Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Reges Treiben, chaotische Szenen, das ist normalerweise der Bühne vorbehalten. Nicht so beim diesjährigen Brechtfestival in Augsburg, das unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner zu einem Spektakel wurde, einem Volksfest als sozialem Laboratorium, das samt Riesenrad und Dutzenden Inszenierungen zugleich eine Hommage an den Augsburger Plärrer ­darstellte, Schwabens größten Jahrmarkt, bei dem sich Jung und Alt tummeln und den auch Brecht geliebt haben soll. An zwei Abenden mit dem ­Titel „Spektakel I und II“ wurde das Festivalgelände zu einer einzigen Szenerie – und das Publikum war plötzlich mittendrin. An die Hand gab es einen Spielplan, der zum Stadtplan des Festivalgeländes wurde, auf welchem man sich treiben ließ oder zielstrebig versuchte, ans Ziel zu gelangen. Ziele aber gab es zuhauf, und so traten die Pläne oft in den Hintergrund, wenn der Zufall einen in die nächste Attrak­tion verschlug. Durch labyrinthische Gänge zwischen Bühne, Umkleiden und Lagerhallen schlängelte sich das Publikum, nur um am Popcornstand hängen zu bleiben und sich dann doch in ein ganz anderes Lehrstück ­katapultieren zu lassen. Vieles wirkte improvisiert, und doch vermutete man einen Masterplan hinter dem Geschehen, was zugleich für Verwirrung sorgte und allerhand Spontanität bei den Besuchern gebar. Kühnel und Kuttner müssen...

Staunen, Schreck und Attraktionen – Unter den neuen Künstlerischen Leitern Tom Kühnel und Jürgen Kuttner wird das Brechtfestival in Augsburg zum Spektakel

Wahlkampf im Riesenrad

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Ein Festival für „Städte­bewoh­ner*in­nen“ sollte es werden – für, in und mit den Menschen aus Augsburg. Dazu wurden die Spielorte in der gesamten Stadt gestreut, die Lage „marginalisierter“ Menschen in der Stadt „sichtbar“ und die Zuschauerinnen und Zuschauer selbst zu Spielenden gemacht. In seiner letzten zu ver­antwor­tenden Festival-Ausgabe brachte Patrick Wengenroth wieder mal verschiedene performative Formate und Gruppen nach Bayern, deren Arbeiten er im Jargon des Engagements unter dem Festival-Motto subsumierte: „Moral to go“. Ästhetischer Schwerpunkt war die ­Erweiterung des Begriffs der Theaterkunst aus der Perspek­tive des Per­formativen, für die Thea­terkollektive wie Raum+Zeit, andcompany&amp;Co oder She She Pop stehen, auch im Sinne einer „Konfrontation Brechts mit der Gegenwart und der Gegenwart mit Brecht“, so Wen­genroth. Die Gruppe Raum+Zeit (Alexandra Althoff, Lothar Kittstein und Bernhard Mikeska) holte in ihrer szenischen Installation „Anti­gone::Comeback“ Brecht dann auch ganz wörtlich in die Gegenwart – in die der Besucherinnen und Besucher, die nicht mehr nur zusahen und zuhörten, sondern angesehen und angesprochen wurden. Die Situation: Proben zu Brechts „Antigone“. Mittels einer VR-Brille, als Helene Weigel auf der Bühne stehend, wurde man von Brecht angewiesen, vor allem aber zurechtgewiesen – so sollte der Seelenzustand Weigels während der Proben selbst erfahren werden. Beklemmende Szenen, die jedoch gegen...

Zum dritten und letzten Mal erlebte Augsburg das Brechtfestival unter der Leitung von Patrick Wengenroth

