Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Mittwoch, 24. Juni 2026

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Landkulturperle im Odenwald

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Ohne Not und Sachverstand

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

Bringt euch in Gefahr!

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Freitag, 19. Juni 2026

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Diversität als Festivaldramaturgie

Vielfalt ohne Versprechen

Der Wald, der nicht vergisst

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Let’s burn down the patriarchy

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

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"An der Erde hängt der Mensch und an ihm der Himmel"

Recherchen 76 "Trust"

Theater der Zeit Heft 03/2009

Recherchen 68 "Ungerufen"

"Beatrice Knop"

Recherchen 162 "WAR SCHÖN. KANN WEG …"

IXYPSILONZETT "IXYPSILONZETT 02/2009"

Recherchen 150 "Wenn keiner singt, ist es still"

"Wanda Golonka"

"Shoko Nakamura & Wieslaw Dudek"

"Tanz Land NRW"

"Vladimir Malakhov und das Staatsballett Berlin"

Arbeitsbuch 14 "tanz.de"

"Rudolf Nurejew"

"das tanzhaus nrw"

Als Choreografin hat sich die gebürtige Französin Wanda Golonka auf ungewöhnliche Wege begeben. Ausgebildet bei Rosella Hightower und an der Folkwang Schule, tanzte sie bei Pina Bausch und gründete die Gruppe Neuer Tanz. Sie war „artist in residence" am Marstall München und von 2001 bis 2009 Hausregisseurin am schauspielfrankfurt.
„Wanda Golonka - Tanz Ensemble Modell" dokumentiert und reflektiert die eigenwillige Arbeit der Choreografin am schauspielfrankfurt. Ihr Umgang mit dem Ensemble und der Architektur des Hauses ist einmalig im deutschen Stadt- und Staatstheater. Ihre Einlassung auf dieses gesamte System hat dem Ensemblebegriff eine umfassende Bedeutung gegeben.
Die Beiträge von Jean-Luc Nancy, Bernhard Waldenfels, Werner Hamacher, Nikolaus Müller-Schöll, Jean Jourdheuil u. a. beleuchten die wesentlichen Punkte dieses künstlerischen Unternehmens.

Tanz Ensemble Modell

Wanda Golonka

Dinu Tamazlacaru gehört zu den Stars der internationalen Ballettwelt. Geboren und ausgebildet in Moldawien, dann am Wiener Konservatorium, gewann er 2002 den renommierten Prix de Lausanne und wurde mit 18 Jahren an der Staatsoper Unter den Linden engagiert. Zwei Jahre später holte ihn Vladimir Malakhov ans fusionierte Staatsballett Berlin, wo Dinu Tamazlacaru 2012 Erster Solotänzer wurde. Er brillierte u. a. als Prinz Siegfried in „Schwanensee“, als Lenski in „Onegin“ oder als Romeo in „Romeo und Julia“. Die Präzision und Poesie seines Tanzes überzeugen nicht nur Abend für Abend Berliner Publikum, sondern begeistern auch das internationale Publikum auf zahlreichen Gastspielen und Galas.
 „Für mich war es genau so richtig, wie es gekommen ist. Natürlich könnte das schneller gehen, vielleicht gleich jedes Jahr ein Avancement. Aber so geht man durch alle Stationen und kann sich immer wieder von Neuem beweisen. Ich habe zum Beispiel in ,Schwanensee‘ alle Gruppenszenen getanzt, wie den Walzer, die Mazurka, dann die Tarantella als Demi-Solist, später als Solist Benno und zuletzt als Erster Solist den Prinz. So hat man langsam alles erreicht. Ich bin wirklich sehr glücklich, wie das bei mir gelaufen ist.“ – Dinu Tamazlacaru
 
