Was macht das Theater, Tim Behren?

Reges Treiben, chaotische Szenen, das ist normalerweise der Bühne vorbehalten. Nicht so beim diesjährigen Brechtfestival in Augsburg, das unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner zu einem Spektakel wurde, einem Volksfest als sozialem Laboratorium, das samt Riesenrad und Dutzenden Inszenierungen zugleich eine Hommage an den Augsburger Plärrer ­darstellte, Schwabens größten Jahrmarkt, bei dem sich Jung und Alt tummeln und den auch Brecht geliebt haben soll. An zwei Abenden mit dem ­Titel „Spektakel I und II“ wurde das Festivalgelände zu einer einzigen Szenerie – und das Publikum war plötzlich mittendrin. An die Hand gab es einen Spielplan, der zum Stadtplan des Festivalgeländes wurde, auf welchem man sich treiben ließ oder zielstrebig versuchte, ans Ziel zu gelangen. Ziele aber gab es zuhauf, und so traten die Pläne oft in den Hintergrund, wenn der Zufall einen in die nächste Attrak­tion verschlug. Durch labyrinthische Gänge zwischen Bühne, Umkleiden und Lagerhallen schlängelte sich das Publikum, nur um am Popcornstand hängen zu bleiben und sich dann doch in ein ganz anderes Lehrstück ­katapultieren zu lassen. Vieles wirkte improvisiert, und doch vermutete man einen Masterplan hinter dem Geschehen, was zugleich für Verwirrung sorgte und allerhand Spontanität bei den Besuchern gebar. Kühnel und Kuttner müssen...

Staunen, Schreck und Attraktionen – Unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner wird das Brechtfestival in Augsburg zum Spektakel

Wahlkampf im Riesenrad

Ressource Bühnenbild

Ein Festival für „Städte­bewoh­ner*in­nen“ sollte es werden – für, in und mit den Menschen aus Augsburg. Dazu wurden die Spielorte in der gesamten Stadt gestreut, die Lage „marginalisierter“ Menschen in der Stadt „sichtbar“ und die Zuschauerinnen und Zuschauer selbst zu Spielenden gemacht. In seiner letzten zu ver­antwor­tenden Festival-Ausgabe brachte Patrick Wengenroth wieder mal verschiedene performative Formate und Gruppen nach Bayern, deren Arbeiten er im Jargon des Engagements unter dem Festival-Motto subsumierte: „Moral to go“. Ästhetischer Schwerpunkt war die ­Erweiterung des Begriffs der Theaterkunst aus der Perspek­tive des Per­formativen, für die Thea­terkollektive wie Raum+Zeit, andcompany&amp;Co oder She She Pop stehen, auch im Sinne einer „Konfrontation Brechts mit der Gegenwart und der Gegenwart mit Brecht“, so Wen­genroth. Die Gruppe Raum+Zeit (Alexandra Althoff, Lothar Kittstein und Bernhard Mikeska) holte in ihrer szenischen Installation „Anti­gone::Comeback“ Brecht dann auch ganz wörtlich in die Gegenwart – in die der Besucherinnen und Besucher, die nicht mehr nur zusahen und zuhörten, sondern angesehen und angesprochen wurden. Die Situation: Proben zu Brechts „Antigone“. Mittels einer VR-Brille, als Helene Weigel auf der Bühne stehend, wurde man von Brecht angewiesen, vor allem aber zurechtgewiesen – so sollte der Seelenzustand Weigels während der Proben selbst erfahren werden. Beklemmende Szenen, die jedoch gegen...

