Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

„Faire Honorare!”, „Faire Verträge!” und „Innovatives Theater!” – das neue Reformpaket des Szenografie-Bunds fordert maßgebliche Veränderungen

Thomas Wieck: Wann hast Du etwas von dem Autor Heiner Müller gehört und wie kamst Du an die Volksbühne? Hermann Beyer: Wir hatten einen Lehrer an der Oberschule, der uns immer ins Berliner Ensemble geschickt hat: »Das müsst ihr euch angucken!« Dann gab es eine Aufführung im Kulturhaus Ludwigsfelde: Hagen Müller-Stahl hatte mit Studenten der Bezirksparteischule der SED in Kleinmachnow Zehn Tage, die die Welt erschütterten aufgeführt. Anschließend war ein Gespräch mit Heiner Müller. Da habe ich ihn das erste Mal gesehen und dachte: Mann, ist der hässlich! – Ob ich schon was gehört hatte von ihm, weiß ich nicht. Aber ich weiß noch, wenn irgendeine Kritik in dem Gespräch kam, erklärte Müller immer, warum er gerade das gut findet. Und in der 10. oder 11. Klasse habe ich die Inszenierung von Lohndrücker gesehen. Im Maxim-­Gorki-Theater. Und fand das erstaunlich. Da gab es ja diese vielen »­Produktionsstücke« und ich habe mich gewundert, wieso die mich nie interessiert haben, ich aber über die Jahre immer wieder in dieses ­Lohndrücker-Heft geschaut habe, das ich mir besorgt hatte. Mich hat das sehr interessiert, ohne mitzukriegen, was das Stück bedeutete. Das kam erst, als Müller das selbst inszenierte, 1988. Schon die erste Arbeit...

Hermann Beyer, Michael Gwisdek und Dieter Montag im Gespräch

»Es ist fast unmöglich, die Fackel der Wahrheit durch ein Gedränge zu tragen, ohne jemanden den Bart zu versengen.« (Georg Christoph Lichtenberg)

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Antigone“ in Leichter Sprache

Freddy Krueger und Chucky, die Mörderpuppe

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Von Schulterschlüssen und Zirkusküssen

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

The Blob und das Lachen der Medusen

To try, to fail, to try again

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Müller verabschiedete sich mit seiner Macbeth-Inszenierung praktisch von der Volksbühne.1 Er begann die theatralen Zurichtungen von Bob Wilson zu sondieren, schienen sie ihm doch mit der im epischen Theater angestrebten »Trennung der theatralischen Elemente« zu korrespondieren. Tatsächlich handelte es sich aber um Spätformen der theaterexpressionistischen Versuche, wie sie Kandinsky vorbildlich und systematisch in seinem Text Über Bühnenkomposition schon 1912 dargelegt hatte. Entgegen allen zeitweiligen Versicherns Müllers waren die Inszenierungen Wilsons unvereinbar mit dem epischen Theater.2 Eine konzise Beschreibung der frühen Inszenierungen Wilsons, die in Europas postmodernistisch sich wandelnder Kunstszene emphatisch begrüßt wurden, deckt das Geheimnis des Erfolgs auf: <blockquote> Sie [die Darsteller; ThW] sind in Kästen aus Licht gefangen, die Lichteffekte streichen die Menschen gleichsam durch – sie werden »ausgemacht«. Das Element des Statischen überwiegt, Zeit wird eingefroren in Zeitlupe, Landschaft wird bewußt als Kulisse gesehen. Die gesamte Bildsprache dieser Inszenierung zitiert bestimmte Tendenzen der modernen Kunst – von Magritte bis Duane Hanson, von Christo bis Kienholz. Es ist eine Kunst der Bewegungslosigkeit, ihrerseits bereits Zitat. Und was sie mitteilt, ist die Lakonie: Menschen haben nichts miteinander zu tun. […] Leben ist eigentlich nur eine zellenbewegte Vorform von Tod. Ohne Zeit, ohne Prozeß, ohne Entwicklung. Zum chromblitzenden Boutiquen-Chic...</blockquote>

