doch ambivalentes Verhältnis der beiden Parteien aus: Die Beziehung zwischen Publikum und Spielendem wird aufgehoben, es gibt kein Oben und Unten, getrennt durch die rote Linie eines samtroten Vorhangs. Man trifft sich in diffusen, brettergebauten kleinen Räumen – am Anfang steht jeweils ein komplexes Beziehungs­geflecht: Wer ist wer, wer übernimmt welche Rolle, wie viele Beziehungen sind in einem Raum? Auch für die Schauspielerin Esther Hausmann geht es um eine doppelte Identität – die Figur, die sie spielt, und sie, die Privatperson, die betroffen ist. Eine Veräußerung ist, sobald das Experiment gestartet hat, nicht mehr möglich. Im Zwölfminutentakt treffen in bisher 34 Vorstellungen 680 Zuschauer auf die drei Schauspielerinnen, die in „Berlau :: Königreich der Geister“ einen ausschnitthaften Einblick in das ­Leben von Ruth Berlau am Berliner Ensemble gewähren. Eine...

RAUM + ZEIT laden ihr Publikum zur Selbsterfahrung ein

Verpetz mich nicht!

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Jenseits aller aktuellen Modernitäten ist ein Theater ange­siedelt, das Spielern und Spielerinnen einen Freiraum öffnet, überlieferte Formen und Weisen der Kunst des Schauspielens an neuen wie ­alten Stücken zu erproben und die tradierten Spiel­weisen daraufhin auszuprobieren, ob sie geeignet sind, die jeweils gegenwärtigen gesellschaftlichen Verhältnisse ästhetisch überzeugend zu durchleuchten. Wenige Schauspielregisseure des 20. Jahrhunderts haben ihre Ensembles angehalten, diesen Freiraum auszuschreiten. Aus diesen praktischen Versuchen, nicht aus theoretischen Erwägungen, erwuchsen neue Spielweisen, neue zeitgerechte Formen eingreifenden Theaters. Im deutschen Theater ist dies wohl nur Bertolt Brecht und Benno Besson gelungen. Daran ist zu erinnern. In vielem Brechts Widerpart, stimmte Besson mit seinem Regiementor doch grundsätzlich überein, dass „die Schauspielkunst zu den elementaren gesellschaftlichen Kräften“ gehöre, dass „sie auf einem unmittelbaren gesellschaft­lichen Vermögen, einer Lust der Menschen in Gesellschaft“ be­ruhe und dass „sie eine Sprache für sich ist, die nach keiner ­Begründung für ihren Gebrauch außer sich selbst suchen muss“ (Brecht). Für Besson waren Spielweisen geronnenes Thea­ter­wis­sen, tradierbare Verfahren, Vereinbarungen zwischen Zuschauern und Spielenden, in denen die Differenz zwischen individuell-menschlichem Vermögen und gesellschaftlich-menschlichen Zwängen auf jeweils andere Weise theatralisch vergegenständlicht wird. „Bei der Spielweise, die ich persönlich versucht habe am Deutschen Theater zu entwickeln, könnte man sagen, dass der Zuschauer sich...

Das Besondere von Benno Bessons Theaterarbeit in der DDR

„Ich entdecke die Wirklichkeit, während ich inszeniere“

RAUM + ZEIT Inszenierungen

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Die Kleinsche Flasche, vom Mathematiker Felix Klein beschrieben, bezeichnet eine topologisch nicht orientierbare Fläche: Sie hat kein Innen und Außen. Wir sind in dieser Inszenierung im Weltall, im Kosmos. Dass es ein Kosmos der Sprache ist, wird schon nach dem ersten Satz klar: Er endet mit „1 scheiße und eiskaltz“. Dann beginnt die Musik. Eine junge Frau in einem Overall mit lilafarbener Perücke mit Zöpfen spielt, dem Publikum abgewandt, auf einem Harmonium Annie Lennox‘ „No more ‚I love you’s‘“: „Do-be-do-be-do-do-do.“ Dann kommt der Chor dazu. In weißglitzernden Eighties-Kostümen mit buntem Besatz. Es werden Reisen mit Raketen unternommen heute Abend, es wird ein Komet herabstürzen, der Mond wird aus seiner Umlaufbahn geraten. Das emanzipatorische Potenzial, das Friederike Mayröcker aus dem vor dreißig Jahren erschienenen Gedicht „bin jetzt mehr in Canaillen Stimmung“ mittels des PIANO PONYS (siehe das pinkfarbene Harmonium der Inszenierung) und der Konstruktion der bekannten Dichotomie von Innen- und Außenräumen und mittels Kometenkollisionen lyrisch zu erzählen gelingt, steckt auch in dem hier uraufgeführten Langgedicht von Maren Kames. Kames, die Shivan Ben Yishai ins Deutsche übersetzt, wird hier erstmals Theaterautorin. Der musikalische Text, 2019 als Lyrik sehr erfolgreich verlegt, bietet eine Pop-Ästhetik und bewegt sich über Songs, Anleihen und in Sprachspiele...

