Stück Labor 2024/25

Der Clown in uns

Wach auf, Dornröschen!

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Montag, 09. Februar 2026

Staatstheater Mainz: Erkenntnis schadet nie

Was macht die Regie? Verzweifeln? 

In einem beispiellosen Verfahren versucht der Berliner Senat aus CDU und SPD, den Landeshaushalt zu konsolidieren. Die im April 2023 angetretene Regierung hat für den Zeitraum 2019 bis 2024 ein strukturelles Defizit von 5 Mrd. Euro ausgemacht, das durch Ausgabenkürzungen von 3 Mrd. im Jahre 2025 und von weiteren 2 Mrd. im Jahre 2026 ausgeglichen werden soll. Anfang Dezember 2024 steht immer noch nicht fest, mit welchen konkreten Budgetreduzierungen im Kulturhaushalt 2025 die Kultureinrichtungen und Förderbereiche ab 1. Januar umzugehen haben. Dabei hatte derselbe Senat durch Nutzung von Sonderprogrammen – in der Tradition der Vorgängerregierungen – den Berliner Kulturetat auf den Rekordwert von 1,1 Mrd. Euro gesteigert. Im Januar 2024 habe Finanzsenator Stefan Evers (CDU) die Fachressorts um Kürzungsbeiträge, darunter den Kultursenator um 200 Mio. Euro gebeten, woraufhin Kultursenator Joe Chialo (CDU) in der Öffentlichkeit unbekannte Kürzungsvorschläge von 10 Prozent, d. h. 110 Mio. Euro, eingereicht haben soll. Erst im September 2024 gab es dann eine Begegnung der beiden Senatoren mit Vertreter:innen der Kultureinrichtungen im Humboldt-Forum, bei der Evers die finanzpolitische „Zeitenwende“ erläutert haben soll. Offenbar wurde also die Zeit zwischen Januar und September vertrödelt, in der man mit den Kultureinrichtungen die finanzielle Lage hätte besprechen oder gar ein kulturpolitisches...

Fehlende gegenseitige Abstimmung der Senatoren brachte die Berliner Kürzungspolitik von Joe Chialo von Anfang an auf Schlingerkurs

Berliner Chaos-Tage

Mehr als die Miete

Türen auf für alle!

Schlosstheater Moers: Einsamkeit ist keine Metapher

Bühnen voller Männer

Von Kunqu-Oper bis Drohnenfeuerwerk

Aesthetics of Access

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Sicherheit und trotzdem Sorgen

Landestheater Tübingen: Kampf um die sterbende Demokratie

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Theater Marie: Zwischen Verantwortung, Schein und Sein

Die Abwertung von Care-Themen ist misogyn

Nichts aufgeben

Leipzig: Magdeburger Leitungsteam übernimmt Schauspiel Leipzig Das bisherige <a href="https://tdz.de/spielort/814d1e69-a0be-4d72-bdb4-60b05e4e195f">Magdeburger Schauspiel-</a>Leitungsteam <a href="https://tdz.de/person/916909fd-97c1-49cd-984a-84e66932e508">Clara Weyde</a>, Bastian Lomsché und Clemens Leander übernimmt ab der Spielzeit 2027/2028 die Intendanz des <a href="https://tdz.de/spielort/d01607b3-0222-4efe-927a-f2c843665994">Schauspiel Leipzig</a>, wie das Kulturamt der Stadt Leipzig mitteilte. Das Dreierteam folgt auf <a href="https://tdz.de/person/171c5eef-5271-4f1d-97fd-2054e57513b2">Enrico Lübbe</a>, der das Haus seit 2013 leitet und dessen Vertrag 2027 ausläuft. Weyde, Lomsché und Leander sollen gleichberechtigt als Intendanten und Betriebsleiter auftreten und neben der Leitung des Hauses auch Aufgaben in Regie, Dramaturgie, Studioleitung und Kostümbild übernehmen. Für den Amtsantritt des Trios muss die Satzung des Eigenbetriebs angepasst werden; nach Angaben der Stadt ist eine Neufassung im März geplant, die Berufung soll voraussichtlich im April vom Stadtrat bestätigt werden. Sie haben das Theater Magdeburg unter ihrer Leitung zu großem Erfolg geführt – unter anderem wurde das Haus unter ihrer Leitung mit der Einladung von „Blutbuch“ zum Berliner Theatertreffen und dem <a href="https://tdz.de/artikel/d20353d7-43df-461b-9787-adb005343bca">Martin-Linzer-Theaterpreis 2025</a> ausgezeichnet. Berlin: James Gaffigan verlängert als GMD der Komischen Oper bis 2030 Berlin. Der Generalmusikdirektor der <a href="https://tdz.de/spielort/845bc1c7-795a-4d32-bd59-cb030c2423f6">Komischen Oper Berlin</a>, James Gaffigan, hat seinen Vertrag um drei Jahre bis 2030 verlängert. Das teilt das Haus mit. Der 1979 in New York City geborene Dirigent, der am New England Conservatory of Music und an der...

