Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Mittwoch, 24. Juni 2026

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Staatsoper Stuttgart: Klangarchiv der Sehnsüchte

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

Bringt euch in Gefahr!

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Freitag, 19. Juni 2026

Dienstag, 19. Mai 2026

Diversität als Festivaldramaturgie

Vielfalt ohne Versprechen

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Let’s burn down the patriarchy

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Bayerische Staatsoper München: Ein Opernthriller 

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

Schreibweisen der zeitgenössischen Zirkuskritik

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

Schlicht lebensverändernd

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Bühne & Film

<p>Das Bühnenbild kann alles. Es ist immer weniger eindeutig. Ob Performanceinstallationen von Kris Verdonck, Open-World Settings von Signa Köstler (SIGNA) oder Narrative Spaces bei Mona el Gammal: Die klassische Vorstellung vom Theaterbild ist aufgelöst und die Aufführungspraxis der Gegenwart längst geprägt von einer ausufernden Entgrenzung der Einzelkünste. Dennoch, Kostüme und Bühne erzeugen Bilder, die das ästhetische Erleben des Publikums und seinen Zugang zum Stück entscheidend prägen. An dieser Stelle begleiten wir die Entwicklungen des visuellen Theatererlebnisses und geben Einblick in die Arbeit deutschsprachiger Bühnen- und Kostümbildner:innen.</p>

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Startseite

"Martin Rupprecht"

"RAUMBÜHNE HETEROTOPIA"

"Volker Pfüller"

double "double 45"

"Michael Simon – FERTIG gibt’s nicht"

"Anna Viebrock Zürich"

"Starting over"

Arbeitsbuch 24 "Bild der Bühne, Vol. 2 / Setting the Stage, Vol. 2"

"Katrin Brack"

"Bettina Meyer – EINS ZU FÜNFUNDZWANZIG / ONE TO TWENTY FIVE"

"Annette Kurz"

IXYPSILONZETT "IXYPSILONZETT 01/2016"

Lektionen 6 "Kostümbild"

"Schminkfibel"

IMITATION OF LIFE

<p>Barbara Ehnes ist eine der prägenden Bühnenbildnerinnen der vergangenen 20 Jahre. Ihre Bühnenbilder sind von unerwarteten Raumerfindungen und Architekturen geprägt, die Spieler wie Zuschauer in verblüffende Relationen zum Raum und zueinander bringen. Mit großer Kontinuität arbeitet sie seit 2001 mit dem Regisseur Stefan Pucher zusammen, dessen Inszenierungen ihre Raumkonzepte ästhetisch wie dramaturgisch beeinflusst haben. Weitere wichtige künstlerische Partner waren und sind u. a. Stefan Bachmann, Meg Stuart, Jossi Wieler und Sebastian Baumgarten.</p>
<p>Die wichtigsten Theater, an denen sie arbeitet, sind die Münchner Kammerspiele, Schauspielhaus Zürich, Deutsches Theater Berlin, Deutsches Schauspielhaus Hamburg. Neben ihrer Arbeit als Bühnenbildnerin hat sie in den letzten Jahren bespielte Installationen im öffentlichen Raum kreiert, u. a. für das HAU Berlin, die Wiener Festwochen und Theater der Welt in Mannheim, und ist seit 2011 Professorin für Bühnenbild an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden.</p>
<p>Das Buch dokumentiert die wichtigsten Bühnenarbeiten und Projekte von Barbara Ehnes mit zahlreichen Abbildungen und Erläuterungen im Gespräch mit Stefanie Carp und Stefan Pucher sowie Texten u. a. von Chris Kondek, Matthias Lilienthal und Meg Stuart.</p>
<p> <iframe src="https://player.vimeo.com/video/233829731?title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="640" height="360" allowfullscreen></iframe></p>
<p><em>Barbara Ehnes is one of the defining stage designers of the past 20 years. Her stage designs are characterized by unexpected spatial inventions and architectures, which bring players and spectators into astonishing relations to the space and to each other. With great continuity, she has worked with the director Stefan Pucher since 2001, whose productions have influenced her spatial concepts aesthetically and dramatically. Other important artistic partners were and are, among others Stefan Bachmann, Meg Stuart, Jossi Wieler and Sebastian Baumgarten.</em></p>
<p><em>The most important theaters she works on are the Munich Kammerspiele, Schauspielhaus Zurich, Deutsches Theater Berlin, Deutsches Schauspielhaus Hamburg. In addition to her work as a stage designer, she has created pre-recorded installations in the public space in recent years, e.g. for the HAU Berlin, the Wiener Festwochen and Theater der Welt in Mannheim, and has been a professor for stage design at the Dresden Academy of Fine Arts since 2011.</em></p>
<p><em>The book documents the most important stage work and projects by Barbara Ehnes with numerous illustrations and explanations in conversation with Stefanie Carp and Stefan Pucher, as well as texts by Chris Kondek, Matthias Lilienthal, Meg Stuart and others.</em></p>