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Dinu Tamazlacaru

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Zeitgenössischer Tanz in Deutschland – Strukturen im Wandel – eine neue Wissenschaft

tanz.de

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Die erste große Gesamtschau
Vier Jahrzehnte Tanz, über 50 Produktionen
Aufwendige Gestaltung im Großformat mit über 100 Abbildungen
„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Mit seinen zahlreichen Tanzkompanien, Produktionsstätten, Ausbildungsinstitutionen und einer experimentierfreudigen zeitgenössischen Tanzszene gehört Nordrhein-Westfalen zu den Zentren der Tanzkultur in Deutschland. Tanz hat hier eine bedeutende Geschichte, und bei aller Ausrichtung auf die Gegenwart und Zukunft ist seine Tradition stets präsent. Heute arbeiten mehr als 100 Ensembles und Choreografen in NRW. Namen wie Pina Bausch, Martin Schläpfer, VA Wölfl und Raimund Hoghe strahlen aus in die ganze Welt.
Die Publikation widmet sich Künstlern, Tanzschaffenden und Tanzvermittlern in NRW. Sie zeigt aktuelle Produktions- und Förderstrukturen auf, skizziert Netzwerke im nationalen und internationalen Kontext, wirft einen Blick auf die wegweisenden Projekte der Tanzvermittlung, begibt sich auf die Spuren der Vergangenheit, die in die Zukunft führen, und lässt die „Macher“ zu Wort kommen.

Positionen zeitgenössischen Tanzes in Nordrhein-Westfalen/Positions on Contemporary Dance in North Rhine-Westphalia

Tanz Land NRW

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Falk Richter zählt zu den erfolgreichsten deutschen Dramatikern und Theaterregisseuren. In seinen hochaktuellen Stücken legt er die Nerven der Gegenwart bloß, zerlegt Sprechweisen aus Wirtschaft, Politik und Gesellschaft, seziert und arrangiert Handlungsstränge und Figurenskizzen, um daraus fantastische, musikalisch verdichtete Sprachschleifen zu entwickeln.
„Trust", sein jüngstes Projekt, das er gemeinsam mit der Choreographin und Tänzerin Anouk van Dijk im Oktober 2009 an der Berliner Schaubühne zur umjubelten Uraufführung brachte, fragt nach dem Verhältnis von System und Vertrauen, nach den Mechanismen und Verflechtungen von Finanz- und privaten Beziehungssystemen vor dem Hintergrund gegenwärtiger Krisen und einer radikalen Individualisierung des modernen Menschen. Das Buch versammelt die Textmaterialien zu „Trust" und gibt in begleitenden Essays einen einmaligen Einblick in die besondere Arbeitsweise Falk Richters.

Trust

Die Tänzerin Beatrice Knop gehört zur Weltspitze der internationalen Ballettszene. Es gibt kaum eine Hauptrolle im klassischen und modernen Ballett, die sie in ihrer langen Karriere noch nicht getanzt hat.
Geboren in Ostberlin und ausgebildet an der Staatlichen Ballettschule Berlin, gewann sie 1989 den Prix de Lausanne in Tokio. Internationale Gastauftritte führten sie u. a. nach Australien, China, Frankreich, Japan und Kanada. Seit 1998 ist sie Erste Solotänzerin in Berlin – zunächst an der Staatsoper Unter den Linden und seit 2004 am Staatsballett Berlin. Zu ihren Tanzpartnern gehören Roberto Bolle, Dmitrij Semionov, Vladimir Malakhov, Oliver Matz, Jaš Otrin, Ronald Savkovic, Artem Shpilevsky.
Nun beendet Beatrice Knop im Frühjahr 2016 ihre Karriere als Primaballerina. Das Buch „Beatrice Knop – Die letzte deutsche Primaballerina“ spürt dem Antrieb ihrer einzigartigen Tänzerlaufbahn nach. Es besteht aus einem ausführlichen Gespräch mit Jan Stanislaw Witkiewicz, welches sie exklusiv für dieses Buch geführt haben. Zahlreiche, teils farbige Abbildungen stammen aus dem Privatarchiv der Künstlerin und werden hier erstmals veröffentlicht.