Leitungsteam des Theater Magdeburg übernimmt Intendanz am Schauspiel Leipzig ++ James Gaffigan verlängert als GMD der Komischen Oper bis 2030 ++ Heinrich-Mann-Preis für Mithu M. Sanyal

Freitag, 30. Januar 2026

Mittwoch, 18. Februar 2026

Donnerstag, 29. Januar 2026

Donnerstag, 12. Februar 2026

„Man kann die Demokratie auch aus Faulheit verlieren“

Mainfranken Theater Würzburg: Vereint in Einsamkeit

Tanz ist einfach überall

Schauspiel Leipzig: All Too Well (80 Minute Theatre Version)

Zeichnungen halten das Gefühl besser fest

Was macht das Theater, Fee Aviv Dubois?

Kassandras Hoffnung

Klavier im Fluss

Nationaltheater Mannheim: Gefangen in den Illusionen der KI 

Was macht das Theater, Guido Lambrecht?

Freitag, 27. Februar 2026

Am Anfang von Axel Ranischs „Saul“-Inszenierung stand ein schwarz-weiß flimmerndes Filmchen, das mit verschwörerisch flüsternder Stimme aus dem Alten Testament von dem Krieg gegen die Philister (den Erzfeinden Israels und Vorfahren der heutigen Palästinenser) berichtet; und einem schmächtigen israelitischen Hirtenjungen namens David, der den Philister und Hünen Goliath mit einer Stein-Schleuder ein Loch in den Kopf schießt und ihn damit erledigt. Am Ende der „Saul“-Inszenierung erklang Herbert Howells Lied „King David“ von 1919 im seicht sentimentalem Orchester-Arrangement von Iain Farrington, zum Besten gegeben vom David-Darsteller Countertenor Aryeh Nussbaum Cohen. „And he called for the music of a hundred harps, To ease his melancholy“, heißt es dort. „They played till they all fell silent, Played and play sweet did they; But the sorrow that haunted the heart of King David They could not charm away“. Zwischen Video und Song wurde das eigentliche Oratorium Händels gespielt mit alledem, was man an seiner Musik schätzt: den großformatigen, kontrapunktisch imposanten Chören, den affektgeladenen Arien und Duetten und der prächtigen Orchester-Instrumentierung, die bei „Saul“ regelrecht ausgefallen ist. „Mr Händels Kopf“ war laut seinem Librettisten Charles Jennens bei der Komposition 1736 schließlich „noch voller von fixen Ideen als ohnehin schon“. Händels drittes (italienischsprachiges) Opera seria-Unternehmen stand...