Bühnenbilder, Konzepte / Stages, Concepts

Starting over

<p>Der Bühnen- und Kostümbildner Martin Rupprecht gilt als „einer der führenden Ausstatter des deutschsprachigen Raums, dessen ‚Kunst der atmosphärischen Konzentration‘ variantenreich, opulent und ironisch herkömmliche Sehgewohnheiten bricht und starke optische Akzente setzt“. (Rowohlt Theaterlexikon) Neben klassischen Opern hat er insbesondere im Neuen Musiktheater als kongenialer Partner von Regisseuren wie Mauricio Kagel, Winfried Bauernfeind und Michael Hampe gewirkt. Zahlreiche Werke, etwa von Kagel, Henri Pousseur, Hans Werner Henze und Wilhelm Dieter Siebert, brachte er zur Ur- oder Erstaufführung. Er war u. a. in Berlin, Tokio, Los Angeles und Stockholm tätig. Der Band dokumentiert in großformatigen Bildern und opulenter Ausstattung das Bühnenwerk von Rupprecht, begleitet von Beiträgen u. a. von Achim Freyer, Christoph Tannert, Mauricio Kagel und Peter W. Marx.</p>
<p><em>Herausgegeben von Werner Heegewaldt und Peter W. Marx im Auftrag der Akademie der Künste, Berlin und der Theaterwissenschaftlichen Sammlung Universität zu Köln</em></p>
<p><iframe src="https://player.vimeo.com/video/265401858?autoplay=1&amp;loop=1&amp;title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="600" height="338" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Bühnen Bilder

Martin Rupprecht

<p>Sebastian Hannaks Raumbühne HETEROTOPIA an der Oper Halle ist eine der aufsehenerregendsten Bühneninstallationen der letzten Jahre. In über zehn verschiedenen Stückformaten aus Oper, Schauspiel, Tanz, Performance und Konzert ist der Raum aus jeweils ganz unterschiedlichen  Perspektiven zu erleben. In der komplett begehbaren Musiktheaterstadt verschwimmen die Grenzen zwischen Publikum, Orchester und Darstellern zugunsten eines immersiven Raumerlebnisses und emphatischen Totaltheaters. Hannaks 2017 mit dem deutschen Theaterpreis „Der Faust“  ausgezeichnete Raumbühne stellt die Zuschauer ins Zentrum einer für die Oper ungewöhnlichen Raum-Klang- Anordnung und eröffnete damit eine Reihe vielbeachteter Experimente des neuen künstlerischen Leitungsteams Florian Lutz, Veit Güssow und Michael von zur Mühlen an der Oper Halle. Das Buch dokumentiert die Raumbühne HETEROTOPIA mit zahlreichen Bild- und Wortbeiträgen und beschreibt einen aktuellen künstlerischen Versuch, die Gattung Oper in ihrer sozialen und politischen Dimension neu zu entdecken.</p>
<iframe style="position:absolute;border:none;width:100%;height:100%;left:0;right:0;top:0;bottom:0" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=epdf_heterotopia_9783957491701&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Neue Perspektiven im Musiktheater

