Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Mittwoch, 24. Juni 2026

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Ohne Not und Sachverstand

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

Bringt euch in Gefahr!

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Freitag, 19. Juni 2026

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Diversität als Festivaldramaturgie

Vielfalt ohne Versprechen

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Let’s burn down the patriarchy

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

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Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

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Hasko Weber und sein Ensemble haben acht Jahre das Schauspiel Stuttgart geprägt. Acht Jahre, in denen sich die Stadt und das Land verändert haben. Das Schauspiel Stuttgart ist mit seinen thematischen Spielzeiten wie „Faust“, „Ulysses“, „Generation Hamlet“ und einem politisch engagierten Theater dicht am Puls der Zeit gewesen. 2006 wurde es zum „Theater des Jahres“ gewählt und sorgte seitdem immer wieder mit Projekten wie „Endstation Stammheim“, mit dokumentarischen und chorischen Theaterarbeiten sowie mit Uraufführungen und herausragenden Inszenierungen für Aufsehen und manchmal auch für Aufregung.
Das Buch lässt die acht Spielzeiten in Wort und Bild Revue passieren. Otto Paul Burkhardt, als Theaterkritiker ein genauer Beobachter vor Ort, blickt zurück auf die thematischen Spielzeiten und die wichtigsten Inszenierungen. Künstlerische Weggefährten, die hier wichtige Impulse gegeben haben, darunter Autoren, Regisseure, Schauspieler und Dramaturgen, beschreiben in persönlichen Statements ihr künstlerisches Wirken am Haus. Ein spannungsreicher Blick auf das Schauspiel Stuttgart in der Intendanz von Hasko Weber.

Schauspiel Stuttgart – Intendanz Hasko Weber

Im Zeichen der Faust

Thomas Ostermeier ist einer der bekanntesten europäischen Theatermacher und gilt vielen als "das Gesicht des modernen deutschen Theaters" (DIE ZEIT). Seine großen Ibsen-Inszenierungen und sein "Hamlet" mit Lars Eidinger touren durch alle Kontinente; die Berliner Schaubühne, die er seit 1999 künstlerisch leitet, wird international gefeiert.
Im Gespräch mit Gerhard Jörder erzählt Thomas Ostermeier von seinem Weg zum Theater, das ihm nach den Konflikterfahrungen seiner Jugend "eine Art Lebensrettung" wurde. Selbstbewusst und selbstkritisch, offensiv und nachdenklich rekapituliert er die frühen Triumphe an der Baracke des Deutschen Theaters, die schwierigen Anfänge an der Schaubühne und den wachsenden Erfolg seines politisch engagierten realistischen Theaters gerade beim jungen Publikum. Entschieden kritisiert er die apolitische Haltung seiner Generation, den postmodernen Mainstream und die verengten ästhetischen Diskurse des deutschen Theaters, leidenschaftlich bekennt er sich zu den festen Institutionen der Kultur, zur Ensemble-Idee und zur kreativen Arbeit mit den Schauspielern - Kern seines Verständnisses von einem zeitgemäßen Theater, das nicht Formen, sondern Menschen zum Mittelpunkt macht.
Mit einem Vorwort von Gert Voss
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OSTERMEIER

Burghart Klaußner ist ein eigenwilliger Kopf. Hineingeboren in die Nachkriegswirren Berlins, sagt er über sich selbst: „Ich bin ja mitten in eine Rabauken-Zeit hineingewachsen und habe mir auch nichts sagen lassen wollen. Das ist geblieben: Ich lasse mir nicht gern Vorschriften machen.“ Sein Drang nach Unabhängigkeit hat seiner Karriere nicht geschadet, im Gegenteil: Burghart Klaußner gilt als einer der besten und originellsten Schauspieler unserer Zeit. Er ist seit Jahrzehnten erfolgreich auf der Bühne und im Film und führt darüber hinaus Regie, singt und hat sich jüngst auch als Schriftsteller einen Namen gemacht.
Anlässlich seines 70. Geburtstags erzählt Burghart Klaußner im Gespräch mit Thomas Irmer von seinem Leben und seiner künstlerischen Arbeit. Das Theater ist ihm Heimat, Film Begegnung, sagt er. Er berichtet über seine Anfänge an der Berliner Schaubühne am Halleschen Ufer und am Schiller-Theater Anfang der siebziger Jahre und seinen Weg zu allen wichtigen deutschsprachigen Schauspielhäusern, u. a. in Berlin, Köln, Hamburg, Düsseldorf, Dresden, Bochum und Zürich. Und er spricht über seine Film- und Fernsehrollen, etwa als Pastor in „Das weiße Band“ von Michael Haneke oder als Brecht im gleichnamigen Dokudrama von Heinrich Breloer.
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KLAUSSNER

