Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

STIMMEN Jutta Wachowiak Dagmar Manzel Michael Gwisdek Frank Lehmann Dieter Montag Christoph Hein Horst Hiemer Christine Schorn Jutta Wachowiak <h3 class="h3">Endlich angstfrei!</h3> 1968 zog ich von Potsdam in den Süden – der DDR. Gerhard Meyer, langjähriger Intendant in Potsdam, war ein Jahr zuvor an die Städtischen Bühnen Karl-Marx-Stadt gewechselt und hatte mir das Gleiche angeboten – falls ich den Schritt wagen wolle. Jederzeit! Denn die ersten fünf Jahre meines Schauspielerinnendaseins waren vollgepackt mit offenen Fragen, und sie waren extrem arm an Antworten. Und nun traf ich auf Christian. Er hatte seine erste Spielzeit in Karl-Marx-Stadt hinter sich. War sehr geschätzt, und alle hofften – und gingen fest davon aus –, dass er fürs Ensemble eine große Bereicherung sei. Erste Probe „Kasimir und Karoline“. Er: Merkel Franz, Ich: dem Merkel Franz seine Erna. Er schmiss die Arme und sich selber in die Bresche, dass mir sofort bewusst wurde, was mir in den letzten Jahren gefehlt hatte: so eine absolut ungebremste Verausgabungsbereitschaft, so ein Vertrauen zu sich und zu den Kollegen. Das war es, was ich bislang vermisste. Und nicht nur das! Er dosierte seine Vorschläge überhaupt nicht. Waren sie dumm oder ungenau oder gar nicht zu brauchen – egal. Er machte sie,...

Stimmen: Jutta Wachowiak, Dagmar Manzel, Michael Gwisdek, Frank Lehmann, Dieter Montag, Christoph Hein, Horst Hiemer, Christine Schorn

Und der Abend dauert zehn Minuten länger

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Thomas Wieck: Wann hast Du etwas von dem Autor Heiner Müller gehört und wie kamst Du an die Volksbühne? Hermann Beyer: Wir hatten einen Lehrer an der Oberschule, der uns immer ins Berliner Ensemble geschickt hat: »Das müsst ihr euch angucken!« Dann gab es eine Aufführung im Kulturhaus Ludwigsfelde: Hagen Müller-Stahl hatte mit Studenten der Bezirksparteischule der SED in Kleinmachnow Zehn Tage, die die Welt erschütterten aufgeführt. Anschließend war ein Gespräch mit Heiner Müller. Da habe ich ihn das erste Mal gesehen und dachte: Mann, ist der hässlich! – Ob ich schon was gehört hatte von ihm, weiß ich nicht. Aber ich weiß noch, wenn irgendeine Kritik in dem Gespräch kam, erklärte Müller immer, warum er gerade das gut findet. Und in der 10. oder 11. Klasse habe ich die Inszenierung von Lohndrücker gesehen. Im Maxim-­Gorki-Theater. Und fand das erstaunlich. Da gab es ja diese vielen »­Produktionsstücke« und ich habe mich gewundert, wieso die mich nie interessiert haben, ich aber über die Jahre immer wieder in dieses ­Lohndrücker-Heft geschaut habe, das ich mir besorgt hatte. Mich hat das sehr interessiert, ohne mitzukriegen, was das Stück bedeutete. Das kam erst, als Müller das selbst inszenierte, 1988. Schon die erste Arbeit...