Schauspiel: „LUNA LUNA“ von Maren Kames (UA). Regie Enrico Lübbe. Musikalische Leitung Daniel Barke, Bühne Katrin Nottrodt, Kostüme Josa Marx

Leipzig: Die Kleinsche Flasche

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Die Glaubenssätze des Islam im 21. Jahrhundert neu denken? Auf diese verwegene Reise macht sich die junge Wissenschaftlerin Zarina. Die Harvard-Absolventin ist die Tochter eines pakistanischen Taxifahrers, der im Land der unbegrenzten Möglichkeiten mit seiner kulturellen Identität ringt. Seine beiden Töchter hat er streng muslimisch erzogen. Im liberalen US-amerikanischen Universitätssystem lernt Zarina, die Rolle des Propheten Mohammed zu hinterfragen. Mit Ayad Akhtars Stück „The Who and the What“ schafft Regisseur Kay Wuschek nur bedingt den Spagat zwischen einer locker gebauten Liebeskomödie und dem kritischen Blick auf muslimische Familienstrukturen. Mit den wilden, comicbunten Videos von ­Ernest Thiesmeier wird schnell deutlich: In dieser Familie knallt’s. Der US-amerikanische Autor Akhtar ist als Sohn pakistanischer Einwanderer in Milwaukee geboren. Das Leben zwischen den Kulturen kennt der 51-Jährige also aus eigener Erfahrung. Er hat an der Brown University in Providence, Rhode Island, Theater studiert. Die westlich-islamische Identität betrachtet Akhtar, der mit bedeutenden Preisen wie dem Pulitzer-Theaterpreis und dem American Book Award ausgezeichnet wurde, kritisch, sensibel und mit viel Humor. Dass Theaterstücke trotz aller Inhaltsschwere auch komisch sein dürfen, zeigen amerikanische Dramatiker immer wieder in ihren well-made plays. Das perfekt gestrickte Drama Akhtars bringt Wuschek in Heilbronn solide auf die Bühne. Die ungewöhnliche Liebesgeschichte mit einer...

Theater Heilbronn: „The Who and the What“ von Ayad Akhtar. Regie Kay Wuschek, Bühne Tom Musch, Kostüme Cornelia Krasske

Heilbronn: Die dunkle Seite des Propheten

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Der Generation Selfie entgleitet ihre Identität. Statt menschlicher Nähe geht es in der digitalen Welt des 21. Jahrhunderts eher um Selbstdarstellung und um das perfekte Image. Die eingefrorenen Bilder der kalten neuen Welt erweckt der junge Regisseur Daniel Foerster am Theater Baden-Baden auf dem Hintergrund eines älteren Textes zum Leben. 1954 schrieb Thomas Mann den Roman „Die Bekenntnisse des Hochstaplers Felix Krull“. In seiner Bühnenfassung entdeckt der 36-jährige Regisseur viel aktuelles Potenzial in der Sprache des Literaturnobelpreisträgers. Unter einer schillernden Diskokugel tanzen die Akteure in eine Welt, die im Zerfall begriffen ist. Mit seiner charmanten und zugleich aalglatten Art schleimt und argumentiert sich Felix Krull in die höchsten Etagen der Gesellschaft. 1954 hat Mann den Roman veröffentlicht – das war kurz vor seinem Tod 1955. Zwar sind die gesellschaftlichen Stände heute längst nivelliert. Dennoch haben die Schönen und Reichen in der Gesellschaft das Sagen. Und die machen sich die sozialen Medien untertan. Foerster spaltet die Figur des Felix Krull in seiner klugen Regiearbeit in vier ganz unterschiedliche Darsteller. Mattes Herre, Sophia Platz, Holger Stolz, Constanze Weinig und Kilian Bierwirth verleihen Thomas Manns schillernder Romanfigur ganz neue Züge. Was es bedeutet, in der Leistungs­gesellschaft nicht Mensch sein zu dürfen, beleuchten die...