Michael Gwisdek, Dieter Montag und Hermann Beyer im Gespräch

Die Zeit ist reif für Veränderungen: Wolokolamsker Chaussee

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Regie: Ginka Tscholakowa1 und Heiner Müller; Bühnenbild/Kostüme: Hans-Joachim Schlieker. Mit: Klaus Michael Aust, Margit Bendokat, Hermann Beyer, Jürgen Holtz, Dieter Montag, Harald Warmbrunn und Iris Denise Hupfeld, Karl-Heinz Janowski. Bauprobe: 18. August 1980. Probenbeginn: 23. August 1980. UA im Theater im 3. Stock (40 Zuschauerplätze): 13. November 1980. <blockquote> Müllers Vorstellungen von Theater und dem Umgang mit Texten kamen mit den Erfahrungen der Schauspieler am Anfang überhaupt nicht zusammen. Es hagelte Missverständnisse, es waren zwei ganz verschiedene Sprachen. Müllers Wunsch war es, dass man nicht interpretiert, dass man den Text in Frieden lässt.2 </blockquote> Die Inszenierung wurde belastet durch den schwer erklärlichen Entschluss, die Figur des Debuisson mehrfach zu brechen und zwar dadurch, daß der gleiche Schauspieler auch den »Antoine« und den »Mann im Fahrstuhl« spielte.3 Die Dramaturgin Lily Leder rationalisierte die Figur, indem sie eine durchgehende Handlung der konzeptionell behaupteten, aber ungeschriebenen Figur Debuisson/Antoine erfand: <blockquote> Eine Figur, mehrmals gebrochen, Debuisson, der in der Figur des Antoine den gescheiterten Revolutionär zeigt und sich selbst dann in einer reflektiven Rückblende als revolutionärer Akteur erlebt, seine Sache dann verrät, um dann als irgendein Mensch von heute an einem nicht näher definierten Auftrag scheitert und sich in einem utopischen Bereich von Landschaften...</blockquote>

Der Auftrag

Corinna Harfouch und Hermann Beyer über Fritz Marquardt

Ruckedigu, Blut ist im Schuh

Rechte, keine Wohltaten

Moers: Klimaneutraler Theaterneubau erhält 80 Prozent Förderung vom Land NRW und dem Bund

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

„Work hard, play hard?“

Liebe, Schreiben, Popmusik

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Unterstützungsbedarf

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Mit der Aufführung von Das Laken 1974 und mit der Uraufführung der Szenenfolge Die Schlacht, ein Jahr darauf, skandalösen Darstellungen des nationalsozialistischen Deutschen Reiches, die in schockierenden Bildern zeigten, wie sich eine Bevölkerung willentlich und wissentlich seinen nationalsozialistischen Führern er- und hingab und sich selbst verdarb, begann die letzte Phase der innovativen Arbeit der Volksbühne. Sie wurde nicht mehr von Bessons Inszenierungen, sondern von den Inszenierungen Karge/Langhoffs und Fritz ­Marquardts geprägt und ist vielleicht als ein Theater der ­konsequenten und ­frontalen Konfrontation des Publikums mit sich selbst in seinem historischen und aktuellen gesellschaftlichen Versagen am treffendsten charakterisiert. Der Bann über das dramatische Frühwerk Müllers wurde durchbrochen und in den Folgejahren überprüften Schauspieler und Regisseure ungerührt ob aller aufgeregten kritischen Widerworte, mittels der alten Stücke Müllers: Der Lohndrücker, Die Bauern, Der Bau und der neueren Traktor, Macbeth und Auftrag das gesellschaftliche Experiment »DDR« auf seinen realen Sozialismusgehalt. Die Bilanz mutierte zur Anamnese und die ­Diagnose lautete: schwerkrank. Aber das geschah auf eine ermutigende Art und Weise, weil artistisch aufregend und gedanklich scharf. Das brillante Spiel der Protagonisten dieser Aufführungen Beyer, Gwisdek, Holtz, ­Junghans und Montag bewies, noch war alle ­Hoffnung nicht vergebens. Die Schlacht/Traktor Regie: Manfred Karge...

Hermann Beyer im Gespräch

Die Schlacht/Traktor an der Volksbühne Berlin

München: Ruth Maria Kubitschek ist tot 

Schauspielhaus Bochum: Erst kaufen sie Afrika, dann werden sie sich uns kaufen

Halle: Kathrin Vieregg gewinnt für ihren Stückentwurf „Mutter Vater Rind“ den „Preis der Jungen Dramatik“

Derman sendedir

Mülheim an der Ruhr: Sivan Ben Yishai ausgezeichnet mit dem Mülheimer Dramatikpreis 2024