„Saul“ von Georg Friedrich Händel – Inszenierung Axel Ranisch, Musikalische Leitung David Bates, Bühnenbild Falko Herold, Kostüme Alfred Mayerhofer

Komische Oper Berlin: Alki Saul

Mittwoch, 04. Februar 2026

Working Class Heroes vorm Bullseye

Erzgebirgischen Theater- und Orchester Annaberg-Buchholz: Für eine Handvoll Mark (DDR)

Licht im Herzen der Finsternis

Dienstag, 03. März 2026

DGS auf der Bühne?!

Theater als hörender Ort

Für die gekürzte, geliebte Neue Dramatik 

Zimmertheater Tübingen: Zukunftsängste in der Geisterbahn

Zwischen Offenheit und Angst ums nächste Engagement

Das Ende des „Safe Space“

Theater Bielefeld: Helden sind Monster

Der Faktor Zufall – Performances fernab von der Bühne

Rauf auf große Bühnen!

„Rasenmäherpolitik“ bedroht Kultur und Gesellschaft in Baden-Württemberg

Schritt für Schritt

Viel los in Berlin Ende Januar 2024 an den Opernhäusern. Kannibalismus und Ehekrieg an der Deutschen Oper und nur ein paar Hausnummer weiter geht’s auf der Bismarckstrasse im Schillertheater mit Rimski-Korsakows letzter Oper „Der Goldene Hahn“ von 1907 nach Alexander Puschkins Märchen schaurig zu. Eine „unglaubliche Geschichte“ fand Nikolai Rimski-Korsakow, alles andere als treuherzig oder zu Herzen gehend mit Anleihen an William Shakespeares „KingLear“. Im Zentrum ein heruntergekommener und aus dem Leim gegangener trotteliger und tollpatschiger Herrscher. König Dodon. Brutal hält er an seiner Macht fest und ist gleichzeitig von Ängsten und Sehnsüchten getrieben. Um sich gegen Angriffe zu wappnen, kauft er einem Astrologen einen goldenen Hahn ab, der auf einem Baum sitzt und darüber wacht, dass keine fremde Truppen sich der Grenze nähern. Der Preis für das Tier bleibt vorerst offen. Dodon hat zwei Söhne, die allerdings im Kampf um die schöne Königin von Schemacha getötet wurden. Erst später wird er erfahren, dass sie sich aus Eifersucht gegenseitig umgebracht haben. Nun will Königin von Schemacha auch Dodon verführen, auf dass er ihr sein Land überlasse. Der alte Astrologe weiss nun, was er von Dodon für den goldenen Hahn haben möchte: die Königin von Schemacha. Die lässt Dodon sich natürlich...

„Der goldene Hahn“ von Nikolai Rimski-Korsakow – Musikalische Leitung James Gaffigan, Inszenierung Barrie Kosky, Bühnenbild Rufus Didwiszus, Kostüme Victoria Behr, Choreografie Otto Pichler

Komische Oper Berlin: Der enttarnte König

Montag, 23. Februar 2026

Dienstag, 10. Februar 2026

Theaterfamilie versus Familie

Freitag, 20. Februar 2026

Die Perspektive wechseln

Der Messingkauf im Curazän

„Aber da ist doch dieser tolle Vogelmann mit den Federn! Eine Königin, ein Prinz, der eine Prinzessin rettet, der Kampf mit der Schlange! Das darf man doch den Kindern nicht nehmen!“1 So klangen Kommentare einiger Eltern, die ich für die Vorüberlegungen zu diesem Text ganz polemisch fragte: Warum eigentlich immer Die Zauberflöte als Oper für Kinder? Bevor wir die gewagte These aufstellen, dass Die Zauberflöte im Grunde genommen keine Oper für Kinder ist und wir ihnen unbedacht eine der beliebtesten Opern ‚nehmen‘, schauen wir uns erstmal eine dieser zahlreichen Inszenierungen an, die große Bühnen bespielen und Grundschulkinder in Massen durch das Theater schleusen. Die Zauberflöte für Kinder in einer Bearbeitung von Patrick Lange und Carsten Kochan im großen Haus des Staatstheaters Wiesbaden beginnt mit einer partizipativen Schauspieleinlage. Eine Putzfrau fegt die Bühne und unterhält sich mit der Dirigentin. Beide wundern sich, wo eigentlich die Sänger*innen sind. Schnell wird klar: Unterstützung muss aus dem Publikum kommen. Gesucht werden zunächst drei Knaben. Es schießen die Finger in die Höhe, es kommt zu Missverständnissen, vier Kinder landen auf der Bühne, eines wird enttäuscht zurückgeschickt. Eine Königin wird gesucht, eine Prinzessin wird gefunden, die Besetzung hat sich unter das Publikum gemischt. Die Putzfrau...

