Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

„Aida“, 4. Akt, 2. Szene: Mit einem unheilvollen Knirschen schiebt sich der letzte Stein in die Mauer. So zumindest stellt man es sich vor, wenn man die Handlung dieser Verdi-Oper liest. Radames und Aida, lebendig begraben. Was das heißt, thematisiert die Oper indes nicht. Nicht das langsame Dahinsiechen, das Verdursten, die Atemnot – bei Verdi findet sich davon: nichts. Nirgendwo sonst stirbt es sich so schön wie in der Oper. Weil sie, wie Alexander Kluge es formuliert, trotz Mord und Totschlag Hüterin des „Wahren, Guten, Schönen“ sein will. Und weil sich vieles, wie im Musiktheater eben so üblich, in der Musik abspielt, und zwar in einer, die sich zumeist in tonalen Strukturen bewegt, da Opernhäuser das Zeitgenössische viel zu oft scheuen. Damit wäre man auch schon beim nächsten Problem: Opern mit neu komponierter Musik und einem Libretto, das Geschichten aus dem Heute erzählt, werden an Opernhäusern kaum gespielt. Bürgerliche Erholungsstätten – so nannte Theodor W. Adorno die Institution Oper in seiner „Einleitung in die Musiksoziologie“, Alexander Kluge bezeichnet sie als Bunker. Die Neuköllner Oper, in einem der quirligsten, aber auch sozial problematischsten Berliner Bezirke gelegen, wäre somit keine Oper, zumindest: keine Oper im klassischen Sinne. Wie ihre Lage an der...

Eine Umfrage von Theater der Zeit und Neuköllner Oper

In Schönheit sterben

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Paula und Polly sind symbiotisch miteinander verbundene Schwestern. Paula arbeitet in einer Tierarztpraxis, Polly verbringt viel Zeit auf Friedhöfen, wo sie Fritz kennenlernt, der sich dort voll Hingabe um das Grab eines toten Babys kümmert. Während Paula sich aus der Symbiose zu ihrer Schwester zu lösen versucht, bleibt Polly mit den Dämonen ihrer Vergangenheit zurück. Immer rätselhafter wird, was wirklich geschehen ist – wer ist Fritz? Ist Polly die Mutter des Babys? Und wer hat es getötet? Seit in ihrer Nachbarschaft im Berliner Stadtteil Neukölln innerhalb eines Jahres zwei tote Babys gefunden wurden, beschäftigt sich Uta Bierbaum damit, welche Formen von Gewalt in unserem Kulturkreis gegenwärtig sind. In ihrem Stück lässt sie vier Figuren aufeinandertreffen, die sich, von ihrer Einsamkeit getrieben, gegenseitig Schmerz zufügen, manchmal roh, oft getarnt als zärtliche Geste. Uta Bierbaums Stück verurteilt nicht und gibt keine einfachen Antworten – vielmehr wirft der Text eindringliche Fragen auf, die noch lange nachwirken.

Finalisten: „Die Zärtlichkeit der Hunde“

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Elfie Steinheuer lebt in einer beschaulichen Welt. Die Fenster der zweistöckigen Fachwerkhäuser sind heimelig beleuchtet. Es ist Feierabendzeit. Zeit für die Familie, die Kinder oder die Probe des Männergesangsvereins. Zufriedene Menschen. Hinter jedem Fenster wohnt das Glück. Zu kaufen gibt es dieses bei der Modellbaufirma Noch im Internet. „Stadt, Land und Dorf – Idylle und Beschaulichkeit“ heißt die Kategorie, unter der man die Bestandteile dieses Wohlfühlszena­rios im Miniaturformat bestellen kann. Mach dir deine Welt, wie sie dir gefällt. Aber wehe, es kommt jemand und spielt sein eigenes Spiel mit diesen Puppen. Tankred Dorsts bislang unveröffentlichtes Drehbuch „Eine Mordgeschichte“ aus dem Jahr 1988 erzählt von einer schaurigen Kleinstadt und ihren Menschen. Alles wirkt dort sehr konventionell und überschaubar, wäre da nicht der ICE, der wie eine lauernde silberne Schlange auf Sarah-Katharina Karls Bühne die Modelleisenbahnstadt unablässig umkreist. Bernhard Glocksin, Leiter der Neuköllner Oper und enger Freund Tankred Dorsts, hat sich mit der Adaption des Drehbuchs zwei Jahre nach dem Tod des Dramatikers einen Wunsch erfüllt. Eines Tages, schreibt er im Programmheft, habe Dorst ihm dieses Manuskript in die Hände gedrückt. „Hat mir der Jürgen Jürges vorbeigebracht“, habe Dorst gemurmelt. Jürges, der derzeit als Kameramann von Ilya Krzhyanowskys Mammutprojekt „DAU“ wieder im...