Die Frage nach den Wörtern

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Open Table: All in

Radikal weiblich

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Regie: Fritz Marquardt; Bühnenbild: Pieter Hein; Kostüme: Heidi Brambach. Tonmontage: Olaf Gade; Dramaturgie: Otto-Fritz Hayner Dieter Montag (Barka, Brigadier), Günter Zschäckel (Bastian), Günter Junghans (Bolbig), Bodo Krämer (Elmer), Henry Hübchen (Klamann), Carl-Hermann Risse (Kleiber), Jörg Gillner (Galonzki), Michael Gwisdek (Donat, Parteisekretär), Jürgen Holtz (Belfert, Oberbauleiter; Bezirkssekretär der SED und ein Dichter), Hildegard Alex (Katrin Schlee, Ingeneurin), Hermann Beyer (Hasselbein, Ingenieur; alter Genosse), Karl-Heinz Liefers (Arbeiter), Klaus Hecke (ein Maler), Ursula Karusseit (Dreier, Brigadier), Joachim Tomaschewsky (Meister), Heide Kipp (Sekretärin) u. a. Konzeptionelle Gespräche ab November 1978. Probenbeginn: 8. Mai 1979. Geplante Premiere: 16. November 1979. Voraufführungen am 28. und 29. Juni 1980. Premiere: 3. September 1980.<a class="_idEndnoteLink _idGenColorInherit">1</a> Noch 1988, acht Jahre nach der Uraufführung, fragten sich Autor und Regisseur, ob es recht getan war, das Stück inszeniert zu haben: »Eigentlich wollte ich Bau nie machen. [… ] Müller hat zwei Tage mich beharkt, zuhause, allein, warum es so wichtig ist, daß ich Bau mache und ich weiß bis heute nicht genau, ob er recht hatte oder ich.« Der Autor sekundierte dem Regisseur: »Ja, das ist so, wenn ich einen Vergleich suche, so etwas wie Käthchen von Heilbronn. Das ist Bau bei mir, also eine Mißgeburt eigentlich und ein ganz...

Ein Stück sperrt sich gegen seine verspätete Uraufführung: Der Bau

„Is my future all in the past“

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Vielfalt und Zersplitterung

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Der weite Weg nach Europa

The Case of Digital Arts

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Nürnberg: Theaterpreis im TRIGGER Festival 2025

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Kriegstraumatisches Theater

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Das neue Normal?

<blockquote> Ich habe eine Aufführung gesehen im BE, auf der Probebühne des BE, das war irgendwie in den 70er Jahren. Da saß die Christel Gloger neben mir und sagte, es ist ein Wunder, daß sie dich damals nicht totgeschlagen haben für das Stück. Ich hab mich auch gewundert, ich hab mich erinnert an meine edlen Intentionen bei bestimmten Sätzen, und hab dann gehört, zwanzig Jahre später, was ich wirklich geschrieben habe, was ich aber nicht wußte damals, und es klang nach den zwanzig Jahren ganz anders.2 </blockquote> Die Inszenierung 1988 stand eindeutig im Zeichen von Glasnost und so musste die Aufführung dem Stücktext aufhelfen, denn nun traten dessen grobe Ungenauigkeiten und Unterlassungen, Verzeichnungen zu Tage, die dringend zu berichtigen waren. Die Aufführung musste das historische Umfeld der Ringofenreparatur realitätsgerecht ins Spiel bringen. Das war gar nicht einfach, da sich Müller in seinem Stück über die historischen Sachverhalte hinweggesetzt hatte, wie er es burschikos in seiner Anmerkung zum Stück angekündigt hatte: »Das Stück spielt 1948/49 in der Deutschen Demokratischen Republik.« Die DDR wurde im Oktober 1949 ausgerufen. Die Ringofen-Reparatur fand aber 1950 statt. Warum dieses Verwirrspiel? Müller war zwar in seinem Text weitgehend den vorliegenden Erzählungen über die Ringofenreparatur gefolgt, hatte aber...

»Was hier gescheitert ist, ist nicht der Sozialismus, sondern ein Versuch, Marx zu widerlegen.« (Heiner Müller)

Johanna Schall im Gespräch / Hermann Beyer, Michael Gwisdek und Dieter Montag im Gespräch

Der Lohndrücker am Deutschen Theater Berlin 1988

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Polarisierung und Positionierung

