Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

„Aida“, 4. Akt, 2. Szene: Mit einem unheilvollen Knirschen schiebt sich der letzte Stein in die Mauer. So zumindest stellt man es sich vor, wenn man die Handlung dieser Verdi-Oper liest. Radames und Aida, lebendig begraben. Was das heißt, thematisiert die Oper indes nicht. Nicht das langsame Dahinsiechen, das Verdursten, die Atemnot – bei Verdi findet sich davon: nichts. Nirgendwo sonst stirbt es sich so schön wie in der Oper. Weil sie, wie Alexander Kluge es formuliert, trotz Mord und Totschlag Hüterin des „Wahren, Guten, Schönen“ sein will. Und weil sich vieles, wie im Musiktheater eben so üblich, in der Musik abspielt, und zwar in einer, die sich zumeist in tonalen Strukturen bewegt, da Opernhäuser das Zeitgenössische viel zu oft scheuen. Damit wäre man auch schon beim nächsten Problem: Opern mit neu komponierter Musik und einem Libretto, das Geschichten aus dem Heute erzählt, werden an Opernhäusern kaum gespielt. Bürgerliche Erholungsstätten – so nannte Theodor W. Adorno die Institution Oper in seiner „Einleitung in die Musiksoziologie“, Alexander Kluge bezeichnet sie als Bunker. Die Neuköllner Oper, in einem der quirligsten, aber auch sozial problematischsten Berliner Bezirke gelegen, wäre somit keine Oper, zumindest: keine Oper im klassischen Sinne. Wie ihre Lage an der...

Eine Umfrage von Theater der Zeit und Neuköllner Oper

In Schönheit sterben

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

„Kopf ab! Kopf ab!“, rufen die Zuschauer im Chor, sie folgen als Volk den auf Pappschildern hochgehaltenen Anweisungen der Spieler. Das Musiktheaterkollektiv Hauen und Stechen bearbeitet Giacomo Puccinis letzte Oper, „Turandot“. Die titelgebende Prinzessin lässt alle Brautwerber hinrichten, die ihre Rätsel nicht lösen können. Also: Kopf ab. Als nun aber der persische Prinz an der Reihe ist, weckt sein wunderschönes Aussehen doch Zweifel an der Notwendigkeit und vor allem Nützlichkeit der Enthauptung. „Gnade!“, schreit das Volk. „Gnade!“ Und der junge Beobachter Kalaf ist von unterschiedlichsten Empfindungen schwer verwirrt. „Turandot ist böse“, sagt er zuerst. Doch dann: „Turandot ist schön.“ Der Wechsel des Gemüts ist aber objektiv, Turandot ist beides: eine Einheit von Grausamkeit und Schönheit. Das Schöne und die Gewalt im Musiktheater ist das Thema des Festivals „In Schönheit sterben“, das vom 20. bis 23. Oktober an der Neuköllner Oper in Berlin stattfand. Im Vorfeld hatten die Neuköllner Oper und Theater der Zeit eine Befragung zum Potenzial des gegenwärtigen Musiktheaters durchgeführt, deren Ergebnisse auf <a href="http://neukoellneroper.de/discussion/" target="_blank">http://neukoellneroper.de/discussion/</a> einzusehen sind. So formulierte der Dramaturg Thomas Wieck im Hinblick auf diese Frage, dass „die Musiktheaterproduktionen einen verständlichen, sinnlich erfahrbaren Widerstand lustvoll musikalisch und szenisch produzieren (müssten), der die Zuschauer anregt, Lust auf Widerrede zu...

Beim Festival „In Schönheit sterben“ der Neuköllner Oper wird das Musiktheater auf dessen politische Relevanz hin befragt

Puccini beim G8-Gipfel in Genua

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Paula und Polly sind symbiotisch miteinander verbundene Schwestern. Paula arbeitet in einer Tierarztpraxis, Polly verbringt viel Zeit auf Friedhöfen, wo sie Fritz kennenlernt, der sich dort voll Hingabe um das Grab eines toten Babys kümmert. Während Paula sich aus der Symbiose zu ihrer Schwester zu lösen versucht, bleibt Polly mit den Dämonen ihrer Vergangenheit zurück. Immer rätselhafter wird, was wirklich geschehen ist – wer ist Fritz? Ist Polly die Mutter des Babys? Und wer hat es getötet? Seit in ihrer Nachbarschaft im Berliner Stadtteil Neukölln innerhalb eines Jahres zwei tote Babys gefunden wurden, beschäftigt sich Uta Bierbaum damit, welche Formen von Gewalt in unserem Kulturkreis gegenwärtig sind. In ihrem Stück lässt sie vier Figuren aufeinandertreffen, die sich, von ihrer Einsamkeit getrieben, gegenseitig Schmerz zufügen, manchmal roh, oft getarnt als zärtliche Geste. Uta Bierbaums Stück verurteilt nicht und gibt keine einfachen Antworten – vielmehr wirft der Text eindringliche Fragen auf, die noch lange nachwirken.