Theater Baden-Baden: „Bekenntnisse des Hochstaplers Felix Krull“ nach dem Roman von Thomas Mann, Bühnenfassung Daniel Foerster. Regie Daniel Foerster, Bühne und Kostüme Lydia Huller / Robert Sievert

Baden-Baden: Verwirrende Zeitreise mit Selfies

Die Choreografin und Performerin Joana Tischkau beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit popkulturell geprägten Körperbildern und Bewegungsabläufen. In „Colonastics“ fordert sie die weiße Mehrheitsgesellschaft zum kolonialen Workout heraus, in „Playblack“ führt sie Größen Schwarzer Unterhaltungskultur vor, in „Being Being Pink Ain’t Easy“ stellt sie einen rosafarben gekleideten Mann zur Schau. In allen Fällen verknüpft sie Alltagskultur mit zeitgenössischen Diskursen rund um Fragen von Rassismus, Repräsentation und kultureller Aneignung. Studiert hat sie in Gießen am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, heute ist sie in Frankfurt am Main und in Berlin beheimatet. Häufiger schon hat sie mit der Theaterregisseurin Anta Helena Recke zusammengearbeitet, etwa am Deutschen Museum für Schwarze Unterhaltung und Black Music, einer Mischung aus temporärer Ausstellung und Archiv. Wer das Glück hatte, dort von Joana Tischkau durch die Räume geführt zu werden, bekam eine ganz eigene Show geliefert, denn diese Frau kann nicht nur ohne Unterlass reden, sondern setzt sich gekonnt lässig in Szene. In Hanna Steinmairs Performance „Rage. A Tennis Western“ wirft sie sich in Bluesmusiker-Posen: sehr komisch, sehr präzise, sehr begabt. Das hat sich mittlerweile herumgesprochen, und so ist es kein Wunder, dass für die diesjährige Koproduktion zwischen dem Künstlerhaus Mousonturm und dem Schauspiel Frankfurt die Wahl auf Joana...

Schauspiel Frankfurt / Brockenheimer Depot: „Yo Bro“ von Joana und Aljoscha Tischkau. Regie Joana Tischkau, Bühne Carlo Siegfried, Kostüme Nadine Bakota

Frankfurt am Main: Popkulturelle Nummernrevue

Den Wald als Ort der Anarchie, in dem der Mensch auf seine innere, unkontrollierbare Natur zurückgeworfen ist, bespielte schon William Shakespeare. Was dessen Komödienpersonal in den Wäldern von Athen oder Arden erlebt, lässt sich – je nach Standpunkt – als Befreiung von den Zwängen der Zivilisation oder aber als ­unbedingt zu sanktionierender Verstoß gegen deren weltordnende Kraft interpretieren. Der Wald nun, den Bühnenbildner Jan Steigert in naturalismusverliebter Detailfreude aus dem Boden der Augsburger Spielstätte im martini-Park sprießen lässt, ist freilich alles andere als reine Natur. Denn die Lichtung verunziert ein abgerockter Wohnwagen, umgeben von jeder Menge schäbigem Campingmobiliar und noch mehr Unrat, der unter anderem aus leeren Bierdosen besteht, da der Bewohner dieser Absteige in großen Mengen Bier konsumiert, um die leeren Dosen mit großer Geste zu zerquetschen und achtlos ins Unterholz zu schleudern. Johnny Byron heißt der (Anti-)Held von „Jerusalem“, dem viel gepriesenen Stück des britischen Dramatikers Jez Butterworth, das in Augsburg nun seine deutschsprachige Erstaufführung erlebt hat. Ein Coup für das Staatstheater, so scheint es, sich die Rechte gesichert zu haben. Dass seit der Londoner Uraufführung allerdings deutlich mehr als zehn Jahre ins Land gegangen sind, ohne dass eine andere Bühne hierzulande zugegriffen hat, macht ein wenig stutzig....