Hermann Beyer a. G. (Macbeth 3, Macduff ), Susanne Düllmann (Malcolm, alte Frau, Lord, Soldat, Hofdame, Der ewige Diener), Ruth Glöss (Lenox, Magd), Michael Gwisdek (Macbeth 2, Arzt), Corinna Harfouch a. G. (Lady Macbeth, Lady), Ursula Karusseit (Soldat, Hexe 2, Pförtner, Mörder 1), Heide Kipp (Duncan, Hexe 1, Mörder 2, Lord, Lady Macduff, Soldat, Diener), Dieter Montag (Macbeth 1), Ulrich Mühe a. G. (Banquo, junger Bauer, ein Lord, gefesselter Lord, Seyton), Walfriede Schmitt (Rosse, Hexe 3, Mörder 3, Soldat, Bote), Iris-Denise Hupfeld (Hexe, Fleance, Lord). Regie: Heiner Müller und Ginka Tscholakowa; Bühnenbild: Hans-­Joachim Schlieker; Kostüme: Jutta Harnisch Probenbeginn: Ende März 1982. Premiere: 21. September 1982. <blockquote> »Woher nehmt ihr denn aber das große gigantische Schicksal, Welches den Menschen erhebt, wenn es den Menschen zermalmt?« – »Also eure Natur, die erbärmliche, trifft man auf euren Bühnen, die große nur nicht, nicht die unendliche an?« – Der Poet ist der Wirt und der letzte Aktus die Zeche: Wenn sich das Laster erbricht, setzt sich die Tugend zu Tisch.«1 </blockquote> Gleich, ob Müller den Text kannte oder nicht, der Text spricht in seinem Sinne vom Theater des Tragischen, von einem Theater »welches den Menschen erhebt, wenn es den Menschen zermalmt«. Diesen Gedanken hat Müller,...

Macbeth. Nach Shakespeare

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Aus einem Gespräch mit Hermann Beyer

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Partitur der Geräusche

Im Angesicht rechter Bedrohung

Regie: Fritz Marquardt, Mitarbeit: Irene Böhme, Hasso von Lenski, Berndt Renne; Bühnenbild: Pieter Hein; Kostüme: Heidi Brambach, Pieter Hein, Henning Schaller a. G. Günter Junghans (Beutler), Hermann Beyer (Flint), Jürgen Holtz a. G./Hans Teuscher (Rammler)<a class="_idEndnoteLink _idGenColorInherit">1</a>, Werner Tietze (Kaffka), Jürgen Rothert (Ketzer), Winfried Wagner (Erfasser), Winfried Glatzeder/Michael Gwisdek (Treiber), Wilfried Ortmann (Henne), Klaus Mertens ­(Senkpiel), Dieter Montag (Fondrak), Heide Kipp (Niet), Rosemarie Bärhold (Beutlern), Henry Hübchen (Siegfried), Carl-­Hermann Risse (Flüchtling), Klaus Brasch a. G. (Heinz), Eckhard Bogda (Junger Bauer), Wolfgang Sasse (Alter Bauer), Werner Senftleben (Polizist), Walfriede Schmitt (Schmulka), Jürgen Rothert (Ein Alter), Ursula Braun/Gisela Morgen (Eine Alte), Peter Dommisch/Michael Gwisdek (Bauer mit Mütze), Helmut Straßburger (Krüger), Berko Acker (1. Traktorist), Bodo Krämer (2. Traktorist), Harald Warmbrunn (Sieber), Harry Merkel (Simoneit), Ruth Glöss (Flinte 1), Gabriele Gysi (Flinte 2), Werner Tietze (Parteisekretär), Gisela Rubbel (Dicke Frau), Karl-Heinz Liefers (Junger Mann), Karin Ugowski (Bäuerin), Wolfgang Lohse (Ein Christ), Joachim Tomaschewsky (Pastor), Jürgen Gosch a. G. (Landrat), Susanne Düllmann (Treibern), Dieter Leuckert a. G. (Arbeiter). Probenbeginn: 16. Februar 1976. Premiere: 30. Mai 1976. Wenn man Stücke schreibt, hat man immer die gleiche Wirkungsabsicht. Die erste Funktion von Dramatik ist Zerstörung. Das kann in verschiedenen Phasen verschiedene Aspekte haben. Nur so kann...