Finalisten: „Die Zärtlichkeit der Hunde“

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Die Neuköllner Oper wurde 1977 vom Komponisten und Dirigenten Winfried Radeke als Gegenentwurf zu den bestehenden Opernhäusern gegründet. Der Verein Neuköllner Oper wollte und will Musiktheater aus seiner doppelten Umklammerung lösen: Er will Uraufführungen zeigen, statt sich auf ein eng begrenztes Repertoire zu beschränken, und Stücke über gesellschaftlich relevante Themen inszenieren mit allen zur Verfügung stehenden musikalischen Mitteln, statt Geschichten von gestern zu erzählen. Nach den Anfangsjahren in verschiedenen Spielstätten zog die alternative Operninstitution 1988 in den Ballsaal der Passage Neukölln in der Karl-Marx-Straße, die der Kaufmann Paul Daedrich 1909/10 errichten ließ. Die Architekten Hoppe/Kiehl entwarfen dafür zwei fünfgeschossige Flügelbauten, die eine öffentliche Ladenpassage mit zwei Höfen flankieren. Sowohl das äußere Erscheinungsbild als auch die innere Ausstattung mit Kino- und Ballsaal waren damals einmalig in Berlin: Als kommerziellem Zentrum, das auch kulturelle Einrichtungen beherbergt, kommt der Anlage eine große ortsgeschichtliche Bedeutung zu. Um zu den beiden Bühnen – den großen Saal mit bis zu 200 und dem Studio mit bis zu 60 Plätzen – zu gelangen, in denen die Neuköllner Oper bis zu 250 Aufführungen jährlich zeigt, muss man 75 Stufen bis in den vierten Stock des Gebäudes steigen. In der Freien Szene nimmt das Haus eine Sonderstellung ein: Es...

Neuköllner Oper

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Elfie Steinheuer lebt in einer beschaulichen Welt. Die Fenster der zweistöckigen Fachwerkhäuser sind heimelig beleuchtet. Es ist Feierabendzeit. Zeit für die Familie, die Kinder oder die Probe des Männergesangsvereins. Zufriedene Menschen. Hinter jedem Fenster wohnt das Glück. Zu kaufen gibt es dieses bei der Modellbaufirma Noch im Internet. „Stadt, Land und Dorf – Idylle und Beschaulichkeit“ heißt die Kategorie, unter der man die Bestandteile dieses Wohlfühlszena­rios im Miniaturformat bestellen kann. Mach dir deine Welt, wie sie dir gefällt. Aber wehe, es kommt jemand und spielt sein eigenes Spiel mit diesen Puppen. Tankred Dorsts bislang unveröffentlichtes Drehbuch „Eine Mordgeschichte“ aus dem Jahr 1988 erzählt von einer schaurigen Kleinstadt und ihren Menschen. Alles wirkt dort sehr konventionell und überschaubar, wäre da nicht der ICE, der wie eine lauernde silberne Schlange auf Sarah-Katharina Karls Bühne die Modelleisenbahnstadt unablässig umkreist. Bernhard Glocksin, Leiter der Neuköllner Oper und enger Freund Tankred Dorsts, hat sich mit der Adaption des Drehbuchs zwei Jahre nach dem Tod des Dramatikers einen Wunsch erfüllt. Eines Tages, schreibt er im Programmheft, habe Dorst ihm dieses Manuskript in die Hände gedrückt. „Hat mir der Jürgen Jürges vorbeigebracht“, habe Dorst gemurmelt. Jürges, der derzeit als Kameramann von Ilya Krzhyanowskys Mammutprojekt „DAU“ wieder im...

Neuköllner Oper: „Elfie“ (UA) von W. Böhmer und M. G. Berger nach „Eine Mordgeschichte“ von Tankred Dorst in Mitarbeit von Ursula Ehler. Regie Martin G. Berger, Ausstattung Sarah-Katharina Karl

Berlin: In den dunklen Häusern liegen Leichen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Zwischen Illusion und Ideologie

Der Kultur-Kahlschlag droht

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

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Auftritt

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Kulturkürzungen

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Das Ding aus dem Sumpf

Die Neuköllner Oper ist ein freies Theater im Berliner Ortsteil Neukölln.

Die Neuköllner Oper ist ein freies Theater im Berliner Ortsteil Neukölln.

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Musiktheater im Kiez über den Kiez – Die Neuköllner Oper.