Die letzte deutsche Primaballerina

Beatrice Knop

Was als eine Künstler- und Bürgerinitiative in einer Industriebrache der siebziger Jahre entstand, sich als „Die Werkstatt e.V." unter der Leitung von Bertram Müller strukturell etablierte und zu einem Zentrum für die kulturelle Vielfalt des Tanzes wurde, ist Ende der neunziger Jahre als das Tanzhaus NRW zu einem internationalen Modell der Vermittlung von Tanz als Bühnenkunst und Lebensform geworden.
Entstanden in einem kulturellen Klima des gesellschaftlichen Aufbruchs, beeinflusst von der künstlerischen Kraft einer Pina Bausch und eines Joseph Beuys, steht das Tanzhaus NRW für einen Kulturbegriff der kreativen Partizipation, der künstlerischen Vielfalt und Offenheit, der internationalen Vernetzung und der kulturellen Vermittlung.
Die erste umfassende Publikation zum internationalen Modellprojekt Tanzhaus NRW dokumentiert dessen offenen Kunst- und Kulturbegriff vom Modern Dance bis zum Hip Hop, vom Afrikanischen Tanz bis zum modernen Flamenco, vom Kindertanz bis zur Masterclass, von den Laienaufführungen bis zur Präsentation der internationalen Koproduktionen oder Gastspiele. Mit 180000 Besuchern und fast 200 Aufführungen im Jahr, 260 Kursen pro Woche und zweieinhalb Millionen Einnahmen bei vier Millionen Gesamtumsatz ist das Tanzhaus NRW künstlerisch, kulturpolitisch, aber auch finanziell und strukturell zu einem beispielhaften Modell für die Zukunft geworden.

Von der Utopie zum Modell für die Zukunft

das tanzhaus nrw

Die Theaterkompanie Nico and the Navigators sind in den vergangenen anderthalb Jahrzehnten einen aufregenden und unaufhaltsamen Weg gegangen, auf dem sie sich von einer freien Gruppe zum begehrten Partner für große Häuser und internationale Festivals entwickelt haben. Von intimen Inszenierungen, die sich vor allem aus der Biografie der Mitwirkenden und dem skurrilen Blick auf alltägliche Situationen speisten, führte die Reise hin zu bildstarken Musiktheater-Abenden im Geiste von Schubert und Händel, Rossini und Mahler.
„An der Erde hängt der Mensch und an ihm der Himmel" zeichnet die ebenso verschlungene wie zielstrebige Entwicklung der radikalen Ganzkörperpoeten um Nicola Hümpel und Oliver Proske nach. Prominente Begleiter und Beobachter fragen in ihren Texten nach Stationen der Entwicklung, aber auch nach der Arbeitsmethode und nach dem Einfluss der Bühnenräume, nach der Zusammenarbeit mit wechselnden Partnern und den veränderten Produktionsbedingungen - ein opulent bebildertes Fahrtenbuch, das zugleich den Blick in die Zukunft öffnen soll.

