Reges Treiben, chaotische Szenen, das ist normalerweise der Bühne vorbehalten. Nicht so beim diesjährigen Brechtfestival in Augsburg, das unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner zu einem Spektakel wurde, einem Volksfest als sozialem Laboratorium, das samt Riesenrad und Dutzenden Inszenierungen zugleich eine Hommage an den Augsburger Plärrer ­darstellte, Schwabens größten Jahrmarkt, bei dem sich Jung und Alt tummeln und den auch Brecht geliebt haben soll. An zwei Abenden mit dem ­Titel „Spektakel I und II“ wurde das Festivalgelände zu einer einzigen Szenerie – und das Publikum war plötzlich mittendrin. An die Hand gab es einen Spielplan, der zum Stadtplan des Festivalgeländes wurde, auf welchem man sich treiben ließ oder zielstrebig versuchte, ans Ziel zu gelangen. Ziele aber gab es zuhauf, und so traten die Pläne oft in den Hintergrund, wenn der Zufall einen in die nächste Attrak­tion verschlug. Durch labyrinthische Gänge zwischen Bühne, Umkleiden und Lagerhallen schlängelte sich das Publikum, nur um am Popcornstand hängen zu bleiben und sich dann doch in ein ganz anderes Lehrstück ­katapultieren zu lassen. Vieles wirkte improvisiert, und doch vermutete man einen Masterplan hinter dem Geschehen, was zugleich für Verwirrung sorgte und allerhand Spontanität bei den Besuchern gebar. Kühnel und Kuttner müssen...

Staunen, Schreck und Attraktionen – Unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner wird das Brechtfestival in Augsburg zum Spektakel

Wahlkampf im Riesenrad

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Ein Festival für „Städte­bewoh­ner*in­nen“ sollte es werden – für, in und mit den Menschen aus Augsburg. Dazu wurden die Spielorte in der gesamten Stadt gestreut, die Lage „marginalisierter“ Menschen in der Stadt „sichtbar“ und die Zuschauerinnen und Zuschauer selbst zu Spielenden gemacht. In seiner letzten zu ver­antwor­tenden Festival-Ausgabe brachte Patrick Wengenroth wieder mal verschiedene performative Formate und Gruppen nach Bayern, deren Arbeiten er im Jargon des Engagements unter dem Festival-Motto subsumierte: „Moral to go“. Ästhetischer Schwerpunkt war die ­Erweiterung des Begriffs der Theaterkunst aus der Perspek­tive des Per­formativen, für die Thea­terkollektive wie Raum+Zeit, andcompany&amp;Co oder She She Pop stehen, auch im Sinne einer „Konfrontation Brechts mit der Gegenwart und der Gegenwart mit Brecht“, so Wen­genroth. Die Gruppe Raum+Zeit (Alexandra Althoff, Lothar Kittstein und Bernhard Mikeska) holte in ihrer szenischen Installation „Anti­gone::Comeback“ Brecht dann auch ganz wörtlich in die Gegenwart – in die der Besucherinnen und Besucher, die nicht mehr nur zusahen und zuhörten, sondern angesehen und angesprochen wurden. Die Situation: Proben zu Brechts „Antigone“. Mittels einer VR-Brille, als Helene Weigel auf der Bühne stehend, wurde man von Brecht angewiesen, vor allem aber zurechtgewiesen – so sollte der Seelenzustand Weigels während der Proben selbst erfahren werden. Beklemmende Szenen, die jedoch gegen...