Hoffnung im Widerspruch

Unter dem Motto „Ändere die Welt, sie braucht es“ – einem Schnipsel aus der Brecht‘schen „Maßnahme“ – eröffnete der neue Intendant Patrick Wengenroth das jährlich stattfindende Brecht-Festival in Augsburg. Leicht sollte es nicht werden, blieben für Wengenroth doch aufgrund der Sanierung die Türen des Großen Hauses verschlossen. Doch mit den alten Gaswerken fand er einen Spielort, der sich mit seiner sinisteren Atmosphäre perfekt für Brechts „Die Maßnahme“ unter der Regie von Selcuk Cara eignete, eine der zwei Eigenproduktionen des Festivals. „Krise ist immer“, titelte die andere Eigenproduktion, eine von Friederike Heller inszenierte „Versuchsanordnung auf den Spuren von Bertolt Brecht und Walter Benjamin“. Das Verhältnis von Brecht und Benjamin bildete einen Schwerpunkt des Festivals. Eine Lesung der britischen Autorin Laurie Penny galt dem zweiten Schwerpunkt, dem Feminismus. Mit dem berühmt-berüchtigten Lehrstück „Die Maßnahme“ wagte sich Selcuk Cara auf vermintes Gebiet: Brecht und Hanns Eisler, der die kühnen Kompositionen beisteuerte, verhängten kurz vor Brechts Tod ein Aufführungsverbot, das erst 1997 aufgehoben wurde. Die beiden fürchteten vereinfachende Interpretationen. Das Stück nehme, so wurde wohlwollend gedeutet, die stalinistischen Säuberungen vorweg, andere betrachteten die „Maßnahme“ geradezu als Lobeshymne auf das Opfer des Einzelnen für das große Ganze. Dialektisches Denken sollte im Für und Wider zwischen...

Das diesjährige Augsburger Brecht-Festival unter der neuen Intendanz von Patrick Wengenroth

Amüsement und Skandal

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

„Faire Honorare!”, „Faire Verträge!” und „Innovatives Theater!” – das neue Reformpaket des Szenografie-Bunds fordert maßgebliche Veränderungen

Harald Welzers „Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft“ reiht sich im Guten wie im Schlechten in einen Schwung von Neuerscheinungen ein, die in den vordersten Regalen im Buchladen oder, wie bei Welzer, sogar im Drogeriemarkt feilgeboten werden. Im Guten, weil sich gegen den Kampf wider „die Feinde der Freiheit“ (Welzer) nichts sagen lässt. Im Schlechten jedoch, weil sich dieses selbstverständliche Anliegen in einem Appell ausdrückt, der einen fragwürdigen Alarmismus bedient und so Gefahr läuft, ins Banale zu driften. Welzers Duktus, eine Mischung aus offiziösem Wissenschaftler und markigen Worten, hilft dabei nicht weiter. Die „Offene Gesellschaft“ funktioniere uneingeschränkt, so Welzer, denn seit siebzig Jahren herrsche bei uns Frieden, alle Krisen seien bewältigt, ohne dass die gesellschaftliche Ordnung selbst infrage gestanden hätte; mehr noch: Deutschland sei das beliebteste Land weltweit. Das wirkt konstruiert, und gerade die Gründe für die Beliebtheit zerfließen dabei. Wenn Welzer vom Hier und Jetzt ausgeht, verstrickt er sich in eine allzu affirmative nationale Perspektive. Viele Zeitgenossen der letzten siebzig Jahre werden eben auch andere Erinnerungen haben – an den Kalten Krieg, die Angst vor der Atombombe oder soziale Kämpfe um die Teilhabe, zum Beispiel von Frauen. Und auch auf den heutigen Reichtum Deutschlands dürfte man in...

Harald Welzer: Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft. Fischer Taschenbuch, Frankfurt am Main 2017, 128 S., 8 EUR.

Ein Manifest für den Aktivbürger

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

Unter dem Motto „Egoismus vs. Solidarität“ beschoss Patrick Wengenroth im zweiten Jahr seiner Leitung des Brecht-Festivals in Augsburg die „Gegenwart mit Brecht und Brecht mit der Gegenwart“. Es sollte „kein jammervolles Echo der uns umgebenden Krisen sein, sondern vielmehr Lust darauf machen, diese Krisen durchstehen zu wollen“, so Wengenroth. Ein dichtes Programm aus allein drei Gastspielen, der Eigenproduktion „Der Untergang des Egoisten Johann Fatzer“, Kooperationen mit der örtlichen freien Szene, Workshops für Schülerinnen und Schüler, Konzerten und Diskussionsveranstaltungen zielte auf eine lange Woche mit intensivem Kontakt vor, auf und hinter der Bühne. Viel stand zur Debatte, die Konflikte und Unsicherheiten unserer Zeit sollten Eingang finden. Die Themen Feminismus, Migration, Angst, Neue Rechte und Nazismus aufzunehmen, ohne sie schlicht mitzunehmen, ist ein hehres Anliegen, doch zu meistern ist es schwer und gerät schnell ins Schlingern. Die verschiedenen Themenstränge mochten nicht recht zusammenhalten und brachen sinnbildlich bei einer Podiumsdiskussion zum Motto des Festivals auseinander. Geladen waren die Autorinnen Kathrin Röggla und Stefanie Sargnagel sowie Bazon Brock, seinerseits Kunsttheoretiker. Zur inhaltlichen Debatte kam es kaum, dafür zu harschem Gebaren von Brock gegenüber den weiblichen Podiumsgästen und einer Moderation, die sich unfähig zeigte, Struktur zu schaffen oder gar zu wahren, was nicht nur auf...