Staatstheater Augsburg: „Jerusalem“ von Jez Butterworth (DSA). Regie André Bücker, Bühne Jan Steigert, Kostüme Lili Wannert

Augsburg: Stuntman im Wohnwagen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Amir, in „Quälbarer Leib – ein Körpergesang“ erzählst du von einer Minensucherin, sowjetischen, islamistischen und amerikanischen Mächten, Märtyrern, von Odysseus und Dädalus, EU-Politiker:innen und vielen mehr. Wie kamst du zu den Geschichten, was verbindet sie? Die Leiber, die Körper. Ich habe angefangen, über das Politische von Leibern und Körpern nachzudenken. Zum Beispiel in den Religionen, etwa im Islam. Oder: Welchen Wert hat ein afghanischer Körper gegenüber den Körpern amerikanischer Soldaten? Stichwort „collateral damage“. Oder: Wie werden Menschen aufgrund ihrer Körper im Alltag unterschiedlich behandelt? Warum werden Mauern um Europa gebaut, was bedeuten Grenzen in Bezug auf Körper, wo stößt der Leib an seine Grenzen? Das Wechselspiel von Leib und Körper steckt schon im Titel … „Quälbarer Leib“ ist auch der Titel eines ­Buches von Gerhard Scheit, der sich wiederum auf ein Gedicht von Bertolt Brecht über den Freitod des vor den Nazis geflüchteten Walter Benjamin bezieht. Du hast den „Körpergesang“ im Titel ergänzt. Was interessierte dich an dem Verhältnis von Leib und Körper? Macht hat immer mit Leib und Körper zu tun. Denn Macht ist nicht in der Lage, den Geist einzusperren. Deswegen geht es ihr um un­seren Leib – darum, ihn einzusperren, aus­zuschalten, den Körper auszunützen und über ihn...

Amir Gudarzi im Gespräch mit seinem Lektor Jonas Schönfeldt

Der Momentzusammenhangsversuch

Die bewegte Geschichte Tschechiens sieht man seinem Theater an. Und seinen Theatern. Das 30. Mezinárodní Festival in Plzeň findet an insgesamt sieben Spielstätten statt, darunter das Divadlo Josefa Kajetána Tyla, ein Neorenaissancebau der k.u.k.-Zeit, das Divadlo Alfa aus der (post-)sozialistischen Ära (saniert und mit einem Saal wie ein Kino) und die zweite Spielstätte des Divadlo Josefa Kajetána Tyla – modern und großzügig, 2014 eröffnet, das einzige Theatergebäude in Tschechien, das nach 1989 erbaut wurde. Die Geschichte kriecht aber auch durchs Thea­ter. Um zu Yana Ross’ „Geschichten aus dem Wiener Wald“ vom Valstybinis Jaumino Teatras in der litauischen Hauptstadt Vilnius zu gelangen, geht man lange Flure der Hinterbühne des Divadlo Josefa Kajetána Tyla entlang. Während im Bühnenbild einer postsowjetischen Mehrzweckhalle, ins Litauen der neunziger Jahre verlegt, mal eine Beerdigung, mal eine Hochzeit stattfindet, drängen sich die Gräueltaten der Geschichte durch den provisorisch mit Klebeband geklebten, sich hoch wölbenden Boden. In der Überschreibung des Textes probieren die Figuren es mit litauischem Nation Building, haben aber angesichts der sie nach unten ziehenden Dynamik ihrer Gewaltbeziehungen keine Chance auf ein gelingendes Leben. Auf ein mehr oder weniger gelungenes Leben in Auseinandersetzung mit der sozialistischen Geschichte blickt auch die Inszenierung „Zápas o Generála“, in der...