Nico and the Navigators

An der Erde hängt der Mensch und an ihm der Himmel

Jan Fabre und drei Autoren über Körper im zeitgenössichen Tanz

Krieger der Schönheit

Tanztheater für ein junges Publikum

„Wenn keiner singt, ist es still“, sagt Roma B. in Rainer Werner Fassbinders Stück „Der Müll, die Stadt und der Tod“. Raimund Hoghe zitiert diesen Satz in seinem Porträt einer Frankfurter Hausbesitzerin, die in den 1980er Jahren gegen den Bau von Europas höchstem Hochhaus in ihrer Nachbarschaft kämpfte. Die ihr von Banken angebotenen Abfindungen in Millionenhöhe schlug sie aus und sagte Nein zur Zerstörung ihres Viertels.
Der Satz von Roma B. könnte aber auch über anderen Texten stehen, die Raimund Hoghe für dieses Buch zusammengestellt hat. Sie erzählen von Menschen, die Haltung zeigen und den eigenen Weg gehen, z. B. der von den Nazis verfolgte Tenor Joseph Schmidt, die Autoren Pier Paolo Pasolini und Hervé Guibert, der Butoh-Tänzer Kazuo Ohno, Gret Palucca oder Pina Bausch, über die er zuerst schrieb und deren Dramaturg er dann in den achtziger Jahren war Und ob prominenter Künstler oder unbekannte Toilettenfrau in Wuppertal: immer geht es Raimund Hoghe um Würde und Respekt.
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Porträts, Rezensionen und andere Texte (1979 - 2019)

Wenn keiner singt, ist es still

Das Tänzerpaar Shoko Nakamura und Wieslaw Dudek gehört zur Spitze der internationalen Ballettszene. Es bedient sich einer traditionellen Bewegungssprache, die, präzise und hoch stilisiert, absolute Hingabe fordert. Die gebürtige Japanerin Shoko Nakamura kam nach Stationen am Stuttgarter Ballett und am Wiener Staatsopernballett an das Staatsballett Berlin unter Vladimir Malakhov, der sie 2007 zur Ersten Solotänzerin kürte. Auch Wieslaw Dudek, geboren im polnischen Ostrow Wielkopolski, wechselte nach ersten Engagements in Polen und am Stuttgarter Ballett an das Staatsballett Berlin, wo er von 2006 bis 2014 ebenfalls Erster Solotänzer war.
Neben den anspruchsvollen Repertoires, die Shoko Nakamura und Wieslaw Dudek unabhängig voneinander erarbeiten, beeindrucken sie immer wieder auch gemeinsam als Tänzerpaar, etwa als Odette / Odile und Prinz Siegfried in „Schwanensee“ am Staatsballett Berlin. Die Publikation „Shoko Nakamura &amp; Wieslaw Dudek“ beschäftigt sich mit Herkunft, Antrieb und künstlerischer Vision der beiden Körperartisten, die seit 2010 auch privat ein Paar sind – und es spürt der Frage nach, was hinter jener Perfektion steht, ohne die das klassische Ballett undenkbar wäre.
 
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Shoko Nakamura & Wieslaw Dudek

Die diesjährige VOICES Ausgabe Re-exploring the grotesque beschäftigt sich mit dem Begriff des Grotesken und legt ihn als Folie über den Zirkus. Die versammelten Texte fragen aus kulturtheoretischer, theater- und zirkuswissenschaftlicher, dekolonialer, queer-feministischer und künstlerischer Perspektive. Es sind Reflexionen darüber, was uns das Groteske in seiner Vielschichtigkeit und mit seinen Ambivalenzen heute in Bezug auf die Diversität von Körpern, Körperbildern und eben aktuelle Zirkus- und Tanzpraktiken sagen kann.
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Circus perspectives on diverse bodies (VOICES IV)

Re-exploring the grotesque

Pina Bausch, Merce Cunningham, Jürgen Gosch, Peter Zadek

Abschiede

Seit den neunziger Jahren haben die Themen Körper, Bewegung und Performance nicht nur die künstlerische Produktion im Tanz, im Theater, aber auch in der Bildenden Kunst und den Medien nachhaltig verändert. Sie haben auch die kulturwissenschaftlichen und historischen Diskurse geprägt. In ausgewählten Interviews und Essays reflektiert der Kunsthistoriker und Journalist Johannes Odenthal diese Entwicklung der letzten zwanzig Jahre. Die einzelnen Texte stehen in einem kulturpolitischen Zusammenhang, der sich in zwei Schlüsselthemen der letzten Jahrzehnte manifestiert. Erstens in einer Neubewertung des Körpers als Medium der Wissensproduktion und damit auch der Kunst. Und zweitens in dem radikalen Neudenken kultureller Identitäten durch Migration und Interkulturalität. Neben Interviews mit Heiner Müller, William Forsythe, Gerhard Bohner, Ismael Ivo, Koffi Kôkô oder Kazuo Ohno stehen Essays zum zeitgenössischen Tanz und zu aktuellen kulturpolitischen Themen.