Zum dritten und letzten Mal erlebte Augsburg das Brechtfestival unter der Leitung von Patrick Wengenroth

Hoffnung im Widerspruch

Unter dem Motto „Ändere die Welt, sie braucht es“ – einem Schnipsel aus der Brecht‘schen „Maßnahme“ – eröffnete der neue Intendant Patrick Wengenroth das jährlich stattfindende Brecht-Festival in Augsburg. Leicht sollte es nicht werden, blieben für Wengenroth doch aufgrund der Sanierung die Türen des Großen Hauses verschlossen. Doch mit den alten Gaswerken fand er einen Spielort, der sich mit seiner sinisteren Atmosphäre perfekt für Brechts „Die Maßnahme“ unter der Regie von Selcuk Cara eignete, eine der zwei Eigenproduktionen des Festivals. „Krise ist immer“, titelte die andere Eigenproduktion, eine von Friederike Heller inszenierte „Versuchsanordnung auf den Spuren von Bertolt Brecht und Walter Benjamin“. Das Verhältnis von Brecht und Benjamin bildete einen Schwerpunkt des Festivals. Eine Lesung der britischen Autorin Laurie Penny galt dem zweiten Schwerpunkt, dem Feminismus. Mit dem berühmt-berüchtigten Lehrstück „Die Maßnahme“ wagte sich Selcuk Cara auf vermintes Gebiet: Brecht und Hanns Eisler, der die kühnen Kompositionen beisteuerte, verhängten kurz vor Brechts Tod ein Aufführungsverbot, das erst 1997 aufgehoben wurde. Die beiden fürchteten vereinfachende Interpretationen. Das Stück nehme, so wurde wohlwollend gedeutet, die stalinistischen Säuberungen vorweg, andere betrachteten die „Maßnahme“ geradezu als Lobeshymne auf das Opfer des Einzelnen für das große Ganze. Dialektisches Denken sollte im Für und Wider zwischen...

Das diesjährige Augsburger Brecht-Festival unter der neuen Intendanz von Patrick Wengenroth

Amüsement und Skandal

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Harald Welzers „Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft“ reiht sich im Guten wie im Schlechten in einen Schwung von Neuerscheinungen ein, die in den vordersten Regalen im Buchladen oder, wie bei Welzer, sogar im Drogeriemarkt feilgeboten werden. Im Guten, weil sich gegen den Kampf wider „die Feinde der Freiheit“ (Welzer) nichts sagen lässt. Im Schlechten jedoch, weil sich dieses selbstverständliche Anliegen in einem Appell ausdrückt, der einen fragwürdigen Alarmismus bedient und so Gefahr läuft, ins Banale zu driften. Welzers Duktus, eine Mischung aus offiziösem Wissenschaftler und markigen Worten, hilft dabei nicht weiter. Die „Offene Gesellschaft“ funktioniere uneingeschränkt, so Welzer, denn seit siebzig Jahren herrsche bei uns Frieden, alle Krisen seien bewältigt, ohne dass die gesellschaftliche Ordnung selbst infrage gestanden hätte; mehr noch: Deutschland sei das beliebteste Land weltweit. Das wirkt konstruiert, und gerade die Gründe für die Beliebtheit zerfließen dabei. Wenn Welzer vom Hier und Jetzt ausgeht, verstrickt er sich in eine allzu affirmative nationale Perspektive. Viele Zeitgenossen der letzten siebzig Jahre werden eben auch andere Erinnerungen haben – an den Kalten Krieg, die Angst vor der Atombombe oder soziale Kämpfe um die Teilhabe, zum Beispiel von Frauen. Und auch auf den heutigen Reichtum Deutschlands dürfte man in...

Harald Welzer: Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft. Fischer Taschenbuch, Frankfurt am Main 2017, 128 S., 8 EUR.