RAUMBÜHNE HETEROTOPIA

<p>Kaum jemand kennt sich mit der Geschichte und Gegenwart des Film- und Bühnen-Make-ups besser aus als Arnold Langer. Seit Jahrzehnten gilt er als die zentrale Figur der deutschen Profi-Make-up- Branche. Seine „Schminkfibel“ gibt einen tiefen und substanziellen Einblick in das Handwerk des Maskenbildners, sie ist ein reich illustriertes und praxisnah geschriebenes Fachbuch für die wichtigsten Grundkenntnisse im maskenbildnerischen Schminken, im Maskenbau, in der Körpermalerei, beim High-definition- und Camouflage-Make-up. Mit vielen, größtenteils farbigen Abbildungen, Beispielmasken und Step-by-step-Anleitungen. Das Standardwerk für den Profi wie für den interessierten Laien.</p>
<p><iframe src="https://player.vimeo.com/video/235569972?loop=1&amp;title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="640" height="360" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Schminkfibel

Material im Figurentheater

An die Substanz

<p>Der eindrucksvolle Bildband dokumentiert unterschiedliche Herangehensweisen des Bühnenbildners und Regisseurs Michael Simon bei der Konzeption seiner Bühnenräume. In seinen Arbeiten für Schauspiel, Tanz- und Musiktheater, in Projekten und Installationen seit den 1980er Jahren haben sich zentrale Themen herausgebildet, die dem Buch seine Struktur geben: Geometrie, Bewegung, Materialität und Worte. Dabei soll es nicht nur um eine biografische Darstellung der „erfolgreichen“ Arbeiten gehen, sondern auch um die Um- und Irrwege, den Einfluss von Zufall und um grundsätzliche Fragen, die der künstlerische Prozess aufwirft.</p>
<p><iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=michael-simon-werkschau-e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Bühnenbild. Prozesse

Michael Simon – FERTIG gibt’s nicht

<p>Die Bildsprache Volker Pfüllers ist die Sprache des Theaters: in seiner Vielfalt und in seiner Expressivität. Er ist anerkannt als Grafiker, Plakatkünstler, Buchgestalter, Schriftsteller – und nicht zuletzt als Bühnen- und Kostümbildner. Seit über fünfzig Jahren gestaltet er unverwechselbare Ausstattungen, meist sowohl Bühnen- als auch Kostümbild.</p>
<p>Legendär war seine Zusammenarbeit mit dem Regisseur und Schauspieler Alexander Lang am Deutschen Theater im Berlin der achtziger Jahre. „Volker Pfüller. Bilderlust“ erscheint anlässlich des 80. Geburtstags des Künstlers und dokumentiert in großformatigen Fotografien die Vielseitigkeit seiner Bilderfindungen anhand seiner Entwürfe für Bühne und Kostüme, für Theaterplakate und Programmhefte. Mit Beiträgen u. a. von Friedrich Dieckmann und Stephan Dörschel.</p>
<p><iframe style="border:none;width:100%;height:400px" src="//e.issuu.com/embed.html?backgroundColor=%23e6e6e6&amp;d=pfueller_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Bilderlust

Volker Pfüller

<p class="_1_02_Text_01">Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.</p>
<p class="_1_02_Text_01">Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.</p>
<p><iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=birgit_wiens_b_hne._perspektiven_der_szenografie_&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

<p>Container, Plastikstühle, Neonlampen und Blümchentapete, Sperrholz, Baumarkt-Materialien und Secondhand-Ware werden unter der Regie Bert Neumanns zu komplexen, architektonischen Realitätskonstrukten mit einer ganz eigenen Ästhetik der Wirklichkeit, in denen die Ironie des schönen Scheins immer mit Im Bild ist. Alltag und Großstadt seines eigenen täglichen Lebens genügen Neumann zur Inspiration. Unsere Hochglanz- und zugleich Wegwerfgesellschaft lässt er im Licht der Bühne in erhabener Trostlosigkeit glänzen. So entstehen Theaterräume wie die Neustadt, die er für Castorfs Dostojewskij-Adaptionen zu einer ganzen Stadt ausbaute.</p>
<p>Bert Neumanns Bühnenbauten, denn von Bildern kann keine Rede sein, funktionieren dabei als Anti-Illusionstheater. Durch den Einsatz von digitalen Medien und perspektivisch variabler Publikumspositionierung wird die Erzeugung der Theatereffekte jederzeit sichtbar und erlebbar. Imitation of Life – die überlebensgroße (Bühnen-)Wirklichkeit seines Schaffens wird in diesem reich illustrierten Band dokumentiert.</p>
<p><iframe src="https://player.vimeo.com/video/234311464?loop=1&amp;title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="640" height="360" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Bert Neumann Bühnenbilder