Die Zauberflöte ist keine Oper für Kinder!?

Die energetische Kraft des Lachens

Die zweite Raumzeitmaterialisierung

Das tote Kind tanzt auf dem LED-Bildschirm

Wer setzt den perfekten Haken?

Eine Klasse für sich

Was macht das Theater, Martin Heckmanns?

Alle Neune für was Neues

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

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Stück Labor – Neue Schweizer Dramatik

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Komische Oper Berlin

Die Komische Oper Berlin ist ein Opernhaus in der Behrenstraße im Berliner Ortsteil Mitte des gleichnamigen Bezirks. Sie ist das kleinste der drei Berliner Opernhäuser und mit der Deutschen Oper, der Staatsoper Unter den Linden sowie dem Staatsballett Berlin und dem Bühnenservice Berlin Teil der Stiftung Oper in Berlin.

Recherchen 51 "Realistisches Musiktheater"

Penny Sofroniadou als Merab vor dem beeindruckenden David-Kopf in der Händel-Inszenierung „Saul“ an der Komischen Oper Berlin.

"Andreas Homoki"

Baustelle der Komischen Oper in Berlin

Der sich selbst lächerlich machende König: Dmitry Ulyanov als König Dodon in Barrie Koskys Inszenierung von „Der goldene Hahn“ an der Komischen Oper Berlin.

Das Märzheft 2026 von „Theater der Zeit“ widmet sich dem Schwerpunkt „Bühnenmütter und Mütternarrative“ und fragt, wie sich künstlerische Arbeit und Fürsorge heute vereinbaren lassen. Interviews, Essays und Erfahrungsberichte – unter anderem von Jorinde Dröse, Carola von Seckendorff, Elisabeth Köstner und zu den Arbeiten und u. a. Pina Bergemann – beleuchten strukturelle Hürden, Initiativen wie den Verein Bühnenmütter e. V. und das Projekt Culture.Care sowie aktuelle Mutter-Stoffe auf deutschsprachigen Bühnen.
Der Stückabdruck diesmal: Noam Brusilovskys „Fake Jews“, uraufgeführt am Deutschen Theater Berlin.
Außerdem: Berichte zur neuen Intendanz am Schauspiel Leipzig, zum  Festival Premières am Le Maillon in Straßbourg, ein Inszenierungsbericht von der „Möwe“ gleich zweimal in Norddeutschland sowie, wie immer: das Kunstinsert (diesmal zu den Stadtraum-Pionier:innen Angie Hiesl/Roland Kaiser) Kolumnen und Buchrezensionen.
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Bühnenmütter und Mütternarrative