Zum dritten und letzten Mal erlebte Augsburg das Brechtfestival unter der Leitung von Patrick Wengenroth

Hoffnung im Widerspruch

Unter dem Motto „Ändere die Welt, sie braucht es“ – einem Schnipsel aus der Brecht‘schen „Maßnahme“ – eröffnete der neue Intendant Patrick Wengenroth das jährlich stattfindende Brecht-Festival in Augsburg. Leicht sollte es nicht werden, blieben für Wengenroth doch aufgrund der Sanierung die Türen des Großen Hauses verschlossen. Doch mit den alten Gaswerken fand er einen Spielort, der sich mit seiner sinisteren Atmosphäre perfekt für Brechts „Die Maßnahme“ unter der Regie von Selcuk Cara eignete, eine der zwei Eigenproduktionen des Festivals. „Krise ist immer“, titelte die andere Eigenproduktion, eine von Friederike Heller inszenierte „Versuchsanordnung auf den Spuren von Bertolt Brecht und Walter Benjamin“. Das Verhältnis von Brecht und Benjamin bildete einen Schwerpunkt des Festivals. Eine Lesung der britischen Autorin Laurie Penny galt dem zweiten Schwerpunkt, dem Feminismus. Mit dem berühmt-berüchtigten Lehrstück „Die Maßnahme“ wagte sich Selcuk Cara auf vermintes Gebiet: Brecht und Hanns Eisler, der die kühnen Kompositionen beisteuerte, verhängten kurz vor Brechts Tod ein Aufführungsverbot, das erst 1997 aufgehoben wurde. Die beiden fürchteten vereinfachende Interpretationen. Das Stück nehme, so wurde wohlwollend gedeutet, die stalinistischen Säuberungen vorweg, andere betrachteten die „Maßnahme“ geradezu als Lobeshymne auf das Opfer des Einzelnen für das große Ganze. Dialektisches Denken sollte im Für und Wider zwischen...

Das diesjährige Augsburger Brecht-Festival unter der neuen Intendanz von Patrick Wengenroth

Amüsement und Skandal

Genregrenzen hardcore überwinden

Popanz der Macht

Harald Welzers „Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft“ reiht sich im Guten wie im Schlechten in einen Schwung von Neuerscheinungen ein, die in den vordersten Regalen im Buchladen oder, wie bei Welzer, sogar im Drogeriemarkt feilgeboten werden. Im Guten, weil sich gegen den Kampf wider „die Feinde der Freiheit“ (Welzer) nichts sagen lässt. Im Schlechten jedoch, weil sich dieses selbstverständliche Anliegen in einem Appell ausdrückt, der einen fragwürdigen Alarmismus bedient und so Gefahr läuft, ins Banale zu driften. Welzers Duktus, eine Mischung aus offiziösem Wissenschaftler und markigen Worten, hilft dabei nicht weiter. Die „Offene Gesellschaft“ funktioniere uneingeschränkt, so Welzer, denn seit siebzig Jahren herrsche bei uns Frieden, alle Krisen seien bewältigt, ohne dass die gesellschaftliche Ordnung selbst infrage gestanden hätte; mehr noch: Deutschland sei das beliebteste Land weltweit. Das wirkt konstruiert, und gerade die Gründe für die Beliebtheit zerfließen dabei. Wenn Welzer vom Hier und Jetzt ausgeht, verstrickt er sich in eine allzu affirmative nationale Perspektive. Viele Zeitgenossen der letzten siebzig Jahre werden eben auch andere Erinnerungen haben – an den Kalten Krieg, die Angst vor der Atombombe oder soziale Kämpfe um die Teilhabe, zum Beispiel von Frauen. Und auch auf den heutigen Reichtum Deutschlands dürfte man in...

Harald Welzer: Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft. Fischer Taschenbuch, Frankfurt am Main 2017, 128 S., 8 EUR.