Ein Manifest für den Aktivbürger

double feiert Jubiläum

Unter dem Motto „Egoismus vs. Solidarität“ beschoss Patrick Wengenroth im zweiten Jahr seiner Leitung des Brecht-Festivals in Augsburg die „Gegenwart mit Brecht und Brecht mit der Gegenwart“. Es sollte „kein jammervolles Echo der uns umgebenden Krisen sein, sondern vielmehr Lust darauf machen, diese Krisen durchstehen zu wollen“, so Wengenroth. Ein dichtes Programm aus allein drei Gastspielen, der Eigenproduktion „Der Untergang des Egoisten Johann Fatzer“, Kooperationen mit der örtlichen freien Szene, Workshops für Schülerinnen und Schüler, Konzerten und Diskussionsveranstaltungen zielte auf eine lange Woche mit intensivem Kontakt vor, auf und hinter der Bühne. Viel stand zur Debatte, die Konflikte und Unsicherheiten unserer Zeit sollten Eingang finden. Die Themen Feminismus, Migration, Angst, Neue Rechte und Nazismus aufzunehmen, ohne sie schlicht mitzunehmen, ist ein hehres Anliegen, doch zu meistern ist es schwer und gerät schnell ins Schlingern. Die verschiedenen Themenstränge mochten nicht recht zusammenhalten und brachen sinnbildlich bei einer Podiumsdiskussion zum Motto des Festivals auseinander. Geladen waren die Autorinnen Kathrin Röggla und Stefanie Sargnagel sowie Bazon Brock, seinerseits Kunsttheoretiker. Zur inhaltlichen Debatte kam es kaum, dafür zu harschem Gebaren von Brock gegenüber den weiblichen Podiumsgästen und einer Moderation, die sich unfähig zeigte, Struktur zu schaffen oder gar zu wahren, was nicht nur auf...

Das Brecht-Festival in Augsburg erkundet im zweiten Jahr unter der Leitung von Patrick Wengenroth das komplizierte Verhältnis von Ich und Wir

Wider das mechanische Denken

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Markus Metz und Georg Seeßlen legen in ihrer in der Reihe „Kapital &amp; Krise“ des Verlags Bertz + Fischer erschienenen Schrift „Kapitalistischer (Sur)realismus“ eine Ästhetik des „postmodernen Warenzirkus“ vor, eine Kritik des „Neoliberalismus als Ästhetik“. Darin zeichnen sie eine Geschichte der Ästhetisierung aller Lebensbereiche nach, die sich der Strategien des Surrealismus annimmt und in verkehrter Form aneignet: Management wird Kunst, Fantasie zum Zwang und Subversion zur Normalität. Die Absurdität der Lebensverhältnisse wird dabei plastisch: Die Krisenhaftigkeit der kapitalistischen Gesellschaft liegt offen zutage, „aber die Show geht erst richtig los“. Historisch grenzen Metz und Seeßlen den „kapitalistischen Surrealismus“ vom „kapitalistischen Realismus“ ab. Letzteren bestimme ein Paradigma der Alternativlosigkeit: Der Kapitalismus erzeugt Krisen, Armut und Zerstörung, aber er ist alternativlos, darum muss man sich in seinen Grenzen um eine möglichst „humane“ Lebensweise bemühen. Dagegen produziert der kapitalistische Surrealismus einen neuen Sozialcharakter, der die Alternativlosigkeit nicht nur anerkennt, sondern die Krisen noch affirmiert und exzessiv auslebt. Heute herrsche ein offener Zynismus, der sich Widersprüche selbst ans Revers heftet: Kritik der eigenen Praxis wird vorangeschoben, gar auf Gräuel verwiesen, um sodann mit einem Lächeln fortzufahren. Dabei wird die Kritik nicht abgewehrt, sondern freundlich aufgenommen und noch zum eigenen dynamischen Moment verkehrt. Bürgerliches wird als...

Markus Metz / Georg Seeßlen: Kapitalistischer (Sur)realismus. Neoliberalismus als Ästhetik. Bertz + Fischer Verlag, Berlin 2018, 300 Seiten, 18 EUR.