<p>Innerhalb der „Schwesterkünste“, von denen Brecht sprach, hat sich das Bühnenbild in letzter Zeit einen souveränen Schauwert erarbeitet und nach allen Seiten geöffnet. Unabhängig davon, ob es an experimentelle Spielideen gebunden ist oder an Inszenierungen, die die Rekonstruktion realer und fiktionaler Welten fokussieren, ob sie von Minimal Art, Konzeptkunst oder Fluxus beeinflusst sind, beeindrucken die Bühnenbilder der Gegenwart durch ein intensives Formbewusstsein und die Berücksichtigung der Zuschauerperspektive bei ihrer Raumwahrnehmung.</p>
<p>Das Arbeitsbuch stellt unverwechselbare Positionen zum Bühnenbild im zeitgenössischen Schauspiel vor. In ausführlichen Interviews und mit umfangreichem Fotomaterial werden anschauliche Einblicke in Arbeitsweisen, künstlerische Entwicklungen und Auffassungen ermöglicht.</p>
<p><iframe src="https://player.vimeo.com/video/233834114?title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="640" height="360" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>
<p><em>The theatre magazine Theater der Zeit has been following the developments of stage design for some years now in its “Kunstinserts”. There we asked stage designers about their motivation, their working methods, the way they collaborate with directors, how their artistic practice unfolds in a theatre context. With a heuristic approach eschewing any claim to completeness, we promoted discussion, whether it was to mark a new production or because the artists in question were breaking new ground in the development of theatre. More than anything it is these direct statements from the artists which distinguish this workbook from the 1998 “Bild der Bühne”, which presented such in uential artists as Robert Wilson, Achim Freyer, Jürgen Rose, Einar Schleef and Anna Viebrock. In “Setting the Stage” we have once again brought together seventeen of the most diverse artistic personalities; collectively they demonstrate how artistic considerations – at once purposeful and inevitable – function in the mode of an increas- ingly radical and con dent self-conception of the theatre as gesamtkunstwerk. </em></p>

17 Bühnenbildner:innen im Porträt

Bild der Bühne, Vol. 2 / Setting the Stage, Vol. 2

<p>25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.</p>
<p>Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.</p>
<p><iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Bühne / Stage Katrin Brack

<p><strong>„Ihre Räume sind immer sehr ästhetisch und klar – mit dieser nicht unwesentlichen Verrückung ins Albtraumhafte. Das liebe ich.“</strong> – <strong>Nina Hoss</strong></p>
<p>Bettina Meyers Bühnen sind Skulpturen im Raum. Sie treiben ein delikates Spiel mit dem Unterbewussten. Ihr Eigenleben fordert Regie, Spieler und Zuschauer heraus, tritt in Kommunikation, wirft Fragen auf. Lesen lassen sich ihre Theaterräume als physische Veräußerungen einer Weltsicht.</p>
<p>Seit mehr als zwanzig Jahren arbeitet die Bühnenbildnerin Bettina Meyer an großen nationalen und internationalen Theaterhäusern, darunter Theater Basel, Schaubühne am Lehniner Platz, Deutsches Theater Berlin, Residenztheater München, Burgtheater Wien, Oper Genf, Vlaamse Opera Antwerpen, Salzburger Festspiele, Teatro Real Madrid, Uppsala Stadsteater, Oper Zürich sowie dem Schauspielhaus Zürich, an dem sie seit 2009 als Ausstattungsleiterin wirkt.</p>
<p>Neben einer umfangreichen Werkschau versammelt der Band Essays und Gespräche von und mit Lukas Bärfuss, Barbara Frey, Judith Gerstenberg, Nina Hoss, Robert Hunger-Bühler und Alexander Schulin.</p>
<p><iframe src="https://player.vimeo.com/video/233837033?title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="640" height="360" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe> </p>

