Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Nine Questions to six artists - Via e-Mail. moderated by Helmut Ploebst

Broken Telephone.

Abwegig ist die Idee nicht, dass „smarte“ Küchengeräte darauf programmiert werden könnten, sich miteinander zu unterhalten. Eher absurd erscheint die Beschwörung des Geistes eines verstorbenen Künstlers, um ein Stück mit ihm zu produzieren. Und eindeutig erschreckend wirkt die Vision von einer Privatklinik, in der sich Tänzer von einer künstlichen Intelligenz untersuchen lassen, wenn sie an einer Schaffenskrise leiden. Das diesjährige Wiener Tanz- und Performancefestival ImPulsTanz servierte drei Stücke, in denen mit den Zutaten Dystopie, Esoterik und Technologie Diagnosen gesellschaftlicher Erosionen gekocht werden. Die Küchengerätevision mit dem Titel „Cuckoo“ kam von dem südkoreanischen Musiker und Performancemacher Jaha Koo. Die Beschwörung des Butō-Tanz-Begründers Tatsumi Hijikata (1928–1986) in „UnBearable Darkness“ und die Inszenierung einer „Dance Clinic“ stammten von dem in Berlin lebenden, in Singapur geborenen Künstler Choy Ka Fai. Ans Mystische rührt das industrielle Basteln an künstlicher Intelligenz erst, seit einige Algorithmen-Zauberlehrlinge gestehen, sie verstünden nicht mehr, was in manchen selbstlernenden Maschinen vor sich gehe. Einen solchen Zustand imaginiert Jaha Koo auf der Bühne mithilfe zweier sprechender Reiskocher, die erst einmal gegenseitig ihre Identität feststellen, um dann sofort miteinander in Streit zu geraten. Klingt ziemlich menschlich, auch wenn der Dialog der Geräte im Verlauf des Stücks implodiert und in unverständliches Gedudel mündet. Richtig...

Das Wiener Festival ImPulsTanz zeigt einsame Menschen und höchst lebendige Maschinen

Optimierung im Geiste des Reiskochers

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Ein Netz aus Konfrontationen

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Die Tanzschule der Zukunft“, meinte Isadora Duncan in einer 1903 publizierten Vorlesung, „muß gleichsam ein Museum der lebendigen Schönheit ihrer Epoche sein.“ Dieser Satz stand am Beginn der expressionistischen Moderne einer Kunstform, die bis dahin von der absoluten Herrschaft der Ballettästhetik bestimmt gewesen war. Der gräzisierenden Idealistin schwebte ein vitales Museum bewegter, lernender Körper vor. Obwohl die Verbindungen zwischen Museen und darstellenden Künsten Geschichte haben, sind sie bis heute nicht selbstverständlich. Mit gutem Grund. Denn die tradierte Form des Museums hat bereits zwei nicht immer friktionsfrei miteinander zu vereinende Funktionen: das Archivieren von Dokumenten und Objekten sowie deren Präsentation in performativen Settings von Ausstellungen. Auch wirkt im Repertoire des Theaters ein „musealer Auftrag“ nach, der heute als Rahmenwerk für die Präsentation respektive die Neuinterpretation des performativkünstlerischen Kanons einer Kultur ausgelegt werden kann, die sich ihrer selbst historisch vergewissern will. Im Unterschied zum Museum ist das Theater von vornherein ein Raum künstlerischer Aktivität und daher ideal für nichtwissenschaftliche Reflexionen über das Herstellen von Gegenwart aus der Verarbeitung von historischem Material. Duncans Anmerkung steht ganz in der Tradition der vormodern bürgerlichen Auffassung von Bildung, die im 20. Jahrhundert eine paradigmatische Veränderung erfahren hat: Die Richtmaße der historischen Vergewisserung sind seitdem immer näher...

Das Wiener ImPulsTanz-Festival erprobt das Museum als performativen Ort

Black Box plus White Cube

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Publikumserregung mit Extradimension

Über Extramedialität und Widerstand

Spekta(kla)toren tanzen

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Wien

"Im Puls Tanz 99"

Lego meets Ikea

Ruhm den Kleinen!

Thüringer Befund

Zwischenrufe, Vatermorde

"Tanz im August" -

The Very Brain of Dance

Das belgische Tanzfestival Klapstuk 97

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

R Ä U M E

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Verlockung und Verzicht treffen einander in dem Titel „Die Goldberg Variationen, BWV 988“. Diesen nüchternen Namen hat Anne Teresa De Keersmaeker ihrer jüngsten Arbeit gegeben, die bei den pandemiebedingt verschobenen und stark reduzierten Wiener Festwochen uraufgeführt wurde. Seit vierzig Jahren verzichtet die belgische Starchoreografin beinahe ausnahmslos auf poetische Stück­bezeichnungen. Sie hält die Titel nüchtern, kühl und doch verlockend. Meist zitiert De Keersmaeker darin bloß die musikalische, fallweise auch eine literarische Referenz. Ganz und gar nicht nüchtern dagegen verhält sich Marlene Monteiro Freitas. Sinnlichkeit ist bei der auf den Kapverden gebo­renen Künstlerin eine dominierende Prämisse. Sie nennt ihre Werke so, wie sie sind, „Bacantes – Prelúdio para uma purga“ oder zuletzt „Mal – Embriaguez Divina“: „Vorspiel für eine Reinigung“ oder „Göttlicher Rausch“. Frühere Titel sind „Jaguar“, „Elfenbein und Fleisch – auch Statuen leiden“ oder „Tierischer Ernst“. Ein Titel ohne Wortspiel wie „The Six Brandenburg Concertos“ (De Keersmaeker, 2018) scheint undenkbar. Freitas’ Arbeiten ziehen ihre Zuschauer in traumähnliche Labyrinthe. Auch „Mal – Embriaguez Divina“, das ich nicht am Uraufführungsort Kampnagel in Hamburg, sondern kurz nach De Keersmaekers „Goldberg Variationen“ bei den Festwochen gesehen habe, kann als Irrgarten erfahren werden. Oder wie ein Film von David Lynch. Freitas’ und De Keersmaekers Choreografien zeigen...

Wiener Festwochen / Internationales Sommerfestival auf Kampnagel: „Die Goldberg Variationen, BWV 988“ (UA) von Anne Teresa De Keersmaeker; „Mal – Embriaguez Divina“ (UA) von Marlene Monteiro Freitas

Wien / Hamburg: Rausch und Kontrolle

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Neun Fragen an sechs Künstlerinnen - Per E-Mail moderiert von Helmut Ploebst

Stille Post.

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Wenn die Unis Trauer tragen

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Das große Plus an Menschlichkeit

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Magazin

Autor, Theoretiker und Forscher. Er ist Tanzkritiker der Tageszeitung Der Standard. Seit 2004 unterrichtet er an der Anton Bruckner Privatuniversität in Linz. Er ist der Gründer von und der kollektive Sprecher für Corpus – Internetmagazin für Tanz, Choreografie und Performance.
<a href="http://www.corpusweb.net" target="_blank">www.corpusweb.net</a>
is author, theoretician and researcher. He is dance critic for the daily newspaper Der Standard. Since 2004 he is teaching at the Anton Bruckner Private University in Linz. He is the founder of and the collective speaker for Corpus – internet magazine for dance, choreography and performance. www.corpusweb.net

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Nino Haratischwili: Fürchtet den Frieden

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
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Generation what?!

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.

Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Exkursion in die benachbarte Theaterlandschaft

Frankreich Spezial

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
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Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Neuerscheinungen im Verlag