Hermann Beyer, Michael Gwisdek und Dieter Montag im Gespräch

»Es ist fast unmöglich, die Fackel der Wahrheit durch ein Gedränge zu tragen, ohne jemanden den Bart zu versengen.« (Georg Christoph Lichtenberg)

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Müller verabschiedete sich mit seiner Macbeth-Inszenierung praktisch von der Volksbühne.1 Er begann die theatralen Zurichtungen von Bob Wilson zu sondieren, schienen sie ihm doch mit der im epischen Theater angestrebten »Trennung der theatralischen Elemente« zu korrespondieren. Tatsächlich handelte es sich aber um Spätformen der theaterexpressionistischen Versuche, wie sie Kandinsky vorbildlich und systematisch in seinem Text Über Bühnenkomposition schon 1912 dargelegt hatte. Entgegen allen zeitweiligen Versicherns Müllers waren die Inszenierungen Wilsons unvereinbar mit dem epischen Theater.2 Eine konzise Beschreibung der frühen Inszenierungen Wilsons, die in Europas postmodernistisch sich wandelnder Kunstszene emphatisch begrüßt wurden, deckt das Geheimnis des Erfolgs auf: <blockquote> Sie [die Darsteller; ThW] sind in Kästen aus Licht gefangen, die Lichteffekte streichen die Menschen gleichsam durch – sie werden »ausgemacht«. Das Element des Statischen überwiegt, Zeit wird eingefroren in Zeitlupe, Landschaft wird bewußt als Kulisse gesehen. Die gesamte Bildsprache dieser Inszenierung zitiert bestimmte Tendenzen der modernen Kunst – von Magritte bis Duane Hanson, von Christo bis Kienholz. Es ist eine Kunst der Bewegungslosigkeit, ihrerseits bereits Zitat. Und was sie mitteilt, ist die Lakonie: Menschen haben nichts miteinander zu tun. […] Leben ist eigentlich nur eine zellenbewegte Vorform von Tod. Ohne Zeit, ohne Prozeß, ohne Entwicklung. Zum chromblitzenden Boutiquen-Chic...</blockquote>

Michael Gwisdek, Dieter Montag und Hermann Beyer im Gespräch

Die Zeit ist reif für Veränderungen: Wolokolamsker Chaussee

Angstlos! Heimatlos?

Regie: Ginka Tscholakowa1 und Heiner Müller; Bühnenbild/Kostüme: Hans-Joachim Schlieker. Mit: Klaus Michael Aust, Margit Bendokat, Hermann Beyer, Jürgen Holtz, Dieter Montag, Harald Warmbrunn und Iris Denise Hupfeld, Karl-Heinz Janowski. Bauprobe: 18. August 1980. Probenbeginn: 23. August 1980. UA im Theater im 3. Stock (40 Zuschauerplätze): 13. November 1980. <blockquote> Müllers Vorstellungen von Theater und dem Umgang mit Texten kamen mit den Erfahrungen der Schauspieler am Anfang überhaupt nicht zusammen. Es hagelte Missverständnisse, es waren zwei ganz verschiedene Sprachen. Müllers Wunsch war es, dass man nicht interpretiert, dass man den Text in Frieden lässt.2 </blockquote> Die Inszenierung wurde belastet durch den schwer erklärlichen Entschluss, die Figur des Debuisson mehrfach zu brechen und zwar dadurch, daß der gleiche Schauspieler auch den »Antoine« und den »Mann im Fahrstuhl« spielte.3 Die Dramaturgin Lily Leder rationalisierte die Figur, indem sie eine durchgehende Handlung der konzeptionell behaupteten, aber ungeschriebenen Figur Debuisson/Antoine erfand: <blockquote> Eine Figur, mehrmals gebrochen, Debuisson, der in der Figur des Antoine den gescheiterten Revolutionär zeigt und sich selbst dann in einer reflektiven Rückblende als revolutionärer Akteur erlebt, seine Sache dann verrät, um dann als irgendein Mensch von heute an einem nicht näher definierten Auftrag scheitert und sich in einem utopischen Bereich von Landschaften...</blockquote>