Bühnen Bilder Räume

Bettina Meyer – EINS ZU FÜNFUNDZWANZIG

<p>„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.</p>
<p>Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.</p>
<p><iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Arbeitsbuch 2026: Setting the Stage Vol. 3" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=arbeitsbuch_2026_setting_the_stage_d56f6a4c2e320a&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

<p>Viele Male wurde Anna Viebrock in den vergangenen Jahren als „Bühnenbildnerin“ oder „Kostümbildnerin“ ausgezeichnet. Aber sie ist mehr: Sie ist eine Bühnenerfinderin. Sie ist eine Bühnenarchitektin. Ihre Bühnenräume sind mindestens zweierlei: überzeugende Bilder des großen Ganzen und gleichzeitig eine unendlich liebevolle Ansammlung kleinster, sorgfältig beobachteter und ausgesuchter Details. Nie schafft sie Orte wohliger und wohnlicher Wellness, sondern zumeist Orte des in ihrer Gewöhnlichkeit Erschreckenden. In ihnen entsteht ein „Leben, zu wahr, um schön zu sein“.</p>
<p>In diesem Jahr erhält Anna Viebrock den Zürcher Festspielpreis für herausragende künstlerische Leistungen und ihren Beitrag zum Kulturleben in Zürich. Von 2001 bis 2004 entwickelte sie unter der Intendanz von Christoph Marthaler als Mitglied des Leitungsteams des Schauspielhauses eine besonders enge Beziehung zur Stadt – auch ihr Debüt als Regisseurin fand hier mit „In Vain“ und „Reproduktion verboten“ statt. Anlässlich dieser Ehrung dokumentiert der Band ihr künstlerisches Wirken in Stadt und Kanton Zürich. Mit einem einleitenden Essay von Stefanie Carp.</p>
<p><iframe src="https://player.vimeo.com/video/233860420?loop=1&amp;title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="640" height="360" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Anna Viebrock Zürich

<p>„Meine Räume denken nicht darüber nach, ob sie Kunst sind„, sagt Katrin Brack. Und doch: Warum drängt sich beim Betrachten ihrer Bühnenräume stets diese Frage auf? Die Beschreibung dessen, was diese Ausnahme-Bühnenbildnerin seit Jahren im Theater kreiert, sucht meist die Referenz zur Bildenden Kunst. Da sind sachte sich über die Bühne bewegende Nebelwände, Inszenierungen im Dauerregen, im Konfettiregen, im Schneetreiben. Dann ein einzelner Baum, ein Himmel voller Schaukeln, voller Glühbirnen, voller glitzernder Girlanden. Man betrachtet ihre Räume wie bewegte Skulpturen, Installationen, Ding gewordene Ideen, in eine radikale Zeichenhaftigkeit überführt, zu Metaphern geworden.</p>
<p>Rigoros thematisieren ihre Arbeiten die Leere der Bühne – durch die stets spürbare Anwesenheit der abwesenden Dinge – Reduktion. Wir sehen Raumzeit, wie sie in unsichtbaren und flüchtigen Linien ein Volumen bespielt: ein Theater der Zeit.</p>
<p><strong>Katrin Brack</strong> prägte wesentlich die Inszenierungen von Regisseuren wie <strong>Luk Perceval</strong> oder <strong>Dimiter Gotscheff</strong>, die auch in diesem Buch zu Wort kommen. Ebenso die Schauspieler <strong>Almut Zilcher</strong>, <strong>Samuel Finzi</strong>, <strong>Thomas Thieme</strong> oder <strong>Wolfram Koch</strong>, die in den Versuchsanordnungen Katrin Bracks den Raum als einen unberechenbaren Mitspieler entdeckten und hier laut darüber nachdenken. Dreimal (2004, 2005, 2007) wurde sie zur Bühnenbildnerin des Jahres gewählt.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="https://player.vimeo.com/video/242763009?autoplay=1&amp;loop=1&amp;title=0&amp;byline=0&amp;portrait=0" width="640" height="360" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>
<p> </p>