Neuköllner Oper: „Elfie“ (UA) von W. Böhmer und M. G. Berger nach „Eine Mordgeschichte“ von Tankred Dorst in Mitarbeit von Ursula Ehler. Regie Martin G. Berger, Ausstattung Sarah-Katharina Karl

Berlin: In den dunklen Häusern liegen Leichen

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

Warum wir das Theater brauchen

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Auftritt

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Ozeanien

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D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

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Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

double

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Südamerika

Sachsen-Anhalt

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Sparten

Rheinland-Pfalz

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Musiktheater

Queeres Theater

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Was macht das Theater...?

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Magazin

Das Ding aus dem Sumpf

Neuköllner Oper

Die Neuköllner Oper ist ein freies Theater im Berliner Ortsteil Neukölln.

Die Neuköllner Oper ist ein freies Theater im Berliner Ortsteil Neukölln.

Theaterregisseur Yair Shermann

Das Ding mit dem Körper. Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Musiktheater im Kiez über den Kiez – Die Neuköllner Oper.

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

Shenja Lacher und das Ensemble-Netzwerk über die Zustände am Stadttheater

Glanz und Elend

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

In seiner Besprechung von Ramon Gómez de la Sernas Buch „Der Zirkus“ von 1927 stellt Walter Benjamin die These auf, dass „im Zirkus der Mensch ein Gast des Tierreichs“ sei. „Die Tiere stehen doch nur scheinbar unter der Botmäßigkeit des Dompteurs, die Kunststücke, die sie machen, sind ihre Art den jüngeren Bruder zu unterhalten und zu zerstreuen, da sie ja Besseres mit ihm nicht anfangen können. Die Zirkusleute haben von ihnen gelernt.“
An Benjamin anschließend, könnte man behaupten, der zeitgenössische Zirkus sei im Reich der Dinge zu Gast und die Artist*innen hätten von ihnen gelernt. Denn wie im „Theater der Dinge“ werden hier Dinge und Materialien zu echten Gegenspielern, Materialien erforscht, die Hierarchie zwischen Objekt und Subjekt wird in Frage gestellt.
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Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Der Regisseur und Musiker Thom Luz

Song of Smoke

Als wir den Schwerpunkt für dieses Heft ankündigten, meinte ein in einem anderen Bereich tätiger Medienkollege: „Schönheit im Theater? Die Schauspieler und Schauspielerinnen? Ist ja hochinteressant, aber wohl auch äußerst riskant.“ Nein, um Beauty-Wertungen geht es nicht. Theater besteht ja aus vielem, das schön sein kann oder als solches empfunden wird. Aber angesprochen, ob von der professionellen Kritik oder den Theaterkünstler:innen selbst, wird das eher selten.
Die Frage war also, wie man den Begriff für das heutige Theater diskutieren kann, ohne gleich mit Hegels 1400 Seiten umfassenden Vorlesungen zur Ästhetik in „das weite Reich des Schönen“ zurückzugehen. Der Düsseldorfer Intendant Wilfried Schulz schaute für die Vorbereitung des Gesprächs zum Thema, wie er schmunzelnd mitteilte, doch noch einmal in seine alten Aufzeichnungen aus den Hegel-Seminaren der Universitätsjahre hinein.
Die Kostümbildnerin Vanessa Rust indes kommt ursprünglich aus der Modeindustrie, wo der Begriff der Schönheit als ganz unverdächtig unverbraucht gelten darf – und muss. Florentina Holzingers Arbeiten gehören heute, so wie sie die Theaterwissenschaftlerin Hannah Schünemann als wichtiges Beispiel aufgreift, unbedingt ins weite Reich des ­Schönen im Theater. Also mit diesem Schwerpunkt hinein in die Diskussion von Begriff und Phänomen!
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Eine unterschätzte Kategorie