Das Brecht-Festival in Augsburg erkundet im zweiten Jahr unter der Leitung von Patrick Wengenroth das komplizierte Verhältnis von Ich und Wir

Wider das mechanische Denken

„Antigone“ in Leichter Sprache

Freddy Krueger und Chucky, die Mörderpuppe

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Markus Metz und Georg Seeßlen legen in ihrer in der Reihe „Kapital &amp; Krise“ des Verlags Bertz + Fischer erschienenen Schrift „Kapitalistischer (Sur)realismus“ eine Ästhetik des „postmodernen Warenzirkus“ vor, eine Kritik des „Neoliberalismus als Ästhetik“. Darin zeichnen sie eine Geschichte der Ästhetisierung aller Lebensbereiche nach, die sich der Strategien des Surrealismus annimmt und in verkehrter Form aneignet: Management wird Kunst, Fantasie zum Zwang und Subversion zur Normalität. Die Absurdität der Lebensverhältnisse wird dabei plastisch: Die Krisenhaftigkeit der kapitalistischen Gesellschaft liegt offen zutage, „aber die Show geht erst richtig los“. Historisch grenzen Metz und Seeßlen den „kapitalistischen Surrealismus“ vom „kapitalistischen Realismus“ ab. Letzteren bestimme ein Paradigma der Alternativlosigkeit: Der Kapitalismus erzeugt Krisen, Armut und Zerstörung, aber er ist alternativlos, darum muss man sich in seinen Grenzen um eine möglichst „humane“ Lebensweise bemühen. Dagegen produziert der kapitalistische Surrealismus einen neuen Sozialcharakter, der die Alternativlosigkeit nicht nur anerkennt, sondern die Krisen noch affirmiert und exzessiv auslebt. Heute herrsche ein offener Zynismus, der sich Widersprüche selbst ans Revers heftet: Kritik der eigenen Praxis wird vorangeschoben, gar auf Gräuel verwiesen, um sodann mit einem Lächeln fortzufahren. Dabei wird die Kritik nicht abgewehrt, sondern freundlich aufgenommen und noch zum eigenen dynamischen Moment verkehrt. Bürgerliches wird als...

Markus Metz / Georg Seeßlen: Kapitalistischer (Sur)realismus. Neoliberalismus als Ästhetik. Bertz + Fischer Verlag, Berlin 2018, 300 Seiten, 18 EUR.

Kapitalisierung der Kreativität

Von Schulterschlüssen und Zirkusküssen

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

The Blob und das Lachen der Medusen

To try, to fail, to try again

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

„Kapitalistischer Realismus“, diesen Begriff hat Mark Fisher geprägt. Er beschrieb damit den Niederschlag des Neoliberalismus im Bewusstsein der Menschen: Untergang der Utopien und Verlust des Zugangs zur Vergangenheit – eine Schleife aus reiner Gegenwart. In „Gespenster meines Lebens. Depression, Hauntology und die verlorene Zukunft“ schrieb der Essayist, anknüpfend an Jacques Derridas „Marx’ Gespenster“, über die Elemente einer versprengten Zukunft und vereinte Philosophie und Kulturtheorie in einer biografischen Offenheit, die auch vor der eigenen Depression nicht haltmacht. Depressionen aufzuschließen, als gesellschaftliches Phänomen und nicht schlicht individuelles Schicksal, ist ebenso die Grundlage für die nun postum erschienene Essaysammlung „Das Seltsame und das Gespenstische“ von Fisher, der sich Anfang dieses Jahres das Leben nahm. Das Gespenstische verortet Fisher in den „Kräften, die unseren Alltag regieren, die aber normalerweise verborgen sind“, und es zeigt sich dann, „wenn entweder etwas da ist, wo nichts sein sollte, oder wenn nichts da ist, wo doch etwas sein sollte“. Das sind gesellschaftliche Ordnungen, die die Menschen wie Naturgewalten herumwerfen, durch sie hindurch wirken und selbst nicht in Erscheinung treten. Dagegen zeichnet sich das Seltsame dadurch aus, dass es eine Brücke schlägt zwischen „unserer und einer fremden Welt“, eine „überwältigende Präsenz, ein Gewimmel, das wir nicht mehr zur Darstellung...