Ein Manifest für den Aktivbürger

Unter dem Motto „Egoismus vs. Solidarität“ beschoss Patrick Wengenroth im zweiten Jahr seiner Leitung des Brecht-Festivals in Augsburg die „Gegenwart mit Brecht und Brecht mit der Gegenwart“. Es sollte „kein jammervolles Echo der uns umgebenden Krisen sein, sondern vielmehr Lust darauf machen, diese Krisen durchstehen zu wollen“, so Wengenroth. Ein dichtes Programm aus allein drei Gastspielen, der Eigenproduktion „Der Untergang des Egoisten Johann Fatzer“, Kooperationen mit der örtlichen freien Szene, Workshops für Schülerinnen und Schüler, Konzerten und Diskussionsveranstaltungen zielte auf eine lange Woche mit intensivem Kontakt vor, auf und hinter der Bühne. Viel stand zur Debatte, die Konflikte und Unsicherheiten unserer Zeit sollten Eingang finden. Die Themen Feminismus, Migration, Angst, Neue Rechte und Nazismus aufzunehmen, ohne sie schlicht mitzunehmen, ist ein hehres Anliegen, doch zu meistern ist es schwer und gerät schnell ins Schlingern. Die verschiedenen Themenstränge mochten nicht recht zusammenhalten und brachen sinnbildlich bei einer Podiumsdiskussion zum Motto des Festivals auseinander. Geladen waren die Autorinnen Kathrin Röggla und Stefanie Sargnagel sowie Bazon Brock, seinerseits Kunsttheoretiker. Zur inhaltlichen Debatte kam es kaum, dafür zu harschem Gebaren von Brock gegenüber den weiblichen Podiumsgästen und einer Moderation, die sich unfähig zeigte, Struktur zu schaffen oder gar zu wahren, was nicht nur auf...

Das Brecht-Festival in Augsburg erkundet im zweiten Jahr unter der Leitung von Patrick Wengenroth das komplizierte Verhältnis von Ich und Wir

Wider das mechanische Denken

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Markus Metz und Georg Seeßlen legen in ihrer in der Reihe „Kapital &amp; Krise“ des Verlags Bertz + Fischer erschienenen Schrift „Kapitalistischer (Sur)realismus“ eine Ästhetik des „postmodernen Warenzirkus“ vor, eine Kritik des „Neoliberalismus als Ästhetik“. Darin zeichnen sie eine Geschichte der Ästhetisierung aller Lebensbereiche nach, die sich der Strategien des Surrealismus annimmt und in verkehrter Form aneignet: Management wird Kunst, Fantasie zum Zwang und Subversion zur Normalität. Die Absurdität der Lebensverhältnisse wird dabei plastisch: Die Krisenhaftigkeit der kapitalistischen Gesellschaft liegt offen zutage, „aber die Show geht erst richtig los“. Historisch grenzen Metz und Seeßlen den „kapitalistischen Surrealismus“ vom „kapitalistischen Realismus“ ab. Letzteren bestimme ein Paradigma der Alternativlosigkeit: Der Kapitalismus erzeugt Krisen, Armut und Zerstörung, aber er ist alternativlos, darum muss man sich in seinen Grenzen um eine möglichst „humane“ Lebensweise bemühen. Dagegen produziert der kapitalistische Surrealismus einen neuen Sozialcharakter, der die Alternativlosigkeit nicht nur anerkennt, sondern die Krisen noch affirmiert und exzessiv auslebt. Heute herrsche ein offener Zynismus, der sich Widersprüche selbst ans Revers heftet: Kritik der eigenen Praxis wird vorangeschoben, gar auf Gräuel verwiesen, um sodann mit einem Lächeln fortzufahren. Dabei wird die Kritik nicht abgewehrt, sondern freundlich aufgenommen und noch zum eigenen dynamischen Moment verkehrt. Bürgerliches wird als...

Markus Metz / Georg Seeßlen: Kapitalistischer (Sur)realismus. Neoliberalismus als Ästhetik. Bertz + Fischer Verlag, Berlin 2018, 300 Seiten, 18 EUR.