Texte zur zeitgenössischen Tanzgeschichte

Tanz Körper Politik

Raimund Hoghe - Tänzer und Choreograph, Dramaturg und Philosoph, Homme de lettres und Connaisseur der Musik. Raimund Hoghe ist ein Künstler im umfassenden Sinne des Wortes. Davon legen seine Arbeiten, die er mittlerweile bei allen bedeutenden Festivals in ganz Europa, in Asien und Amerika und jüngst in Australien zeigt, beredt Zeugnis ab. Kritik und Publikum gleichermaßen feiern ihn und seine Werke.
In enger Zusammenarbeit mit Raimund Hoghe ist nun erstmals ein Buch entstanden, das ausgewählte Produktionen der vergangenen Jahrzehnte umfassend dokumentiert. Die Publikation vereint Fotografien und Filmstills, Skizzen aus Arbeitsbüchern, Textfragmente, die die Arbeit erläutern, und schließlich Porträts jener Künstlerinnen und Künstler, mit denen Hoghe seit Jahren eine enge Zusammenarbeit verbindet, wie Rosa Frank, Jacqueline Chambord, Luca Giacomo Schulte und andere.
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Raimund Hoghe

Wo ist der Ort, von dem aus wir über die Zukunft sprechen können, über die Zukunft von Tanz und Performance? „Ungerufen. Tanz und Performance der Zukunft" versammelt Bei träge von namhaften internationalen Künstlern, Theoretikern, Veranstaltern und Kritikern, die ihre Ideen zum Potenzial von zeitgenössischem Tanz und Performance in der Gesellschaft entwickeln. Gemeinsam ist ihnen die Gewissheit, dass die Bewegungen von Tanz und Performance gerade in ihrer Gegenläufigkeit und Widerspenstigkeit an der gesellschaftlichen Bewegung teilhaben.
Mit Beiträgen von: Ric Allsopp, Gabriele Brandstetter, Kelly Copper / Pavol Liska, Franz Anton Cramer, Bojana Cvejic´, Kattrin Deufert / Thomas Plischke, Julius Deutschbauer, Tim Etchells, Pichet Klunchun, Bojana Kunst, Jennifer Lacey, Rudi Laermans / Carine Meulders / Hans-Thies Lehmann, Helene Varopoulou, André Lepecki, Rabih Mroué, Nikolaus Müller-Schöll, Jean-Luc Nancy, Christine Peters, Helmut Ploebst, Amanda Piña / Daniel Zimmermann, Jan Ritsema, Martina Ruhsam, Gerald Siegmund, Mårten Spångberg, Peter Stamer, Katherina Zakravsky, Gesa Ziemer.
Die Beiträge erscheinen in deutscher und englischer Sprache.