Das tschechische Theater zeigt vielfältige Aufarbeitungsversuche der postsozialistischen Geschichte

In den Spuren der Geschichte

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Ihnen ist mit „Ophelia’s Got Talent“ gerade die bislang größte Produktion an der Berliner Volksbühne gelungen. Das Publikum ist euphorisch, wie man es seit Jahren an diesem Haus nicht mehr erlebt hat. „Divine Comedy“ war eigentlich größer, aber im Aufwand sind beide etwa gleich. Mit der Volksbühne zum ersten Mal so etwas raus­zuhauen, war sehr anspruchsvoll. Dass wir jetzt einen fast dreistündigen Abend haben, ist nicht dadurch entstanden, weil ich gern so lange Sachen mache. Ich selbst bin an Netflix geschult und kann mich nicht länger als anderthalb Stunden konzentrieren. Aber es war sehr lange ein Wunschprojekt von mir, und diese Dimension mit dem Wasser inspirierend. Die Bucketlist an Dingen, die wir machen wollten, war riesig. Es fiel uns sehr leicht, Material zu kreieren, da hat sich einfach so viel aufgedrängt – und es gab dann auch nicht diesen Kill-your-darlings-Prozess am Ende. Mythologische und literarische Frauenfiguren, die aus dem Wasser kommen oder in ihm enden, werden zu einer Erzählung in Variationen. Sogar auf einem Programmzettel übersichtlich erklärt. Ich mag das. Dann muss ich es den Leuten nicht auf der Bühne erklären. Es ist einfach eine Referenz für Leute, die das interessiert. Die können sich da reinlesen. Das ist jetzt nicht...

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Martin Wigger, was haben Sie vorgefunden, als Sie in die Helferei kamen? Ich erinnere mich an einen Geruch, den ich als sehr fremd empfand. Es roch stickig, als wäre länger nicht gelüftet worden. Irritierend war der Tag meines Vorstellungsgesprächs. Lauter Klischees: Unten im Foyer standen Reste eines Dritte-Welt-Ladens, und auf dem Weg nach oben las ich im Treppenhaus eine Ankündigung eines Dia-Abends über eine gemeinsame Reise nach Jerusalem. Alles beisammen, womit Sie Mühe haben … Ja, das zeigte mir gleich mein Dilemma. Denn die Ausschreibung war ja ganz anders, man suchte eine Künstlerische Leitung, und ich kam mehr oder weniger direkt vom Ende meiner Co-Schauspielleitung mit Tomas Schweigen am Theater Basel. Kurz: Ich betrat dieses Haus mit seiner Geschichte, sah das alles und fragte mich sofort: Kann ich hier agieren und mich entfalten? Mein erster Satz im Vorstellungsgespräch war: „Ich weiss gar nicht, ob ich hier richtig bin.“ Ich meinte das inhaltlich, aber die Kommission dachte, ich frage nach dem Raum. Warum waren Sie so ambivalent? Ich war unsicher, fragte mich: Reizt mich dieses Haus, mit dieser Ausrichtung? Oder ist das ein bisschen zu viel Theologie? Ich bin ein aufgeklärter Mensch des 21. Jahrhunderts – werde ich da nicht doppelt...

Valeria Heintges im Gespräch mit Martin Wigger, dem Leiter der Helferei

Das Zürcher Kulturhaus Helferei

Berliner Ensemble: Dazwischen

Zwischen Illusion und Ideologie

Alle reden vom Zuschauerschwund im Theater. Ja, den gibt‘s auf jeden Fall, sagen sie an den ostthüringischen Bühnen Gera-Altenburg. Nein, können wir nicht bestätigen, heißt es im süd­thüringischen Meiningen. Und dazwischen, auf halber Autobahnstrecke, geht ein Intendant jetzt wandern: Hasko Weber hat in Weimar mit dem Besucherservice gewettet, dass er auf dem Theaterfest zum Spielzeitauftakt mindestens fünf Zuschauer findet, die so gerne mit ihm den Thüringer Wald durchstreifen würden, dass sie ein Abonnement abschließen. Weil aber auch solche ­darauf Lust hatten, die bereits Abonnementen sind, sollte die „Wandergruppe Weber“ nun Ende Oktober an gleich zwei Tagen um den Inselsberg ziehen, mit jeweils zehn Beteiligten. Das ist keine Massenbewegung, aber eine Reaktion auf ­diverse Zuschauerwanderungen an deutschen Theatern. Es beglaubigt, was Hasko Weber auf dem Theaterfest ins Publikum rief: „Wir tun alles dafür, dass Sie gerne kommen!“ Zwei Wochen später beglückte er mit dem Ensemble das Jubiläum eines Fitness­studios: Die „Rambazambabar“ spielte auf, ein Kult gewordenes Liederabendformat des Hauses. Weber will mit dem Theater in der Stadt sichtbar bleiben oder, je nachdem, werden. Andernorts spräche man von Kundenbindung. „Ja“, bestätigt er fürs Deutsche Nationaltheater, „wir haben über die zwei Coronajahre hinweg Abonnenten verloren, auch ­altersbedingt.“ Das klassische Festplatzabo sei seit Jahren...