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
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Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.
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Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Shenja Lacher und das Ensemble-Netzwerk über die Zustände am Stadttheater

Glanz und Elend

Der Regisseur und Musiker Thom Luz

Song of Smoke

Die künstlerische Arbeit am Theater ist unmittelbar kooperativ und immer auch Arbeit an ihrer eigenen Form. Theatermacher:innen in der Weimarer Republik haben dies voraussetzend versucht, im mitlaufenden Verweis auf ihr Tun eine bessere, nicht kapitalistische Gesellschaft real und imaginativ vorwegzunehmen. Wieso endete dieser Versuch in einem Lob der großen Produktion statt in einer Befreiung von ihr? Oder in einer naiven Verwendung rassistischer Stereotypen? Tropen des Kollektiven beantwortet diese Fragen, indem es ein solches Scheitern von Utopie am Beispiel des Epischen Theaters – der Piscator-Bühne, der Truppe 31, der Versuche-Gruppe, zu der Bertolt Brecht gehörte – nachvollzieht. Weil das Buch nach dem Verwertungsregime künstlerischer Arbeit schlechthin fragt, gelten die Antworten, die es gibt, nicht nur für die Theater-Avantgarde.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/rothe-briefing">Briefing</a>
 
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Horizonte der Emanzipation im Epischen Theater

Tropen des Kollektiven

Chemnitz – Kulturhauptstadt Europas. Was man dort als Programm geplant hat, entsteht vor allem aus der Stadt selbst heraus. Ein ganzes Jahr lang andauerndes Experiment für eine traditionell auf magne­tische Internationalität angewiesene Großveranstaltung. Programmgeschäftsführer Stefan Schmidtke, selbst im nahen Döbeln aufgewachsen, erklärt die Philo­sophie hinter Chemnitz 2025. Wie sie konkret aussieht, kann man im Kunstinsert „#3000Garagen“ erfahren, für das übrigens Eiskunstlaufweltstar Katarina Witt das Nummernschild ihres ersten ­Autos beisteuerte: TKW 1-11. T war damals das Kennzeichen für Karl-Marx-Stadt, der Rest erklärt sich von selbst.
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Kulturhauptstadt Chemnitz

Radikal anders

Das Theater und die AfD

Umkämpfte Vielfalt

Der Wahlberliner Gottfried Pilz (*1944 in Salzburg, +2024 in Berlin) zählte zu den renommiertesten Bühnen- und Kostümbildnern des Musiktheaters. Seine feinsinnigen, beeindruckenden Arbeiten entwickelte er durch das intensive Studium von Libretto und Partitur – im Lauf der Jahre mit einer zunehmend abstrakten und minimalistischen Bildsprache. Pilz arbeitete unter anderem mit den Regisseuren John Dew, Götz Friedrich, Günter Krämer, Stefan Herheim und George Tabori zusammen. In der reich bebilderten Publikation sind großformatige Fotografien, Zeichnungen, Figurinen und Bühnenbildmodelle zu sehen. Es ist ein konzentrierter Ausschnitt mit 15 Projekten aus 50 Schaffensjahren einschließlich Regiearbeiten. Besonderer Bestandteil der Ausgabe sind die Camera-obscura-Aufnahmen der Fotografin Karen Stuke. Sie fotografierte viele Jahre die Opernaufführungen von Gottfried Pilz. Das Buch enthält eine Kurzbiografie, ein umfassendes Werkverzeichnis sowie ein sorgfältig recherchiertes Register.
Mit Textbeiträgen von Jochen Diederichs, Gottfried Pilz, Bärbel Reißmann, Kerstin Schröder und Karen Stuke 
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Bühne Kostüm Regie

Gottfried Pilz

Die Nebenfigur ist keine Nebensache, aber das bedeutet nicht, sie zur heimlichen Hauptfigur zu erklären. Stattdessen gilt das Interesse dieses Bandes der Frage, welche Funktionen Nebenfiguren innerhalb einer Handlung, einer Partitur, eines Tableaus oder einer Szenografie einnehmen und wie die Wahrnehmung des Auftrittskontexts durch ihre Anwesenheit beeinflusst wird.
Nebenfiguren werden innerhalb von Konstellationen etabliert und ihrerseits eingesetzt, um Konstellation zu modellieren: als Respondierende oder Kommentierende, als Instanzen der Intervention und immer wieder als Instanzen des Blicks. Sie konstituieren sich relational, sekundär und als Effekt einer Betrachtung, die nicht auf solitäre Akteure, sondern auf eine je spezifische repräsentationale Ordnung gerichtet ist, an der Nebenfiguren durch ihre Auftritte Anteil haben.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/nebenfiguren-briefing">Briefing</a>
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Nebenfiguren

Neuerscheinungen im Verlag