Kapitalisierung der Kreativität

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Der Reichtum des Erinnerungsspeichers

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Gastspiel der Geister

Den Tanz der Welt zur Ruhe bringen

Wende und Wandel

„Kapitalistischer Realismus“, diesen Begriff hat Mark Fisher geprägt. Er beschrieb damit den Niederschlag des Neoliberalismus im Bewusstsein der Menschen: Untergang der Utopien und Verlust des Zugangs zur Vergangenheit – eine Schleife aus reiner Gegenwart. In „Gespenster meines Lebens. Depression, Hauntology und die verlorene Zukunft“ schrieb der Essayist, anknüpfend an Jacques Derridas „Marx’ Gespenster“, über die Elemente einer versprengten Zukunft und vereinte Philosophie und Kulturtheorie in einer biografischen Offenheit, die auch vor der eigenen Depression nicht haltmacht. Depressionen aufzuschließen, als gesellschaftliches Phänomen und nicht schlicht individuelles Schicksal, ist ebenso die Grundlage für die nun postum erschienene Essaysammlung „Das Seltsame und das Gespenstische“ von Fisher, der sich Anfang dieses Jahres das Leben nahm. Das Gespenstische verortet Fisher in den „Kräften, die unseren Alltag regieren, die aber normalerweise verborgen sind“, und es zeigt sich dann, „wenn entweder etwas da ist, wo nichts sein sollte, oder wenn nichts da ist, wo doch etwas sein sollte“. Das sind gesellschaftliche Ordnungen, die die Menschen wie Naturgewalten herumwerfen, durch sie hindurch wirken und selbst nicht in Erscheinung treten. Dagegen zeichnet sich das Seltsame dadurch aus, dass es eine Brücke schlägt zwischen „unserer und einer fremden Welt“, eine „überwältigende Präsenz, ein Gewimmel, das wir nicht mehr zur Darstellung...

Mark Fisher: Das Seltsame und das Gespenstische. Edition Tiamat, Berlin 2017, 176 S., 18 EUR.

Die Gespenster, die wir riefen

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Wiener Festwochen: Der Haimon in uns

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

Theater schlägt Netflix

Théâtre Vidy-Lausanne: Diversity sells  

Am Anfang stand die Masse an. So könnte – ans Biblische gemahnend – der Ursprung von Berthold Seligers Kritik an der Kulturindustrie gefasst werden. Sein neuestes Buch „Vom Imperiengeschäft“ nimmt seinen Ausgang in der Veränderung des Ticketmarkts für Konzerte. Kauften Konzertgänger früher ihre Eintrittskarten einfach an einer Bude, sind es heutzutage große Ticketkonzerne, die über das Monopol des Verkaufs verfügen. Mittlerweile werden die Tickets hauptsächlich online erworben – zulasten der Konzertbetreiber, denn der Gewinn landet zumeist nur in den Kassen der Monopolisten. Die machen aus den Konzerten zwar riesige Events für die Massen, ihr Ziel aber ist stets die Dominanz auf dem Markt. Seliger, selbst Konzertveranstalter, beschreibt die Entwicklung hin zu Vor-Vorverkäufen und „Ticket-Bundles“, die zu einer Preissteigerung ins Absurde und so zu einer Verdrängung großer Teile der Bevölkerung aus den ehemals „egalitären“ Massenevents führen. Verdrängt werden dabei ebenso kleinere Konzertveranstalter, Off-Bühnen und Clubs, weil die großen Marktführer die Vertragsbedingungen weitgehend kontrollieren. Wo sich aber die kleinen Bühnen nicht mehr über Wasser halten können, da schrumpfen auch die Orte für wenig bekannte und unbekannte Künstler­innen und Künstler; es bleiben nur mehr die bereits etablierten Stars auf den großen Events. Die Größen des Ticketgeschäfts dominieren über Sponsoring und Management des gesamten...

Berthold Seliger: Vom Imperiengeschäft. Konzerte – Festivals – Streaming – Soziales. Wie Großkonzerne die kulturelle Vielfalt zerstören. Edition Tiamat, Berlin 2019, 344 S., 20 EUR.