Der Auftrag

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

Regie: Fritz Marquardt; Bühnenbild: Pieter Hein; Kostüme: Heidi Brambach. Tonmontage: Olaf Gade; Dramaturgie: Otto-Fritz Hayner Dieter Montag (Barka, Brigadier), Günter Zschäckel (Bastian), Günter Junghans (Bolbig), Bodo Krämer (Elmer), Henry Hübchen (Klamann), Carl-Hermann Risse (Kleiber), Jörg Gillner (Galonzki), Michael Gwisdek (Donat, Parteisekretär), Jürgen Holtz (Belfert, Oberbauleiter; Bezirkssekretär der SED und ein Dichter), Hildegard Alex (Katrin Schlee, Ingeneurin), Hermann Beyer (Hasselbein, Ingenieur; alter Genosse), Karl-Heinz Liefers (Arbeiter), Klaus Hecke (ein Maler), Ursula Karusseit (Dreier, Brigadier), Joachim Tomaschewsky (Meister), Heide Kipp (Sekretärin) u. a. Konzeptionelle Gespräche ab November 1978. Probenbeginn: 8. Mai 1979. Geplante Premiere: 16. November 1979. Voraufführungen am 28. und 29. Juni 1980. Premiere: 3. September 1980.<a class="_idEndnoteLink _idGenColorInherit">1</a> Noch 1988, acht Jahre nach der Uraufführung, fragten sich Autor und Regisseur, ob es recht getan war, das Stück inszeniert zu haben: »Eigentlich wollte ich Bau nie machen. [… ] Müller hat zwei Tage mich beharkt, zuhause, allein, warum es so wichtig ist, daß ich Bau mache und ich weiß bis heute nicht genau, ob er recht hatte oder ich.« Der Autor sekundierte dem Regisseur: »Ja, das ist so, wenn ich einen Vergleich suche, so etwas wie Käthchen von Heilbronn. Das ist Bau bei mir, also eine Mißgeburt eigentlich und ein ganz...

Ein Stück sperrt sich gegen seine verspätete Uraufführung: Der Bau

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

<blockquote> Ich habe eine Aufführung gesehen im BE, auf der Probebühne des BE, das war irgendwie in den 70er Jahren. Da saß die Christel Gloger neben mir und sagte, es ist ein Wunder, daß sie dich damals nicht totgeschlagen haben für das Stück. Ich hab mich auch gewundert, ich hab mich erinnert an meine edlen Intentionen bei bestimmten Sätzen, und hab dann gehört, zwanzig Jahre später, was ich wirklich geschrieben habe, was ich aber nicht wußte damals, und es klang nach den zwanzig Jahren ganz anders.2 </blockquote> Die Inszenierung 1988 stand eindeutig im Zeichen von Glasnost und so musste die Aufführung dem Stücktext aufhelfen, denn nun traten dessen grobe Ungenauigkeiten und Unterlassungen, Verzeichnungen zu Tage, die dringend zu berichtigen waren. Die Aufführung musste das historische Umfeld der Ringofenreparatur realitätsgerecht ins Spiel bringen. Das war gar nicht einfach, da sich Müller in seinem Stück über die historischen Sachverhalte hinweggesetzt hatte, wie er es burschikos in seiner Anmerkung zum Stück angekündigt hatte: »Das Stück spielt 1948/49 in der Deutschen Demokratischen Republik.« Die DDR wurde im Oktober 1949 ausgerufen. Die Ringofen-Reparatur fand aber 1950 statt. Warum dieses Verwirrspiel? Müller war zwar in seinem Text weitgehend den vorliegenden Erzählungen über die Ringofenreparatur gefolgt, hatte aber...

»Was hier gescheitert ist, ist nicht der Sozialismus, sondern ein Versuch, Marx zu widerlegen.« (Heiner Müller)

Johanna Schall im Gespräch / Hermann Beyer, Michael Gwisdek und Dieter Montag im Gespräch