Bühnenbild / Stages

Katrin Brack

<p class="MsoNoSpacing">Der Wahlberliner Gottfried Pilz (*1944 in Salzburg, +2024 in Berlin) zählte zu den renommiertesten Bühnen- und Kostümbildnern des Musiktheaters. Seine feinsinnigen, beeindruckenden Arbeiten entwickelte er durch das intensive Studium von Libretto und Partitur – im Lauf der Jahre mit einer zunehmend abstrakten und minimalistischen Bildsprache. Pilz arbeitete unter anderem mit den Regisseuren John Dew, Götz Friedrich, Günter Krämer, Stefan Herheim und George Tabori zusammen. In der reich bebilderten Publikation sind großformatige Fotografien, Zeichnungen, Figurinen und Bühnenbildmodelle zu sehen. Es ist ein konzentrierter Ausschnitt mit 15 Projekten aus 50 Schaffensjahren einschließlich Regiearbeiten. Besonderer Bestandteil der Ausgabe sind die Camera-obscura-Aufnahmen der Fotografin Karen Stuke. Sie fotografierte viele Jahre die Opernaufführungen von Gottfried Pilz. Das Buch enthält eine Kurzbiografie, ein umfassendes Werkverzeichnis sowie ein sorgfältig recherchiertes Register.</p>
<p>Mit Textbeiträgen von Jochen Diederichs, Gottfried Pilz, Bärbel Reißmann, Kerstin Schröder und Karen Stuke<span class="Apple-converted-space"> </span></p>
<p><iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=gottfried_pilz_e-pdf&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

Bühne Kostüm Regie

Gottfried Pilz

<p>Wolfgang Utzt ist eine Legende unter den Maskenbildnern. Als kongenialer Partner von Regisseuren wie Benno Besson, Friedo Solter, Alexander Lang, Thomas Langhoff, Heiner Müller, Robert Wilson oder Jürgen Gosch war er über Jahrzehnte an vielen bedeutsamen Inszenierungen des Deutschen Theaters in Berlin und an anderen Häusern beteiligt. Seine Masken, Figurinen, Grafiken und Bildentwürfe haben deutsch-deutsche Theatergeschichte geschrieben. Sie verweisen auf eine ästhetische Dimension, einen „Eigensinn", die sie zu besonderen, ganz und gar solitären Zeichen und Ausdrucksformen einer Kulturgeschichte der Moderne machen.</p>
<p><strong>Wolfgang Utzt</strong>, 1941 in Senftenberg geboren, 1960 – 1963 Ausbildung zum Maskenbildner am Deutschen Theater bei Herbert Zensch, 1973 Diplom für Maskenbild-Design an der Hochschule für Bildende Künste Dresden, 1979 – 2003 Chefmaskenbildner am Deutschen Theater, Berlin.</p>