Ein Konzertveranstalter klagt an

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

„Musik ist für mich wie das Atmen“

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Theater Bremen: Ästhetisches Manifest des Miteinanders 

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Gespielt wird auf einem bedruckten PVC-Boden: konzentrische schwarze Quadrate auf weißem Untergrund, die Unendlichkeit suggerieren – für die Spielenden ohne Ausweg. Von außen ragt einzig ein roter Keil in die Mitte als mögliche Unterbrechung – das Ende eines endlosen Spiels. „Finistère“, so der Titel des Stücks, heißt das westlichste kontinentale Département Frankreichs. Gelegen am äußersten Rand der bretonischen Halbinsel, wurde es bereits zu römischen Zeiten „Finis terrae“ genannt: das Ende der Welt. Es bildete den Fluchtpunkt der alten Welt, die äußerste Spitze der Erde. So wenig jedoch die Welt an der französischen Küste endet, so wirkmächtig ist die Vorstellung eines Ortes geworden, dem nicht zu entrinnen ist und dessen Insassen der Glaube an den totalen Untergang verbindet. Einzig noch das Bild des Keils, der vom Publikum aus in die Spielfläche ragt, dem „Roten Keil“ von El Lissitzky ähnlich, vermag einen Bruch im Kosmos einer wahnhaft gewordenen Welt zu setzen. Mit „Finistère“ sowie der ersten Eigenproduktion „Paare in Zeiten der Hysterie“ begann im November 2017 unter dem Titel „#1 Hysterie“ das erste „Kapitel“ des WuK-Theaters in Halle. Das freie Theaterkollektiv um Nicole Tröger und Tom Wolter hat das Panorama der freien Szene in Halle entscheidend erweitert und sorgt für Verblüffung. Verblüffend...

Das Theaterkollektiv WuK bereichert die freie Szene in Halle mit klugen Inszenierungen über die Katastrophen unserer Welt

Moderne Zeiten

Was macht das Theater, Chiaki Soma?

Serie: Blickwechsel #03

Volkstheater Wien: Oh mein Gott. Es ist komisch 

Der Anti-Katastrophenfilm

Ein Mann in allen Medien

Berlin: Kim de l’Horizon erhält den Hermann-Sudermann-Preis 

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

All die schönen Menschen

Hessisches Landestheater Marburg: Ein Computerspiel auf der Bühne

„Es geht um magische Momente“

Der Theaterturm von Ludwigsburg

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Neue Perspektiven auf etwas sehr Bekanntes

Systemcheck

Sich der Gewalt zuneigen

Ein Ensemble als Band

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Die eigene Dringlichkeit

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Bildet Allianzen!

Das Cartoonartige ausloten

Erweiterung des Menschlichen

Ich gehe Tag und Nacht und weiß nicht, wohin

Solche Träume haben Folgen

Rufer in der Wüste

Theater im Karton 

Was macht das Theater, Tuğsal Moğul?

Zwischen zwei Realitäten

Musik kann eine Möglichkeit sein

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freier Film- und Theaterkritiker, Leipzig

"Zwischen Zwingli und Zukunft"

Den berühmten Sohn Augsburgs durch den Alleszermalmer Pop gedreht – „Die Welt ist: schlecht! Und ich bin: Brecht!“ (hier mit Matthias Kloppe) von Patrick Wengenroth. 

Recherchen 165 "#CoronaTheater"

"Die Passion hinter dem Spiel"

"Passion Play Oberammergau 2022"

Recherchen 162 "WAR SCHÖN. KANN WEG …"

"Scène 23"

backstage "HÜBNER"

Arbeitsbuch 31 "Circus in flux"