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’ „Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Spielerische Übungen und künstlerische Experimente für Stimme und Sprechen
94 große Karten und Begleitheft
Ein Kartenset für alle, die Lust haben, gemeinsam die eigene Stimme zu erkunden. 94 Karten in fünf Bereichen laden zu einem spielerischen und vielfältigen Umgang mit Stimme im Theater ein. Übungen, Spiele, Experimente und Wissenskarten fördern künstlerisches Ausprobieren und bewusstes Wahrnehmen. Dafür kommen Perspektiven aus der Stimm- und Sprechbildung, der Theaterpädagogik sowie den Künsten zusammen. Für mutige Stimmen in Theater und Performance, in Bildung, Schule und im Alltag. 
38 Karten üben + wahrnehmen – geben Übungen zu allen Aspekten der Sprechstimme an die Hand – zusammen oder allein.
28 Karten spielen + experimentieren – sind von künstlerischen Beispielen inspiriert und laden ein, gemeinsam Theater und Performancekunst zu machen.
11 Karten Wissen – vermitteln Grundlagenwissen zur Stimme und räumen mit Missverständnissen auf.
6 Karten Material – stellen Gestaltungsmittel und nützliche Begriffe zur Verfügung.
3 Karten Formen – ergänzen eure künstlerischen Experimente.
8 Karten Miteinander – unterstützen eure Zusammenarbeit und regen zum Austausch an.
Konzipiert und geschrieben von Marit Fiedler, Caroline Intrup, Isabelle Zinsmaier, Matthias Dreyer.
Entstanden im Projekt „Fokus Stimme“, Studiengang Lehramt Theater, Hochschule für Musik und Theater Rostock mit freundlicher Unterstützung durch die Stiftung Innovation in der Hochschullehre.
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PSST! Mit Stimme Theater machen

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
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Theater in der Ukraine

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Im Jahr 2025 feiert das Rheinische Landestheater sein einhundertjähriges Bestehen – und 25 Jahre den festen Ort mit bespielten Bühnen in der Oberstraße. Gemeinsam mit verschiedenen Wegbegleiter:innen und (Theater-)Expert:innen blickt das Haus auf ein Jahrhundert Theater in Neuss, Nordrhein-Westfalen und entfernteren Orten zurück; die Doppelfunktion als Haus mit einem festen Ensemble in einer rheinischen Großstadt, das zusätzlich als Landestheater mit seinem Programm (auch über die Landesgrenzen Nordrhein-Westfalens hinaus) Kultur in die Fläche und Orte ohne eigene Theaterbetriebe bringt, ist als spannende Institution eine nähere Betrachtung wert. Gleichzeitig bietet das Jubiläum bei aller Nostalgie auch genügend Anlass, um zusammen so manchen Ausblick in die Zukunft zu werfen – voller Vorfreude auf Alles, was kommt!
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Ein Jahrhundert Rheinisches Landestheater Neuss

Blick zurück nach vorn

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

Wie dicht vermag Oper an Wirklichkeit heranzukommen? Kann, muss Oper Wirklichkeit behaupten? Oder hat sie vielmehr ihre eigene Wirklichkeit zu erfinden? Kaum eine Bewegung im 20. Jahrhundert hat zu diesen bis heute virulenten Fragen so entschieden Stellung bezogen wie das so genannte »realistische Musiktheater«, mit dessen Geschichte und Gegenwart sich der vorliegende Band befasst. Im Mittelpunkt stehen dabei die Arbeit Walter Felsensteins, Gründer und langjähriger Intendant der Komischen Oper Berlin, und die Auswirkungen seiner Ideen auf nachfolgende Generationen.

Walter Felsenstein: Geschichte, Erben, Gegenpositionen

Realistisches Musiktheater

Wie Einsparungen Theater bedrohen

Die Kürzungskatastrophe

Andreas Homoki hat als Regisseur und Intendant an der Komischen Oper Berlin konsequent das Projekt eines Musiktheaters als sinnliche, existenzielle Erfahrung verfolgt. Er hat einen Kreis von herausragenden Regisseuren um sich geschart, die ein breites Spektrum theatralischer Möglichkeiten absteckten, ohne den programmatischen Fokus der Komischen Oper aus dem Blick zu verlieren, und erstrangige Dirigenten verpflichtet, die dem Orchester Raum zur Entfaltung gaben und exzellenten musikalischen Standard sicherten.
Dieses Buch blickt zurück auf zehn produktive und lebendige Jahre. Es zeigt die Inszenierungen von Andreas Homoki und die seiner wichtigsten Gastregisseure - Sebastian Baumgarten, Calixto Bieito, Willy Decker, Peter Konwitschny, Barrie Kosky und Hans Neuenfels. Namhafte Autoren porträtieren die Dirigenten und das Ensemble und bestimmen die prägende Kraft der Komischen Oper Berlin für ein Musiktheater der Gegenwart.
Mit Beiträgen von Sir Peter Jonas, Thomas Flierl, Andreas Homoki, Jürgen Otten, Peter Konwitschny, Willy Decker, Calixto Bieito, Hans Neuenfels, Sebastian Baumgarten, Barrie Kosky, Malte Krasting, Alban Nikolai Herbst und Claus Spahn.