Die Bauern

Unter Beobachtung

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Die vierte Wand in der Kunst der Gegenwart

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Darstellerporträt

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Chile

Akteure

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Schweiz

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Theater der Zeit Spezial

Tarife & Theater

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Georgien

Semantik des Schönen

Gespräch

Startseite

Schauspieler, war Marquardts Protagonist seit Beginn der 70er Jahre an der Volksbühne

Überbordend sinnlich, international gefeiert, diversitätsoffen und jenseits von disziplinären Grenzen, zugleich angefeindet, verbrämt, umkämpft: Die Intendanz von Benjamin von Blomberg und Nicolas Stemann am Schauspielhaus Zürich war eine richtungsweisende Zeit. Als alphabetisches Glossar verpackt, evoziert der vorliegende Reader die Hoffnungen und Versprechen, die mit der Intendanz verbunden waren, repräsentiert die vielfältigen Handschriften der beteiligten Künstler:innen und ruft öffentliche Debatten um die Neuausrichtung des Schauspielhauses auf.
Was also bleibt, von diesem Versuch das Stadttheater für das 21. Jahrhundert neu zu denken? Theater Is Dead. Long Live Theater. Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 gibt darauf keine finalen Antworten, sondern versammelt Material, das für zukünftige Erneuerungsversuche relevant sein könnte. Dabei entsteht ein künstlerischer Text- und Bildband, der einen erweiterten Theaterbegriff feiert und die in Zürich entstandenen Arbeiten zwischen Theater, Tanz, Film und den performativen Künsten abbildet und kontextualisiert.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=theater-is-dead_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 

Theater is Dead. Long Live Theater

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_40_jahre-kampnagel_e-pdf-klein&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=learning_for_the_future-e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=xyz_sommerheft2024&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Vermittlungskunst

Der Schwerpunkt Puppen- und Figurentheater geht von den vielfältigen Beob­achtungen der Redaktion im Feld des Schauspieltheaters aus, wo Puppenspieler:innen bedeutende Partner sind oder gleich die große Bühne übernehmen. Ein Trend, der vor 25 Jahren schon einmal herausragende künstlerische Produktionen hervorbrachte, als die Regisseure Tom Kühnel und Robert Schuster zusammen mit Suse Wächter und ihren Puppen kanonische Stücke wie Goethes „Faust“ neu sehen ließen. So etwas sollte schon in der Ausbildung als „Bandenbildung“ angestiftet werden, meint Jörg Lehmann von der Berliner Ernst-Busch-Schule, und TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier beschreibt, wie der Studiengang Figuren­theater an der Stuttgarter Hochschule für Musik und Darstellende Kunst angelegt ist. Es gibt da noch viel zu entdecken – und vor allem auch viel auf die Bühnen zu bringen.
Die Errichtung der vierten Wand in der Bildenden Kunst – Das ist eine sogar theatertheoretische Überraschung, die der Venedig-Biennale-­Künstler Ersan Mondtag im Gespräch mit dem Dramaturgen Ludwig Haugk in den Ring wirft. Mondtag bespielt den deutschen Pavillon in Erinnerung an seinen Großvater, der als türkischer Arbeitsmigrant nach Deutschland kam, unter dem Titel „Monument eines unbekannten Menschen“ mit Performances, in denen der kraftvolle Volksbühnen-Schauspieler Frank Büttner im Zentrum steht und viele verblüfft. Alles dazu im Kunstinsert dieser TdZ-Ausgabe.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_06-2024&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Puppen- und Figurentheater

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.

Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Nachdem die Freie und die inklusive Szene den Weg bereitet haben, sind in den letzten Jahren auch einige Stadttheater in Deutschland inklusiver geworden. Eines davon sind die Münchner Kammerspiele. Unter der Intendanz von Barbara Mundel sind erstmals nicht nur Schauspieler:innen mit körperlicher Behinderung, sondern auch Schau­spieler:innen mit kognitiver Beeinträchtigung fest in einem Stadttheater-Ensemble angestellt. Auch im Bereich Text, Regie und Choreografie arbeiten die Münchner Kammerspiele inklusiv. Das Theater der Zeit Spezial geht von diesen konkreten Erfahrungen der vergangenen Spielzeiten seit 2020/21 aus.
Einen kurzen Abriss zur Geschichte des inklusiven Theaters in Deutschland gibt Georg Kasch. Der Schauspieler Dennis Fell-Hernandez interviewt die Intendantin Barbara Mundel und das Team der Münchner Kammerspiele um Nele Jahnke reflektiert über die strukturellen Entwicklungen und Erfahrungen und weitere beteiligte Künstler:innen teilen ihre Perspektiven.
Das Spezial ist wendbar und erscheint in Alltagssprache und in Leichter Sprache.
+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ In Leichter Sprache:
Bis jetzt wird nur an wenigen Theatern in Deutschland inklusiv gearbeitet. Zum Beispiel bei den Münchner Kammerspielen.
Die Münchner Kammerspiele finden Inklusion wichtig. Darum gehören zum Ensemble der Münchner Kammerspiele auch Schauspieler:innen mit Behinderung. Es sind Schauspieler:innen mit Körper·behinderung. Und Schauspieler:innen mit anderen Lern·möglichkeiten. Sie spielen fest an den Kammerspielen.
Manchmal kommen weiter Künstler:innen mit anderen Lernmöglichkeiten und Körperbehinderung an die Kammerspiele und denken sich Theaterstücke aus.
Das Magazin Theater der Zeit Spezial berichtet von den Erfahrungen der Münchner Kammerspiele mit dem Thema Inklusion.
Es werden Beispiele beschrieben aus den Jahren 2020 bis heute.
Georg Kasch schreibt über die Geschichte des inklusiven Theaters in Deutschland. Der Schauspieler Dennis Fell-Hernandez interviewt die Intendantin Barbara Mundel. Das Team der Münchner Kammerspiele denkt über die Erfahrungen aus ihrer inklusiven Arbeit nach. Und weitere Künstler:innen teilen ihren Blickwinkel.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_spezial_all_abled_arts&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;hideShareButton=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Notizen zu Inklusion an einem Stadttheater