Esra Küçük und Milo Rau im Gespräch

Rechte Gewalt

Theater und Migration

Der Knick im Kopf

Wie wollen wir zukünftig leben und arbeiten? Welche Voraussetzungen braucht die Gestaltung sozialer Strukturen jenseits ökonomischer Verwertbarkeit? Orte der Kunst und der Bildung ermöglichen die modellhafte Erforschung und Erprobung von Verfahren, Strukturen und Institutionen und sind damit Impulsgeber für unser Zusammenleben. Sie tragen einen wichtigen Teil dazu bei, um unsere Demokratie in ihrer Komplexität zu erhalten und fortzudenken. Expertinnen und Experten aus verschiedenen sozialen Feldern untersuchen von der Norm abweichende Praxisformen, verorten sie historisch und denken soziale Gegenwart aus einer möglichen Zukunft heraus.
Mit Beiträgen u. a. von Armen Avanessian, Augusto Corrieri, Simone Hain, Isabell Lorey und Joshua Wicke.

Neue Entwürfe für Kunst, Pädagogik und Politik

Dazwischengehen!

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
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HÜBNER

Lange bevor die Passionsspiele in Oberammergau alle zehn Jahre ins allgemeine Bewusstsein vordringen, haben die Vorbereitungen im Ort bereits begonnen. Bühnenbildner Stefan Hageneier entwirft Pläne, nach denen die Bühne des Passionstheaters gestaltet wird. Chor und Orchester beginnen unter der Leitung von Markus Zwink zu proben. Und Spielleiter Christian Stückl macht sich Gedanken über die Textfassung und die Besetzung von Jesus, Kaiphas und der anderen Hauptrollen. 
Dieses Fotobuch dokumentiert die Entstehung der Passionsspiele 2022. Sebastian Schulte ist selbst Oberammergauer und hat den gesamten Arbeitsprozess aus der Innenperspektive miterlebt und mit seiner Kamera festgehalten. Seine Bilder entstanden mitten auf der Bühne, mitten auf den Proben. 
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Preparations for the Passion Play in Oberammergau start long before most people start thinking about it. Stefan Hageneier creates new plans for the stage and costumes of Passion Play Theater. Markus Zwink starts to rehearse with the choir and orchestra. And director Christian Stückl starts to rewrite the script and thinks about the cast for Jesus, Caiaphas, and the other main characters. 
This book documents the making of the Passion Play 2022, starting with the first preparations, rehearsals, the postponement due to the Corona Pandemic, and finally, the premiere in May 2022. Sebastian Schulte lives in Oberammergau and also plays a servant of the high priest Caiaphas. He has experienced and captured the entire process of the making of the Passion Play with his camera. His photographs show the perspective from the inside, immersed in the rehearsals, immersed in the play.

Die Passion hinter dem Spiel

Im Gebäude eines Theaters mag man einiges erwarten – aber eine Zahnradbahn dürfte selbst hartgesottene Theatergänger*innen überraschen. Schon der Ort ist programmatisch für das Theater Rampe. Hier mischen sich Theater und Popkultur, Tanz und Schauspiel, Nachbarschaft und globale Perspektiven. Mehr und mehr entwickelte sich das Theater Rampe zu einem Stadttheater neuen Typs, in dem die Übergänge zwischen zeitgenössischen Theatertexten und Performances der freien Darstellenden Künsten fließend sind.
2023 steht in der Rampe ein Leitungswechsel an. Ein guter Moment um innezuhalten. Künstlerische Wegbegleiter*innen, Freund*innen und Partner*innen erinnern in persönlichen Abschiedsbriefen die vergangenen zehn Jahre, schreiben Ideen fort oder blicken in die Zukunft.
Eine Sammlung von Briefen, die keinen Anfang und kein Ende kennt. Denn Abschied nehmen heißt auch weitermachen, weiterarbeiten, weiterdenken.
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Theater Rampe 2013 – 2023