Tanz und Performance der Zukunft

Ungerufen

Aufgrund der sich verändernden Altersstruktur unserer Gesellschaft verändert sich auch die Perspektive auf den Begriff „Alter“. Welchen Einfluss hat das Alter(n) auf die Darstellenden Künste? Welche Herausforderungen stellen sich den Künstlerinnen und Künstlern, egal ob sie am Anfang einer Karriere stehen oder etabliert sind? In welchem Verhältnis stehen Alter und Kunst zueinander? Wie wirkt sich das Alter eines Künstlers bzw. eines Werks auf die Akzeptanz im Kunstmarkt aus? Wie steht es um die sozioökonomische Realität und Alterssicherung? Welche strukturellen Hindernisse und Diskriminierungen gilt es zu überwinden und wie sehen generationengerechte Lösungen und Förderkonzepte aus? Aus Anlass des 25-jährigen Jubiläums ihres Projektes „x-mal Mensch Stuhl“, das den alten Menschen in der Gesellschaft ins Zentrum stellt, entwickelte das Künstlerduo Angie Hiesl + Roland Kaiser die Idee, sich mit diesen Fragen in einer Interviewreihe und einem Symposium diskursiv zu befassen. Dieser Band greift die Themen des Symposiums auf und führt sie mit weiteren Fachbeiträgen fort.
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Eröffnungsfilm zum Online-Symposium am 25.02.2021 Ausschnitte aus Interviews zum Thema 'Kunst und Alter' geführt von Angie Hiesl + Roland Kaiser 2020/21
 
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Mit freundlicher Unterstützung der Kunststiftung NRW.

Alter(n) in der Darstellenden Kunst

WAR SCHÖN. KANN WEG …

„Rudolf Nurejew“ erzählt die Geschichte des berühmtesten Balletttänzers der Welt. Geboren 1938 in Sibirien, er absolvierte noch mit 17 Jahren die renommierte Staatliche Choreografie-Schule Leningrad (heute: Waganowa-Ballettschule). Während einer Tournee 1961 in Paris beantragte er Asyl in Frankreich. Mit seinen Choreografien hat er viele klassische Ballettwerke wie „Nussknacker“, „Don Quijote“ und „Schwanensee“ wiederbelebt und in die Moderne fortgeschrieben. Er machte den männlichen Rollenpart gleichberechtigt zu dem der Ballerina und tanzte mit den berühmtesten Tänzerinnen des 20. Jahrhunderts. Rudolf Nurejew war bis zu seinem frühen Tod 1993 ein leidenschaftlicher Mensch und ist bis heute eine unvergleichliche Ikone des Balletttanzes.
„Was für eine Urkraft war Rudolf Nurejew, was für ein Ereignis. Er war und ist eigentlich bis heute ein Star. Er war besessen, besessen von Tanz, Theater. (…) Sein anspruchsvoller Arbeitsstil, der wie er selbst legendär war, wirkte sich auf die ganze Generation der Tänzerinnen und Tänzer aus, sowohl auf der Bühne als auch in seiner Intendantenzeit im Ballettensemble der Pariser Oper. Ich persönlich bewundere Rudolf Nurejew für seinen starken Charakter, Ausstrahlung und die enorme Energie.“ Aus dem Vorwort von Vladimir Malakhov
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Die Biographie

Rudolf Nurejew

Tanz für ein junges Publikum

Die größte Ballettcompagnie Deutschlands feiert Jubiläum und blickt zurück auf zehn glanzvolle Jahre voller Erfolge! Nach der Gründung des Staatsballetts Berlin aus den bis dahin voneinander unabhängigen Ballettkorps der drei Berliner Opernhäuser 2004 stieg die Compagnie unter der künstlerischen Leitung Vladimir Malakhovs schnell zu einem der wichtigsten und besten Ensembles der Welt auf.
Insbesondere im klassischen Repertoire, auf das Malakhov seit Beginn seiner Intendanz vor zehn Jahren den Fokus legt, brilliert das Staatsballett Berlin nicht nur auf den Opernbühnen der Hauptstadt, sondern auch bei frenetisch be - jubelten Gastspielen in aller Welt.
Zur Jubiläumsspielzeit 2013/2014, die gleichzeitig Vladimir Malakhovs letzte Saison als Intendant des Staatsballetts Berlin sein wird, erscheint ein opulenter Bildband mit zahlreichen Fotografien zu den vielen spektakulären Inszenierungen und Choreografien der letzten zehn Jahre sowie Gesprächen mit Vladimir Malakhov, seinen Tänzern und engen Mitarbeitern.

Vladimir Malakhov und das Staatsballett Berlin