All Abled Arts

Eigentlich hatte Klaus Lederer anderes zu tun. Der Politiker (Die Linke) im Berliner Abgeordnetenhaus stellte auf der Leipziger Buchmesse sein für einen radikalen Humanismus werbendes Buch „Mit links die Welt retten“ vor, feierte damit seinen 50. Geburtstag und flog dann sehr weit weg in den Urlaub. Als er von der Anfrage der Redaktion erfuhr, ob er etwas zu der Diskussion über die Zukunft der Volksbühne beisteuern könnte, sagte er sofort zu. Lederer handelte als Berliner Kultursenator 2019 mit René Pollesch die Intendanz der Berliner Volksbühne ab 2021 aus – Überlegungen zu deren Zukunft sind der Schwerpunkt in diesem Heft.
Der russische Schriftsteller Viktor ­Jerofejew floh sehr schnell nach dem totalen Überfall Russlands auf die Ukraine mit seiner Familie Richtung Westen. Die abenteuerliche Fahrt mit dem Auto über Finnland, das Baltikum und Polen nach Deutschland beschreibt er in seinem ­Roman „Der Große Gopnik“, ohne Zweifel das bislang bedeutendste Buch der Lite­ratur über Putins Psyche und das von ihm geprägte Russland. Das Wort ­Gopnik, abgeleitet vom sowjetischen ­Kürzel für „Staatliche Wohnheime des Proletariats“ und ab den 1990ern ein Begriff für ­depravierte Jungkriminelle und Schlägertypen, hat dank Jerofejew Chancen, in die deutsche Sprache zu gelangen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_05-2024&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Viktor Jerofejews Putin-Stück: Der Große Gopnik

Perspektiven der Volksbühne

„Ich war nie in einem Theaterbetrieb, ich war immer frei“, bekundet der Theatermacher Willy Praml.
In Frankfurt am Main verankert, behauptet er mit seiner künstlerischen Arbeit ein selbstbestimmtes und politisches Theater. Seit den 1970er Jahren erregte Willy Praml Aufsehen durch die Erprobung neuer theatraler Formen mit Lehrlingen, im ländlichen Raum und mit dem „Faust 1 &amp; 2“ in der Frankfurter Paulskirche. Nachdem sein Theaterkollektiv 2000 in einem Industriedenkmal in der Main-Metropole, der Naxos-Halle, seine Heimat fand, inszeniert das „Theater Willy Praml“ dort Gesamtkunstwerke, literarisch sowie musikalisch und immer wieder auch interkulturell mit Geflüchteten. Mittlerweile ist aus dem Provisorium ein Produktionshaus geworden. Im „Studio Naxos“ arbeiten Künstler:innen aus der freien Szene; Kino und Konzerte gehören ebenso zum Programm. Autor:innen aus Feuilleton und Wissenschaft beschreiben und reflektieren in ihren Beiträgen fünfzig Jahre dieser Theatergeschichte – fünfzig Jahre einer permanenten künstlerischen Auseinandersetzung mit der sozialen Wirklichkeit.
 
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=willy_praml_buch_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Theater Willy Praml

Poesie, Heimat und Politik

Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Dieter Montag über die Kunst des Schauspielens in der DDR

Wir waren die Müller-Spieler

Vor dem 200. Geburtstag von Heinrich von Kleist

Neuerscheinungen im Verlag