Im Schatten der Zahnradbahn Vol. 2

Wo steht die neue Dramatik heute? Wie kann man über Dramatik sprechen und welches analytische Instrumentarium braucht man dafür? Wie sollten die vorhandenen Positionen weiterentwickelt werden, um für das Theater eine Zukunft zu öffnen? Der Band „Dramatisch lesen“ nähert sich diesen Fragen zum Theatertext in Form eines Dialogs zwischen Dramatiker:innen, Wissenschaftler:innen sowie Kritiker:innen am Beispiel konkreter Stücke.
Sie sprechen über verschiedene Leseweisen von Texten, über das Verhältnis von Text und Theater, von Schreibenden und Lesenden im Spannungsverhältnis zwischen eigenständiger literarischer Gattung und Gebrauchstext. So gerät der Theatertext als eine Schule des dialogischen Denkens in den Blick, frei von dem Anspruch unmittelbarer Verwertbarkeit für die Bühne – (eine) Poetik des Dramas.
Mit Beiträgen von Charlotte Bomy, Karin Cerny, Teresa Dopler, Natascha Gangl, Andrea Glauser, Thomas Köck, Teresa Kovacs, Christoph Leibold, Wolfram Lotz, Sascha Michel, Fiston Mwanza Mujila, Katrin Pahl, Ewald Palmetshofer, Martin Schäfer, Ferdinand Schmalz, Brigitte Schwens-Harrant, Gerhild Steinbuch, Miroslava Svolikova, Christine Wahl und Ivna Zic.
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Wie über neue Dramatik sprechen?

Dramatisch lesen

Lilith Stangenberg: Kunst ist Bekenntnis

Mit einem Essay von Friedrich Dieckmann 
Mit einem Nachwort von Josef Bierbichler
In diesem Buch zieht B. K. Tragelehn versonnen und verschmitzt, hellwach für die Finsternisse der Zeit, an seiner Zigarre und erzählt. Wieder. Noch einmal. In Gesprächen mit Hans-Dieter Schütt wandert er durch sein Leben und besteht auf die Stimmung eines Abendspaziergangs. Flankiert werden die Gespräche durch Texte von Josef Bierbichler und Friedrich Dieckmann.
Der 1936 in Dresden geborene Regisseur, Dichter und Übersetzer: Das ist Lust am Widerspruch, Begehren nach dem Paradox, Freude an frivoler Verweigerung: „Wenn alle dafür sind, bin ich auch dagegen.“ Am Eis der Zeit erhitzt er seine Poesie. Ein Komödiant mit simplizischem Talent. Für den letzten Meisterschüler Brechts und langjährigen Freund von Heiner Müller war das Leben im Osten eine Geschichte der Verbote, das Leben im Westen ebenfalls eine Chronik des Unliebsamen. Im verkoppelten Ostwesten dann die Wiederaufnahme des alten Möbelspiels: „Zwei Stühle kaufen / Und sich dazwischensetzen.“
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Im Sturz. Sag Ja. Geh weiter.

B. K. Tragelehn

Im Vordergrund dieser 23. Ausgabe der Anthologie SCÈNE stehen außereuropäische Perspektiven: Acht Theaterautorinnen und -autoren mit Wurzeln in Nordamerika, Afrika, der Karibik und dem Nahen Osten beschreiben in ihren Texten Migrationsgeschichten, wirtschaftliche Abhängigkeiten, Kämpfe um Selbstermächtigung und die jahrhundertelangen Auswirkungen des Kolonialismus. Von der Versklavung der indigenen Bevölkerung in Québec schlagen sie einen Bogen über die Rassentrennung in den amerikanischen Südstaaten bis hin zur Verwüstung des Libanon und dem Arabischen Frühling in Tunesien. Stets wird dabei exemplarisch die Auswirkung der „großen“ Weltgeschichte auf normale –manchmal resiliente, manchmal pathetisch egoistische – Individuen gezeigt. Ob komödiantisch, dokumentarisch-literarisch, episch-chorisch, kammerspielartig oder grotesk – besonders beeindruckt die Vielfalt der ästhetischen Ansätze und Handschriften.

Neue französischsprachige Theaterstücke

Chris Weinhold