Im vorliegenden Band wird untersucht, wie in den siebziger Jahren in Ost-Berlin das festgefügte und außengelenkte System „DDR-Theater“ von innen heraus, durch die Arbeit Heiner Müllers und einer kleinen Gruppe von Schauspieler:innen, Regisseuren und Bühnenbildnern in seinen ideologischen und ästhetischen Grundfesten erschüttert wurde. Thomas Wieck und Renate Ziemer haben Theaterarchive ausgewertet und umfangreiche Gespräche geführt. Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Jürgen Holtz, Dieter Montag und Johanna Schall erinnern in den hier protokollierten Gesprächen an die theatralische Unbedingtheit und Kraft kollektiver schauspielerischer Selbstbestimmung. Diese zwischen 1940 und 1950 geborene Schauspielergeneration zog eine theatralisch überzeugende Bilanz des „gesellschaftspolitischen Experiments“ in einem Teil Deutschlands und stellte ihm eine niederschmetternde Diagnose – „politisches Theater“ im besten Sinne, vorbildlich und wirksam über die Zeiten hin.
 
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Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Dieter Montag über die Kunst des Schauspielens in der DDR

Wir waren die Müller-Spieler

Das Theater und die AfD

Umkämpfte Vielfalt

In diesem Heft starten wir eine neue Serie: „Post-Ost“. Mit essayistischen Beiträgen von jüngeren Theatermacher:innen und Autor:innen, die ihre persönlichen und beruflichen Erfahrungen und Vorstellungen beschreiben, bevor im Herbst in Brandenburg, Sachsen und Thüringen Landtagswahlen anstehen. „Post-Ost“ ist ein sehr verschieden verwendeter Begriff mit einer aber doch erkennbaren Zusammenhangsgröße: Zum einen bezieht er sich auf nach 1990 in Ostdeutschland Sozialisierte, zum anderen bezeichnet er, wesentlich erweitert, junge Menschen, die aus ost- und südosteuropäischen Ländern stammen und meist als Kinder in den deutschsprachigen Raum kamen.
Auch das TdZ-exklusive Material zum Heidelberger ¡Adelante!-Festival kann den Blick weiten. „Was in Lateinamerika passiert, betrifft auch unsere Lebensrealitäten, das sollten wir nicht vergessen“, sagt der Festival-Intendant Holger Schultze im Gespräch zum Schwerpunkt. Es geht um tatsächlich vielmehr. Um die ganze Welt des Theaters.
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Theater aus Iberoamerika

¡Adelante!

Wieso reden wir weniger über Kunst, aber so viel mehr über Strukturen? Wann erzählen wir endlich wieder Geschichten? Was ist gute Kunst, was sind gute Texte für junges Publikum – und wer entscheidet darüber? Oder anders gefragt: Erzählen wir gute Geschichten, während wir uns Strukturen genauer anschauen, in denen diese entstehen? Wie gelingt uns endlich dieser machtkritische Umgang, von dem alle immer reden, im Hinblick auf Ästhetik, Ausbildung, Zusammenarbeit, Qualitätssicherung oder Ressourcenverteilung?
Zu diesen Fragen entstanden aus Begegnungen während unserer Veranstaltungen konkrete Dialoge für die Praxis: In Briefform werden persönliche Erfahrungen und Gedanken zu Autor:innenschaft, zu spannenden Geschichten und machtkritischer Ästhetik von, für und mit jungem Publikum ausgetauscht.
Weil auch die Produktion dieser Publikation mit Macht zu tun hat, wollten die Herausgeberinnen nicht die einzigen sein, die Autor:innen auswählen. Die Personen, an die die Briefe gerichtet sind, wurden <a id="_idTextAnchor000"></a>von den Absender:innen selbst ausgesucht: Ihre Antworten bilden die zweite Hälfte des Heftes.
 