Der Lohndrücker am Deutschen Theater Berlin 1988

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Hermann Beyer a. G. (Macbeth 3, Macduff ), Susanne Düllmann (Malcolm, alte Frau, Lord, Soldat, Hofdame, Der ewige Diener), Ruth Glöss (Lenox, Magd), Michael Gwisdek (Macbeth 2, Arzt), Corinna Harfouch a. G. (Lady Macbeth, Lady), Ursula Karusseit (Soldat, Hexe 2, Pförtner, Mörder 1), Heide Kipp (Duncan, Hexe 1, Mörder 2, Lord, Lady Macduff, Soldat, Diener), Dieter Montag (Macbeth 1), Ulrich Mühe a. G. (Banquo, junger Bauer, ein Lord, gefesselter Lord, Seyton), Walfriede Schmitt (Rosse, Hexe 3, Mörder 3, Soldat, Bote), Iris-Denise Hupfeld (Hexe, Fleance, Lord). Regie: Heiner Müller und Ginka Tscholakowa; Bühnenbild: Hans-­Joachim Schlieker; Kostüme: Jutta Harnisch Probenbeginn: Ende März 1982. Premiere: 21. September 1982. <blockquote> »Woher nehmt ihr denn aber das große gigantische Schicksal, Welches den Menschen erhebt, wenn es den Menschen zermalmt?« – »Also eure Natur, die erbärmliche, trifft man auf euren Bühnen, die große nur nicht, nicht die unendliche an?« – Der Poet ist der Wirt und der letzte Aktus die Zeche: Wenn sich das Laster erbricht, setzt sich die Tugend zu Tisch.«1 </blockquote> Gleich, ob Müller den Text kannte oder nicht, der Text spricht in seinem Sinne vom Theater des Tragischen, von einem Theater »welches den Menschen erhebt, wenn es den Menschen zermalmt«. Diesen Gedanken hat Müller,...

Macbeth. Nach Shakespeare

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Zwischen Illusion und Ideologie

Der Kultur-Kahlschlag droht

Zirkus

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Was macht das Theater...?

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1942 in Berlin geboren, spielte am Deutschen Theater und an der Volksbühne. 1990 lief seine erste Regiearbeit, „Treffen in Travers“, beim Filmfestival in Cannes. Für eine Hauptrolle in „Nachtgestalten“ von Andreas Dresen erhielt er 1999 einen Silbernen Bären der Berlinale.

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
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Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.
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Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Die künstlerische Arbeit am Theater ist unmittelbar kooperativ und immer auch Arbeit an ihrer eigenen Form. Theatermacher:innen in der Weimarer Republik haben dies voraussetzend versucht, im mitlaufenden Verweis auf ihr Tun eine bessere, nicht kapitalistische Gesellschaft real und imaginativ vorwegzunehmen. Wieso endete dieser Versuch in einem Lob der großen Produktion statt in einer Befreiung von ihr? Oder in einer naiven Verwendung rassistischer Stereotypen? Tropen des Kollektiven beantwortet diese Fragen, indem es ein solches Scheitern von Utopie am Beispiel des Epischen Theaters – der Piscator-Bühne, der Truppe 31, der Versuche-Gruppe, zu der Bertolt Brecht gehörte – nachvollzieht. Weil das Buch nach dem Verwertungsregime künstlerischer Arbeit schlechthin fragt, gelten die Antworten, die es gibt, nicht nur für die Theater-Avantgarde.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/rothe-briefing">Briefing</a>
 
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Horizonte der Emanzipation im Epischen Theater

Tropen des Kollektiven

Chemnitz – Kulturhauptstadt Europas. Was man dort als Programm geplant hat, entsteht vor allem aus der Stadt selbst heraus. Ein ganzes Jahr lang andauerndes Experiment für eine traditionell auf magne­tische Internationalität angewiesene Großveranstaltung. Programmgeschäftsführer Stefan Schmidtke, selbst im nahen Döbeln aufgewachsen, erklärt die Philo­sophie hinter Chemnitz 2025. Wie sie konkret aussieht, kann man im Kunstinsert „#3000Garagen“ erfahren, für das übrigens Eiskunstlaufweltstar Katarina Witt das Nummernschild ihres ersten ­Autos beisteuerte: TKW 1-11. T war damals das Kennzeichen für Karl-Marx-Stadt, der Rest erklärt sich von selbst.
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Kulturhauptstadt Chemnitz

Radikal anders

Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Dieter Montag über die Kunst des Schauspielens in der DDR