Mark Fisher: Das Seltsame und das Gespenstische. Edition Tiamat, Berlin 2017, 176 S., 18 EUR.

Die Gespenster, die wir riefen

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Rechte, keine Wohltaten

Moers: Klimaneutraler Theaterneubau erhält 80 Prozent Förderung vom Land NRW und dem Bund

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

„Work hard, play hard?“

Liebe, Schreiben, Popmusik

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Am Anfang stand die Masse an. So könnte – ans Biblische gemahnend – der Ursprung von Berthold Seligers Kritik an der Kulturindustrie gefasst werden. Sein neuestes Buch „Vom Imperiengeschäft“ nimmt seinen Ausgang in der Veränderung des Ticketmarkts für Konzerte. Kauften Konzertgänger früher ihre Eintrittskarten einfach an einer Bude, sind es heutzutage große Ticketkonzerne, die über das Monopol des Verkaufs verfügen. Mittlerweile werden die Tickets hauptsächlich online erworben – zulasten der Konzertbetreiber, denn der Gewinn landet zumeist nur in den Kassen der Monopolisten. Die machen aus den Konzerten zwar riesige Events für die Massen, ihr Ziel aber ist stets die Dominanz auf dem Markt. Seliger, selbst Konzertveranstalter, beschreibt die Entwicklung hin zu Vor-Vorverkäufen und „Ticket-Bundles“, die zu einer Preissteigerung ins Absurde und so zu einer Verdrängung großer Teile der Bevölkerung aus den ehemals „egalitären“ Massenevents führen. Verdrängt werden dabei ebenso kleinere Konzertveranstalter, Off-Bühnen und Clubs, weil die großen Marktführer die Vertragsbedingungen weitgehend kontrollieren. Wo sich aber die kleinen Bühnen nicht mehr über Wasser halten können, da schrumpfen auch die Orte für wenig bekannte und unbekannte Künstler­innen und Künstler; es bleiben nur mehr die bereits etablierten Stars auf den großen Events. Die Größen des Ticketgeschäfts dominieren über Sponsoring und Management des gesamten...

Berthold Seliger: Vom Imperiengeschäft. Konzerte – Festivals – Streaming – Soziales. Wie Großkonzerne die kulturelle Vielfalt zerstören. Edition Tiamat, Berlin 2019, 344 S., 20 EUR.

Ein Konzertveranstalter klagt an

Unterstützungsbedarf

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

München: Ruth Maria Kubitschek ist tot 

Schauspielhaus Bochum: Erst kaufen sie Afrika, dann werden sie sich uns kaufen

Halle: Kathrin Vieregg gewinnt für ihren Stückentwurf „Mutter Vater Rind“ den „Preis der Jungen Dramatik“

Derman sendedir

Mülheim an der Ruhr: Sivan Ben Yishai ausgezeichnet mit dem Mülheimer Dramatikpreis 2024

Die Frage nach den Wörtern

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Die Stress-Knoten auflösen

Gespielt wird auf einem bedruckten PVC-Boden: konzentrische schwarze Quadrate auf weißem Untergrund, die Unendlichkeit suggerieren – für die Spielenden ohne Ausweg. Von außen ragt einzig ein roter Keil in die Mitte als mögliche Unterbrechung – das Ende eines endlosen Spiels. „Finistère“, so der Titel des Stücks, heißt das westlichste kontinentale Département Frankreichs. Gelegen am äußersten Rand der bretonischen Halbinsel, wurde es bereits zu römischen Zeiten „Finis terrae“ genannt: das Ende der Welt. Es bildete den Fluchtpunkt der alten Welt, die äußerste Spitze der Erde. So wenig jedoch die Welt an der französischen Küste endet, so wirkmächtig ist die Vorstellung eines Ortes geworden, dem nicht zu entrinnen ist und dessen Insassen der Glaube an den totalen Untergang verbindet. Einzig noch das Bild des Keils, der vom Publikum aus in die Spielfläche ragt, dem „Roten Keil“ von El Lissitzky ähnlich, vermag einen Bruch im Kosmos einer wahnhaft gewordenen Welt zu setzen. Mit „Finistère“ sowie der ersten Eigenproduktion „Paare in Zeiten der Hysterie“ begann im November 2017 unter dem Titel „#1 Hysterie“ das erste „Kapitel“ des WuK-Theaters in Halle. Das freie Theaterkollektiv um Nicole Tröger und Tom Wolter hat das Panorama der freien Szene in Halle entscheidend erweitert und sorgt für Verblüffung. Verblüffend...