Kapitalisierung der Kreativität

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

„Kapitalistischer Realismus“, diesen Begriff hat Mark Fisher geprägt. Er beschrieb damit den Niederschlag des Neoliberalismus im Bewusstsein der Menschen: Untergang der Utopien und Verlust des Zugangs zur Vergangenheit – eine Schleife aus reiner Gegenwart. In „Gespenster meines Lebens. Depression, Hauntology und die verlorene Zukunft“ schrieb der Essayist, anknüpfend an Jacques Derridas „Marx’ Gespenster“, über die Elemente einer versprengten Zukunft und vereinte Philosophie und Kulturtheorie in einer biografischen Offenheit, die auch vor der eigenen Depression nicht haltmacht. Depressionen aufzuschließen, als gesellschaftliches Phänomen und nicht schlicht individuelles Schicksal, ist ebenso die Grundlage für die nun postum erschienene Essaysammlung „Das Seltsame und das Gespenstische“ von Fisher, der sich Anfang dieses Jahres das Leben nahm. Das Gespenstische verortet Fisher in den „Kräften, die unseren Alltag regieren, die aber normalerweise verborgen sind“, und es zeigt sich dann, „wenn entweder etwas da ist, wo nichts sein sollte, oder wenn nichts da ist, wo doch etwas sein sollte“. Das sind gesellschaftliche Ordnungen, die die Menschen wie Naturgewalten herumwerfen, durch sie hindurch wirken und selbst nicht in Erscheinung treten. Dagegen zeichnet sich das Seltsame dadurch aus, dass es eine Brücke schlägt zwischen „unserer und einer fremden Welt“, eine „überwältigende Präsenz, ein Gewimmel, das wir nicht mehr zur Darstellung...

Mark Fisher: Das Seltsame und das Gespenstische. Edition Tiamat, Berlin 2017, 176 S., 18 EUR.

Die Gespenster, die wir riefen

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Am Anfang stand die Masse an. So könnte – ans Biblische gemahnend – der Ursprung von Berthold Seligers Kritik an der Kulturindustrie gefasst werden. Sein neuestes Buch „Vom Imperiengeschäft“ nimmt seinen Ausgang in der Veränderung des Ticketmarkts für Konzerte. Kauften Konzertgänger früher ihre Eintrittskarten einfach an einer Bude, sind es heutzutage große Ticketkonzerne, die über das Monopol des Verkaufs verfügen. Mittlerweile werden die Tickets hauptsächlich online erworben – zulasten der Konzertbetreiber, denn der Gewinn landet zumeist nur in den Kassen der Monopolisten. Die machen aus den Konzerten zwar riesige Events für die Massen, ihr Ziel aber ist stets die Dominanz auf dem Markt. Seliger, selbst Konzertveranstalter, beschreibt die Entwicklung hin zu Vor-Vorverkäufen und „Ticket-Bundles“, die zu einer Preissteigerung ins Absurde und so zu einer Verdrängung großer Teile der Bevölkerung aus den ehemals „egalitären“ Massenevents führen. Verdrängt werden dabei ebenso kleinere Konzertveranstalter, Off-Bühnen und Clubs, weil die großen Marktführer die Vertragsbedingungen weitgehend kontrollieren. Wo sich aber die kleinen Bühnen nicht mehr über Wasser halten können, da schrumpfen auch die Orte für wenig bekannte und unbekannte Künstler­innen und Künstler; es bleiben nur mehr die bereits etablierten Stars auf den großen Events. Die Größen des Ticketgeschäfts dominieren über Sponsoring und Management des gesamten...

Berthold Seliger: Vom Imperiengeschäft. Konzerte – Festivals – Streaming – Soziales. Wie Großkonzerne die kulturelle Vielfalt zerstören. Edition Tiamat, Berlin 2019, 344 S., 20 EUR.

Ein Konzertveranstalter klagt an

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Die Stress-Knoten auflösen

Gespielt wird auf einem bedruckten PVC-Boden: konzentrische schwarze Quadrate auf weißem Untergrund, die Unendlichkeit suggerieren – für die Spielenden ohne Ausweg. Von außen ragt einzig ein roter Keil in die Mitte als mögliche Unterbrechung – das Ende eines endlosen Spiels. „Finistère“, so der Titel des Stücks, heißt das westlichste kontinentale Département Frankreichs. Gelegen am äußersten Rand der bretonischen Halbinsel, wurde es bereits zu römischen Zeiten „Finis terrae“ genannt: das Ende der Welt. Es bildete den Fluchtpunkt der alten Welt, die äußerste Spitze der Erde. So wenig jedoch die Welt an der französischen Küste endet, so wirkmächtig ist die Vorstellung eines Ortes geworden, dem nicht zu entrinnen ist und dessen Insassen der Glaube an den totalen Untergang verbindet. Einzig noch das Bild des Keils, der vom Publikum aus in die Spielfläche ragt, dem „Roten Keil“ von El Lissitzky ähnlich, vermag einen Bruch im Kosmos einer wahnhaft gewordenen Welt zu setzen. Mit „Finistère“ sowie der ersten Eigenproduktion „Paare in Zeiten der Hysterie“ begann im November 2017 unter dem Titel „#1 Hysterie“ das erste „Kapitel“ des WuK-Theaters in Halle. Das freie Theaterkollektiv um Nicole Tröger und Tom Wolter hat das Panorama der freien Szene in Halle entscheidend erweitert und sorgt für Verblüffung. Verblüffend...