Ein Jahrzehnt Musiktheater an der Komischen Oper Berlin

Andreas Homoki

„Ist’s vorüber, lacht man drüber“ – Ute Nyssens Verlegergeschichte eröffnet faszinierende Einblicke in die geistigen Grundlagen heutiger Theaterprogramme und beleuchtet das Schicksal neuer Bühnenstücke. Die Autorin schildert den Weg einer kleinen, aber engagierten Gemeinschaft von Bühnenverleger:innen, die diese Werke entdecken und in der deutschsprachigen Theaterwelt fördern.
Nach einer prägenden Zeit in einem Buchverlag entschied sich Ute Nyssen endgültig für den Beruf der Bühnenverlegerin. Gemeinsam mit ihrem Lebenspartner, dem Verlagslektor Jürgen Bansemer (1933–2006), verwirklichte sie 1981 ihren Traum von Selbstständigkeit und gründete den Ute Nyssen &amp; J. Bansemer Theaterverlag. Der Verlag etablierte sich rasch als bedeutender Akteur in der deutschsprachigen Theaterlandschaft.
Mit großer Authentizität und Leidenschaft erzählt Nyssen von ihrer Liebe zu Literatur, Sprache und Theater, von der Entdeckung und Förderung herausragender Dramatiker:innen wie Elfriede Jelinek, Tankred Dorst, Thomas Jonigk und Heinar Kipphardt. Ebenso schildert sie die Herausforderungen im Umgang mit Autorenrechten, Übersetzungen und Bühnenproduktionen sowie die besonderen Anforderungen, die sich aus der Arbeit als Medienagentur seit den späten 1980er-Jahren ergaben.
Ute Nyssen möchte mit ihrer Verlegergeschichte den Geist und die Aufbruchsstimmung der 1968er Jahre weitertragen und die heutige Generation zu Mut, Kreativität und unternehmerischem Denken inspirieren. Dieses Buch ist ein unverzichtbarer Begleiter für alle Theater- und Literaturbegeisterten, die tiefere Einblicke in die Mechanismen des deutschsprachigen Sprechtheaters gewinnen möchten.
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Ist’s vorüber, lacht man drüber

Das Novemberheft bündelt unter dem Schwerpunkt „Freiheit und Grenzen der Körperlichkeit“ aktuelle Diskurse zu Intimitätskoordination, Body Positivity und Crip Choreography. Essays, Interviews und Porträts (u. a. Magz Barrawasser, Katharina Bill, Michael Turinsky, Herbert Fritsch) untersuchen den darstellenden Körper zwischen künstlerischer Freiheit, Arbeitsrealität und neuen Sensibilitäten.
Ein Kunstinsert widmet sich der Präsenz William Kentridges in Deutschland. Mit „Theater und Sport“ startet eine neue Serie zu Körperoptimierung und Performance.
Im Magazinteil: ein Bericht über das neue Schiller-Theater in Rudolstadt sowie eine Kolumne von Terézia Mora über Vereinbarkeit und Prekarität. Dazu: Berichte vom Teamneustart in Weimar, über die politisierte Theaterszene Serbiens und zum Kulturfest zeit:fluss in Sils Maria. Dieses Mal im Stückabdruck: Leo Meiers „auf der suche nach dem verlorenen bagger“.
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Kunstinsert William Kentridge

Freiheit und Grenzen der Körperlichkeit