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Was ist eine gute Geschichte?

Tell me more

Freie Darstellende Künste für Junges Publikum: Wie viele Vorstellungen spielen sie im Jahr? Wie hoch ist ihr Umsatz? Was bedeutet es, als Künstler:in für junges Publikum tätig zu sein? Der Sammelband gibt in zwei Studien Einblick in die Welt der Freien Darstellenden Künste für junges Publikum, zu der es bisher kaum statistisches Material gibt. In Zusammenarbeit mit dem Institut für Sozialforschung und Gesellschaftspolitik werden die spezifischen Arbeits- und Lebens­bedingungen der Akteur:innen im Kinder- und ­Jugendtheater sowie ihre biografischen und beruflichen Entwicklungsprozesse in den Blick genommen. Dabei bildet ihre wirtschaft­liche Situation einen besonderen Schwerpunkt.
Vertieft wird die ökonomische Perspektive durch eine quantitative Studie, die die Jahresabschlüsse von über 250 Freien Kinder- und Jugendtheatern auswertet und eine betriebswirtschaftliche Bestandsaufnahme dieser Kulturbetriebe bietet.
Mit Beiträgen von Geza Adasz, Valerie Eichmann, Stefanie Fischer, Dr. Ulrike Kaden, Marco Puxi, ­Sabine Wellmer
 
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Die kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../../api/files/4b485270-55ec-45fd-a365-f0f249157ea6/Im_Fokus_E-PDF.pdf">PDF-Download (ca. 7 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-517-4 (Open Access)
DOI: <a href="https://tdz.de/shop/produkt/studie-im-fokus">https://doi.org/10.35287/9783957495174 </a>
Dieses Werk ist lizensiert unter der Creative Commons Attribution CC BY 4.0. Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.de</a>

Studien zur Situation 2017 – 2022

 Im Fokus: Freies Kinder- und Jugendtheater

Im Sommer 1972 begann an der damaligen Staatlichen Schauspielschule Berlin ein methodisches, kulturpolitisches und nicht zuletzt künstlerisches Experiment: die Gründung der Fachrichtung Puppenspiel, der ersten ihrer Art im deutschsprachigen Raum. Auf der Grundlage einer soliden Handhabung der darstellerischen Mittel steht seither die Beherrschung des Handwerks der Animation und die Entwicklung einer eigenen künstlerischen Sprache im Mittelpunkt des komplexen Studiums.
Studierende und Lehrende der heutigen Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch nahmen diesen Beginn vor fünfzig Jahren zum Anlass für ein Fest: Puppe50. Drei Tage Spiel und Begegnung, Foren und Diskussionen – getragen von lebendiger Erinnerung, Stolz und Visionen für die Zukunft dieser ganz besonderen Theaterform. Das Buch zum Jubiläum fragt, ganz im Sinne des Festes: Was war? Was ist? Was wird? Ein Innehalten nach fünf Jahrzehnten Ausbildung, eine Bestandsaufnahme in Wort und Bild.
Mit Beiträgen u. a. von Thomas Oberender, Kathi Loch, Gerd Taube, Markus Joss, Katja Kollmann, Robert Schuster, Andrea Tralles-Barck und Rimini Protokoll.
 
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/c387ffed-96a3-4c65-8315-4dc3bea5684e/hfs_buch_puppe50_OA-Version.pdf">PDF-Download (10,8 MB) </a>
ISBN 978-3-95749-502-0 (Open Access) DOI: <a href="https://doi.org/10.35287/9783957495020">https://doi.org/10.35287/9783957495020 </a>
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Hinweis: Bei der Open Access-Ausgabe handelt es sich um eine gering aufgelöste Version. Ein hochaufgelöstes PDF können Sie oben kostenpflichtig erwerben.

Fünf Jahrzehnte Puppenspielkunst  an der HfS Ernst Busch Berlin

Puppe50

Neuerscheinungen im Verlag