Das Theaterkollektiv WuK bereichert die freie Szene in Halle mit klugen Inszenierungen über die Katastrophen unserer Welt

Moderne Zeiten

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

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Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

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Magazin

freier Film- und Theaterkritiker, Leipzig

Den berühmten Sohn Augsburgs durch den Alleszermalmer Pop gedreht – „Die Welt ist: schlecht! Und ich bin: Brecht!“ (hier mit Matthias Kloppe) von Patrick Wengenroth. 

Theaterregisseur Yair Shermann

Das Ding mit dem Körper. Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Esra Küçük und Milo Rau im Gespräch

Rechte Gewalt

Theater und Migration

Der Knick im Kopf

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

Lilith Stangenberg: Kunst ist Bekenntnis

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

In seiner Besprechung von Ramon Gómez de la Sernas Buch „Der Zirkus“ von 1927 stellt Walter Benjamin die These auf, dass „im Zirkus der Mensch ein Gast des Tierreichs“ sei. „Die Tiere stehen doch nur scheinbar unter der Botmäßigkeit des Dompteurs, die Kunststücke, die sie machen, sind ihre Art den jüngeren Bruder zu unterhalten und zu zerstreuen, da sie ja Besseres mit ihm nicht anfangen können. Die Zirkusleute haben von ihnen gelernt.“
An Benjamin anschließend, könnte man behaupten, der zeitgenössische Zirkus sei im Reich der Dinge zu Gast und die Artist*innen hätten von ihnen gelernt. Denn wie im „Theater der Dinge“ werden hier Dinge und Materialien zu echten Gegenspielern, Materialien erforscht, die Hierarchie zwischen Objekt und Subjekt wird in Frage gestellt.
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Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Als wir den Schwerpunkt für dieses Heft ankündigten, meinte ein in einem anderen Bereich tätiger Medienkollege: „Schönheit im Theater? Die Schauspieler und Schauspielerinnen? Ist ja hochinteressant, aber wohl auch äußerst riskant.“ Nein, um Beauty-Wertungen geht es nicht. Theater besteht ja aus vielem, das schön sein kann oder als solches empfunden wird. Aber angesprochen, ob von der professionellen Kritik oder den Theaterkünstler:innen selbst, wird das eher selten.
Die Frage war also, wie man den Begriff für das heutige Theater diskutieren kann, ohne gleich mit Hegels 1400 Seiten umfassenden Vorlesungen zur Ästhetik in „das weite Reich des Schönen“ zurückzugehen. Der Düsseldorfer Intendant Wilfried Schulz schaute für die Vorbereitung des Gesprächs zum Thema, wie er schmunzelnd mitteilte, doch noch einmal in seine alten Aufzeichnungen aus den Hegel-Seminaren der Universitätsjahre hinein.
Die Kostümbildnerin Vanessa Rust indes kommt ursprünglich aus der Modeindustrie, wo der Begriff der Schönheit als ganz unverdächtig unverbraucht gelten darf – und muss. Florentina Holzingers Arbeiten gehören heute, so wie sie die Theaterwissenschaftlerin Hannah Schünemann als wichtiges Beispiel aufgreift, unbedingt ins weite Reich des ­Schönen im Theater. Also mit diesem Schwerpunkt hinein in die Diskussion von Begriff und Phänomen!
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Eine unterschätzte Kategorie

Vegard Vinge und Ida Müller im Nationaltheater Reinickendorf

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Chris Weinhold