Das Werk des Maskenbildners Wolfgang Utzt

In Masken geht die Zeit

<p>Der Maler und Bühnenbildner Gero Troike geht spazieren und schaut sich um. Das ist alles: Augen auf und durch – die Stunde, den Tag. Die unmittelbare alltägliche Nähe als aufregender Kosmos, als unglaubliches Abenteuerfeld … Hans-Dieter Schütt hat die radikal naiven Weg- und Welt-Beobachtungen Troikes, die in ihrer Unverblümtheit an Robert Walser erinnern, mit autobiographischen Texten des Theatermannes verknüpft. Es fügt sich mit Porträts des Fotografen Manfred Haupthoff – Troike im Atelier – zu einem so sperrigen wie warmherzigen (Lebens-)Künstlerbuch.</p>
<p>„Ein wundersamer Band. Derart erpicht auf Kreuz und Quer. Eines Lebens Lauf, aber den beileibe nicht landläufig protokolliert.“ So schreibt Schütt im Vorwort. Fotos und Malerei. Bilder und Buchstaben. Die Zeiten im Buch springen, die Gedanken springen mit – nichts möge da zur falschen Ruhe kommen. Seine Texte schreibt Troike mit einer alten Schreibmaschine. Sie ist die alte Welt: Sie klappert hinterher, und der Autor ist wie der vergebliche Glückssucher, der Lotto-Verlierer: Er vertippt sich regelmäßig. Und tippt doch weiter. Troikes Manuskripte: Pflege und Schutz des individuellen Fehlers als trotziger Selbstwert in einer nervös hastenden Gesellschaft.</p>
<p><iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=gero_troike_in_unmittelbarer_na_he._hg._von_hans-&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></p>

In unmittelbarer Nähe

Gero Troike

<p>Annette Kurz gehört zu den bemerkenswertesten Bühnenbildnerinnen ihrer Generation. Ihre großformatigen Bühnenarbeiten, die sie selbst als szenische Objekte bezeichnet, entfalten ein Höchstmaß an materieller Dichte.<br>Insbesondere ihre Rauminstallationen für Luk Percevals Schauspiel- und Operninszenierungen sind stilbildend und wurden vielfach ausgezeichnet. Das Buch dokumentiert erstmals die wichtigsten Bühnenarbeiten von Annette Kurz mit zahlreichen Abbildungen und Erläuterungen im Gespräch mit Ute Müller-Tischler und Anna Viebrock sowie Texten von Georges Banu, Till Briegleb, Bernd Grawert, Joachim Lux und Luk Perceval.</p>
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<p>Annette Kurz über das Buch. Film: © Natalie Kurz<br><br><em>Annette Kurz compte parmi les scénographes les plus intéressantes de sa génération. Ses travaux à grande échelle, qu’elle qualifie elle-même d’ objets scéniques, témoignent d’une densité matérielle hors du commun. Les installations spatiales qu’elle a créées, notamment pour les mises en scènes de théâtre et d’opéra de Luk Perceval, sont considérées comme des oeuvres pionnières en matière de style et lui ont valu de nombreux prix. Cet ouvrage, qui documente pour la première fois les plus importants travaux scéniques d’Annette Kurz, comporte de nombreuses illustrations, un dialogue de la scénographe avec Ute Müller-Tischler et Anna Viebrock, ainsi que des textes de Georges Banu, Till Briegleb, Bernd Grawert, Joachim Lux et Luk Perceval.</em></p>
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<p>Annette Kurz est l'une des scénographes les plus remarquables de sa génération. Elle-même décrit ses œuvres scéniques grand format comme des objets scéniques. Si quelque chose a à voir avec l'énergie et le dépassement de la gravité, si elle réussit à établir la densité matérielle, leurs espaces scéniques développeront un maximum de conviction et aussi du sort.</p>

Szenische Objekte/Objets scéniques

Annette Kurz

<p>Seit 40 Jahren prägen die vielfach ausgezeichneten Bühnenwelten des Österreichers Martin Zehetgruber die europäische Theaterszene. Es sind Bilder, die auf der Netzhaut nachbrennen. Erinnerungen. Keine Abbilder. Keine Vorlagen. Keine realen Räume. Reste von Eindrücken, die sich abgelagert haben im Gedächtnis – in seinem, in dem der Gesellschaft. Emotional begriffene Situationen, Bilder, Texte, Begegnungen. Sie türmen sich zur Abraumhalde in seinem Kopf. Dass sich seine Bilder aus dem persönlichen Erleben speisen, ist unverkennbar. Die Landschaften, die er auf die Bühnen setzt, sind ihm vertraut, auch die Nachtalben, die sie bevölkern. In allen Bühnen steckt er selbst. Und mit jedem seiner Räume fordert er den Dialog ein, zwingt zum Umgang mit ihnen.</p>
<p>Die Werkschau zeichnet den Werdegang von Martin Zehetgruber nach und versammelt Stimmen von künstlerischen Wegbegleiter:innen aus den verschiedenen Gewerken.</p>
<p>Mit Beiträgen von Barbara Frey, Judith Gerstenberg, Heide Kastler, Christoph Klimke, Alexander Koppelmann, Martin Kušej, Georg Nigl, Nicholas Ofczarek, Andreas Schlager, Elisabeth Schweeger und Klaus von Schwerin.</p>
<p class="MsoNoSpacing">Das Buch enthält einen Online-Zugang zu den Texten in englischer Sprache. / The book includes online access to the texts in English.</p>
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Bühnen – Martin Zehetgruber