Wir waren die Müller-Spieler

Der Wahlberliner Gottfried Pilz (*1944 in Salzburg, +2024 in Berlin) zählte zu den renommiertesten Bühnen- und Kostümbildnern des Musiktheaters. Seine feinsinnigen, beeindruckenden Arbeiten entwickelte er durch das intensive Studium von Libretto und Partitur – im Lauf der Jahre mit einer zunehmend abstrakten und minimalistischen Bildsprache. Pilz arbeitete unter anderem mit den Regisseuren John Dew, Götz Friedrich, Günter Krämer, Stefan Herheim und George Tabori zusammen. In der reich bebilderten Publikation sind großformatige Fotografien, Zeichnungen, Figurinen und Bühnenbildmodelle zu sehen. Es ist ein konzentrierter Ausschnitt mit 15 Projekten aus 50 Schaffensjahren einschließlich Regiearbeiten. Besonderer Bestandteil der Ausgabe sind die Camera-obscura-Aufnahmen der Fotografin Karen Stuke. Sie fotografierte viele Jahre die Opernaufführungen von Gottfried Pilz. Das Buch enthält eine Kurzbiografie, ein umfassendes Werkverzeichnis sowie ein sorgfältig recherchiertes Register.
Mit Textbeiträgen von Jochen Diederichs, Gottfried Pilz, Bärbel Reißmann, Kerstin Schröder und Karen Stuke 
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Bühne Kostüm Regie

Gottfried Pilz

Die Nebenfigur ist keine Nebensache, aber das bedeutet nicht, sie zur heimlichen Hauptfigur zu erklären. Stattdessen gilt das Interesse dieses Bandes der Frage, welche Funktionen Nebenfiguren innerhalb einer Handlung, einer Partitur, eines Tableaus oder einer Szenografie einnehmen und wie die Wahrnehmung des Auftrittskontexts durch ihre Anwesenheit beeinflusst wird.
Nebenfiguren werden innerhalb von Konstellationen etabliert und ihrerseits eingesetzt, um Konstellation zu modellieren: als Respondierende oder Kommentierende, als Instanzen der Intervention und immer wieder als Instanzen des Blicks. Sie konstituieren sich relational, sekundär und als Effekt einer Betrachtung, die nicht auf solitäre Akteure, sondern auf eine je spezifische repräsentationale Ordnung gerichtet ist, an der Nebenfiguren durch ihre Auftritte Anteil haben.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/nebenfiguren-briefing">Briefing</a>
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Nebenfiguren

Sie inszenieren an großen Theatern, ihre Arbeiten werden zu großen Festivals eingeladen, sie leiten sogar Häuser – und sie sind jung! Das im deutschsprachigen Raum viel diskutierte Regietheater hat eine neue Generation an Theatermacher:innen hervorgebracht, die etwas mehr als zwanzig Jahre nach dem Theater der Zeit Arbeitsbuch „Werk-Stück“ (2003) erstmals in dieser Zusammenstellung porträtiert werden will. In Inhalt und Darstellung disparat, eigensinnig und ohne einen Anspruch auf Vollständigkeit.
Das Arbeitsbuch 2024 stellt die Personen und Arbeiten der neuen Regie-Generation vor. Wir fragen: Welche Themen treiben sie um? Welche Haltungen haben sie? Wie arbeiten sie? Wie sehen sie ihre Zukunft? Und wem gehört sie?
Zwanzig Porträts: Lucia Bihler, Claudia Bossard, Alexander Eisenach, Jan-Christoph Gockel, Julien Gosselin, Sapir Heller, Florentina Holzinger, Heinrich Horwitz, Elsa-Sophie Jach, Pınar Karabulut, Ewelina Marciniak, Antú Romero Nunes, Bonn Park, Christopher Rüping, Marie Schleef, Rieke Süßkow, Luise Voigt, Wilke Weermann, Julia Wissert, Stas Zhyrkov
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Die neue Regie-Generation

Werk-Stück II

Neuerscheinungen im Verlag