Erkundungen und Erkundigungen aus gegebenem Anlass in Weimar, Meiningen, Rudolstadt und Gera-Altenburg

Thüringer Zuschauerwanderungen

Der Kultur-Kahlschlag droht

<blockquote> Ich wollte diesen Körper und es interessierte mich nicht, was ich dafür tun musste. Arnold Schwarzenegger </blockquote> <blockquote> Der Körper wird der Scharfrichter der Seele. Jean Paul </blockquote> 0. Prolog Ein iranischer Autor, der österreichische Autor, ein geflüchteter, ein aus dem Nahost stammender Autor, ein Muslim oder Nicht-Muslim, ein Atheist, ein aus Teheran stammender Autor, der Wiener Autor, der junge Autor, Exil-Dramatiker, ein im Iran geborener und in Österreich lebender Autor, der iranisch-österreichische Autor, der Exil-Iraner, der in Österreich lebt. All das wurde über mich gesagt. Was erzählen diese Zuschreibungen über mich? Was beschreibt mich? Was sagt mein Körper dazu? Es ist 2009. Mein Studium habe ich seit einem Jahr abgeschlossen. Gerade 23 Jahre alt, eher jung. Ich halte mich für mutig, sehr mutig sogar. Viele Tote und Leichen schon gesehen. Die Proteste sind im Gange. Die ersten Menschen werden erschossen auf den Straßen Teherans. Ich bin mit einem Freund unterwegs. Unweit der Universität Teheran bildet sich eine Gruppe, die langsam größer wird. Bis bärtige Männer auf Motorrädern auftauchen. Schnell und brutal lösen sie die Versammlung auf. Wie? Mit gezogenen Waffen, Schlagstöcken, zu zweit auf ihren Motorrädern. Sie produzieren Lärm, einen höllischen Lärm, um uns den Tod nahezubringen. Wir biegen schnell in eine...

Quälbarer Leib – ein Körpergesang

So kann eine Heiner-Müller-Textcollage auch gehen: die Texte benutzen, um die Biografie dahinter freizulegen. Auch wenn dafür einiges verbogen werden muss. Die Grundidee von Sascha Hawemanns „Chronik“ ist schon sehr stimmig, nur eine Chronik ist dabei nicht herausgekommen, sondern ein mehr oder ­weniger vergnügliches Potpourri aus Müllers Leben und Schreiben. Acht Schauspieler:innen stürzen durch die Texte und immer wieder durch reale Personen, die für die Entstehung von Müller-Texten wichtig waren. Am anschaulichsten und eindrücklichsten geschieht das mit dem fünften Teil der „Wolokolamsker Chaussee“, dem Konflikt zwischen einem Funktionärs­vater und seinem Sohn, der vorgeblich einer Kleist-Erzählung folgt, aber im Wesentlichen den Kampf von Thomas Brasch mit seinem Vater und der dabei sterbenden Mutter erzählt. Hier ist nun nicht nur ein Thomas auf der Bühne, sondern auch seine Freundin ­Bettina Wegner – und der ganze Part hält ­einen Ton, der einen heute noch schaudern lässt. Da ist nichts VERGESSEN, wie der ­Refrain des Kurzstücks lautet. Andere Szenen haben eher den Anstrich von Parodie und Posse, etwa wenn eine Wolf-Biermann-Figur mit Schnauzbart und Klagehaltung auf der Gitarre klimpert und eitel aufzählt, über welche wichtigen Themen schon Lieder entstanden sind, die jetzt alle „mal kurz angespielt“ werden können. Das ist Spott und Spaß –...

Mecklenburgisches Staatstheater: „MÜLLER : Eine Chronik in sechs Jahrzehnten“ von Sascha Hawemann. Regie Sascha Hawemann, Bühne Wolf Gutjahr, Kostüme Hildegard Altmeyer

Neuerscheinungen im Verlag