Alles Katastrophe!

<p>In den letzten Jahrzehnten hat die Wahrnehmung der Visualität des Theaterereignisses deutlich an Aufmerksamkeit gewonnen. Kostüme und Bühne erzeugen Bilder, sie prägen das ästhetische Erleben des Zuschauers und seinen Zugang zum Stück. Kostüme lenken die Wahrnehmung der Figuren, indem sie deren visuelle Präsenz bestimmen. Die Bezüge zwischen dem Körper des Schauspielers, dem Kostüm als dessen Umhüllung und dem inszenierten Raum kontextualisieren den szenischen Körper, sie sind Substanz der Inszenierung und elementar für die Erarbeitung der Rolle.</p>
<p>Im zeitgenössischen Theater kann der Kostümbildner das gesamte Spektrum der Möglichkeiten ausloten: Vom Kostüm als skulpturalem Zeichen einer Eigenrealität auf der Bühne bis zum Kostüm, das sich als Alltagskleidung – sei sie eigens angefertigt oder gefunden – zum Zeichen von historischer oder gegenwärtiger Zeitlichkeit machen will, reichen die Ausdrucksmöglichkeiten in allen denkbaren Abstufungen und Verschiebungen.</p>
<p>Lektionen 6 „Kostümbild“ gibt Studierenden, Lehrenden und Kostümbildnern einen umfassenden Überblick über die Grundlagen der Ausbildung, das Kostümbild als Beruf und das Selbstverständnis von Praktikern.</p>
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Kostümbild

Bühnen und Bilder für junges Publikum

<p>Images that leave an after-impression on the retina. Memories. No depictions. No templates. No real spaces. Remnants of impressions deposited in the memory – in his, in society’s. Situations, images, texts, encounters comprehended emotively. They pile up, forming a slag heap in his mind. That these images are informed by personal experience is clear. The landscapes that he mounts on stage are familiar to him, so too the malign sprites that inhabit them. He puts himself into all his sets. And with each of his spaces he demands dialogue, forces an encounter with them.</p>
<p>For 40 years, the multiple award-winning sets by Austria’s Martin Zehetgruber have been a major presence in the European theatre scene. This book traces his career and brings together impressions by artistic collaborators in a range of disciplines.</p>
<p>With contributions from Barbara Frey, Judith Gerstenberg, Heide Kastler, Christoph Klimke, Alexander Koppelmann, Martin Kušej, Georg Nigl, Nicholas Ofczarek, Andreas Schlager, Elisabeth Schweeger and Klaus von Schwerin</p>
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Kostüm und Bühne

Arbeitsbuch 2026

Setting the Stage, Vol. 3

Bühne / Stage Katrin Brack

Gero Troike

Bühne

Gottfried Pilz

Alles Katastrophe!

Alles Katastrophe!

double 45

An die Substanz

Michael Simon – FERTIG gibt’s nicht

Volker Pfüller

RAUMBÜHNE HETEROTOPIA

Martin Rupprecht

Annette Kurz

Bettina Meyer – EINS ZU FÜNFUNDZWANZIG

Lektionen 6

Kostümbild

ixypsilonzett 1/2016

Bühnen und Bilder für junges Publikum

IMITATION OF LIFE

Schminkfibel

Arbeitsbuch

Bild der Bühne, Vol. 2 / Setting the Stage, Vol. 2

Anna Viebrock Zürich

Starting over

In Masken geht die Zeit

Katrin Brack