Das Theaterkollektiv WuK bereichert die freie Szene in Halle mit klugen Inszenierungen über die Katastrophen unserer Welt

Moderne Zeiten

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Open Table: All in

Radikal weiblich

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Vielfalt und Zersplitterung

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Der weite Weg nach Europa

The Case of Digital Arts

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Nürnberg: Theaterpreis im TRIGGER Festival 2025

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Kriegstraumatisches Theater

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Das neue Normal?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Polarisierung und Positionierung

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Partitur der Geräusche

Im Angesicht rechter Bedrohung

Unter Beobachtung

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Die vierte Wand in der Kunst der Gegenwart

Zirkus

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freier Film- und Theaterkritiker, Leipzig

Den berühmten Sohn Augsburgs durch den Alleszermalmer Pop gedreht – „Die Welt ist: schlecht! Und ich bin: Brecht!“ (hier mit Matthias Kloppe) von Patrick Wengenroth. 

Esra Küçük und Milo Rau im Gespräch

Rechte Gewalt

Überbordend sinnlich, international gefeiert, diversitätsoffen und jenseits von disziplinären Grenzen, zugleich angefeindet, verbrämt, umkämpft: Die Intendanz von Benjamin von Blomberg und Nicolas Stemann am Schauspielhaus Zürich war eine richtungsweisende Zeit. Als alphabetisches Glossar verpackt, evoziert der vorliegende Reader die Hoffnungen und Versprechen, die mit der Intendanz verbunden waren, repräsentiert die vielfältigen Handschriften der beteiligten Künstler:innen und ruft öffentliche Debatten um die Neuausrichtung des Schauspielhauses auf.
Was also bleibt, von diesem Versuch das Stadttheater für das 21. Jahrhundert neu zu denken? Theater Is Dead. Long Live Theater. Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 gibt darauf keine finalen Antworten, sondern versammelt Material, das für zukünftige Erneuerungsversuche relevant sein könnte. Dabei entsteht ein künstlerischer Text- und Bildband, der einen erweiterten Theaterbegriff feiert und die in Zürich entstandenen Arbeiten zwischen Theater, Tanz, Film und den performativen Künsten abbildet und kontextualisiert.
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Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 

Theater is Dead. Long Live Theater

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Theater und Migration

Der Knick im Kopf

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Der Schwerpunkt Puppen- und Figurentheater geht von den vielfältigen Beob­achtungen der Redaktion im Feld des Schauspieltheaters aus, wo Puppenspieler:innen bedeutende Partner sind oder gleich die große Bühne übernehmen. Ein Trend, der vor 25 Jahren schon einmal herausragende künstlerische Produktionen hervorbrachte, als die Regisseure Tom Kühnel und Robert Schuster zusammen mit Suse Wächter und ihren Puppen kanonische Stücke wie Goethes „Faust“ neu sehen ließen. So etwas sollte schon in der Ausbildung als „Bandenbildung“ angestiftet werden, meint Jörg Lehmann von der Berliner Ernst-Busch-Schule, und TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier beschreibt, wie der Studiengang Figuren­theater an der Stuttgarter Hochschule für Musik und Darstellende Kunst angelegt ist. Es gibt da noch viel zu entdecken – und vor allem auch viel auf die Bühnen zu bringen.
Die Errichtung der vierten Wand in der Bildenden Kunst – Das ist eine sogar theatertheoretische Überraschung, die der Venedig-Biennale-­Künstler Ersan Mondtag im Gespräch mit dem Dramaturgen Ludwig Haugk in den Ring wirft. Mondtag bespielt den deutschen Pavillon in Erinnerung an seinen Großvater, der als türkischer Arbeitsmigrant nach Deutschland kam, unter dem Titel „Monument eines unbekannten Menschen“ mit Performances, in denen der kraftvolle Volksbühnen-Schauspieler Frank Büttner im Zentrum steht und viele verblüfft. Alles dazu im Kunstinsert dieser TdZ-Ausgabe.
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Puppen- und Figurentheater

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.

Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Nachdem die Freie und die inklusive Szene den Weg bereitet haben, sind in den letzten Jahren auch einige Stadttheater in Deutschland inklusiver geworden. Eines davon sind die Münchner Kammerspiele. Unter der Intendanz von Barbara Mundel sind erstmals nicht nur Schauspieler:innen mit körperlicher Behinderung, sondern auch Schau­spieler:innen mit kognitiver Beeinträchtigung fest in einem Stadttheater-Ensemble angestellt. Auch im Bereich Text, Regie und Choreografie arbeiten die Münchner Kammerspiele inklusiv. Das Theater der Zeit Spezial geht von diesen konkreten Erfahrungen der vergangenen Spielzeiten seit 2020/21 aus.
Einen kurzen Abriss zur Geschichte des inklusiven Theaters in Deutschland gibt Georg Kasch. Der Schauspieler Dennis Fell-Hernandez interviewt die Intendantin Barbara Mundel und das Team der Münchner Kammerspiele um Nele Jahnke reflektiert über die strukturellen Entwicklungen und Erfahrungen und weitere beteiligte Künstler:innen teilen ihre Perspektiven.
Das Spezial ist wendbar und erscheint in Alltagssprache und in Leichter Sprache.
+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ In Leichter Sprache:
Bis jetzt wird nur an wenigen Theatern in Deutschland inklusiv gearbeitet. Zum Beispiel bei den Münchner Kammerspielen.
Die Münchner Kammerspiele finden Inklusion wichtig. Darum gehören zum Ensemble der Münchner Kammerspiele auch Schauspieler:innen mit Behinderung. Es sind Schauspieler:innen mit Körper·behinderung. Und Schauspieler:innen mit anderen Lern·möglichkeiten. Sie spielen fest an den Kammerspielen.
Manchmal kommen weiter Künstler:innen mit anderen Lernmöglichkeiten und Körperbehinderung an die Kammerspiele und denken sich Theaterstücke aus.
Das Magazin Theater der Zeit Spezial berichtet von den Erfahrungen der Münchner Kammerspiele mit dem Thema Inklusion.
Es werden Beispiele beschrieben aus den Jahren 2020 bis heute.
Georg Kasch schreibt über die Geschichte des inklusiven Theaters in Deutschland. Der Schauspieler Dennis Fell-Hernandez interviewt die Intendantin Barbara Mundel. Das Team der Münchner Kammerspiele denkt über die Erfahrungen aus ihrer inklusiven Arbeit nach. Und weitere Künstler:innen teilen ihren Blickwinkel.
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Notizen zu Inklusion an einem Stadttheater

All Abled Arts

Eigentlich hatte Klaus Lederer anderes zu tun. Der Politiker (Die Linke) im Berliner Abgeordnetenhaus stellte auf der Leipziger Buchmesse sein für einen radikalen Humanismus werbendes Buch „Mit links die Welt retten“ vor, feierte damit seinen 50. Geburtstag und flog dann sehr weit weg in den Urlaub. Als er von der Anfrage der Redaktion erfuhr, ob er etwas zu der Diskussion über die Zukunft der Volksbühne beisteuern könnte, sagte er sofort zu. Lederer handelte als Berliner Kultursenator 2019 mit René Pollesch die Intendanz der Berliner Volksbühne ab 2021 aus – Überlegungen zu deren Zukunft sind der Schwerpunkt in diesem Heft.
Der russische Schriftsteller Viktor ­Jerofejew floh sehr schnell nach dem totalen Überfall Russlands auf die Ukraine mit seiner Familie Richtung Westen. Die abenteuerliche Fahrt mit dem Auto über Finnland, das Baltikum und Polen nach Deutschland beschreibt er in seinem ­Roman „Der Große Gopnik“, ohne Zweifel das bislang bedeutendste Buch der Lite­ratur über Putins Psyche und das von ihm geprägte Russland. Das Wort ­Gopnik, abgeleitet vom sowjetischen ­Kürzel für „Staatliche Wohnheime des Proletariats“ und ab den 1990ern ein Begriff für ­depravierte Jungkriminelle und Schlägertypen, hat dank Jerofejew Chancen, in die deutsche Sprache zu gelangen.
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Viktor Jerofejews Putin-Stück: Der Große Gopnik

Perspektiven der Volksbühne

Chris Weinhold