Das Buch zum Jubiläum beschreibt in einem ausführlichen Essay des Autors Peter Michalzik die 100-jährige Geschichte des Staatsschauspiel Dresden, bebildert mit einer großen Anzahl Inszenierungsfotos. Ein Artikel von Architekturkritiker Dieter Bartetzko mit einer separaten Bildstrecke widmet sich der Baugeschichte des Hauses und ein Fotoessay von Matthias Horn erlaubt überraschende Blicke in das Theater. Neben der Chronik sämtlicher Schauspielpremieren seit Bestehen des Hauses versammelt der Band über dreißig Texte von Persönlichkeiten, die auf die ein oder andere Art mit dem Theater verbunden sind, für verschiedene Epochen stehen oder einzelne Themen vertiefen.

100 Jahre Staatsschauspiel Dresden

Stück-Werk 3

Herbst 1991. In vielen deutschen Städten werden die Kulturetats gekürzt. Eine Kleinstadt in Baden-Württemberg gründet ein Theater mit eigenem Ensemble. Zuerst hat die Bühne keine Spielstätte, die ganze Gemeinde wird zur Spielfläche. Mit Leidenschaft und Arbeitswut etabliert sich eines der kleinsten Stadttheater Deutschlands. Aalen zeigt Ur- und Erstaufführungen, konfrontiert die Bürgerschaft mit Heiner Müller und Jelinek. Eine kleine Theatergeschichte über das Wettklettern eines Intendanten gegen den Ministerpräsidenten des Landes, über politische Kämpfe im Gemeinderat und die Lust des Spielens in der vermeintlichen Provinz.

Zwanzig Jahre Theater der Stadt Aalen

Klein und kraftvoll

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
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HÜBNER

Der Berliner Schauspieler Ulrich Matthes, der zuletzt für seinen Onkel Wanja als Schauspieler des Jahres 2008 ausgezeichnet wurde, erzählt im Gespräch mit Michael Eberth von seinen Anfängen als Kinderstar, von der Abwendung des Pubertierenden vom „unerträglichen Narzissmus" der Schauspielerei, vom pädagogischen Eros, der ihn ein Studium der Germanistik und Anglistik aufnehmen ließ, vom Sog des Spielens, der ihn zum Theater zurückzog.
Er berichtet von der Ausbildung durch eine Schauspielerin, die in einer Zeit, in der Peter Stein an der Schaubühne in Berlin das Theater revolutionierte, am Theaterverständnis der zwanziger Jahre festhielt, vom Einstieg ins Berufstheater, wo er innerhalb weniger Jahre vom Hamlet der Feuchtwanger Kreuzgang-Festspiele über die Stationen Schauspielhaus Düsseldorf, Residenztheater München, Münchner Kammerspiele zum Protagonisten von Andrea Breths Schaubühne und einem der Stars des Deutschen Theaters aufstieg. Matthes schildert Begegnungen mit Regisseuren, die glücklich und weniger glücklich verliefen, und beschreibt die Kämpfe, die ein Schauspieler auszutragen hat, wenn er dem höchsten Anspruch an seinen Beruf gerecht werden will. Dabei zeigt er sich als ein hoch reflektierter Schauspieler, der die Offenheit für die neuesten Strömungen des Theaters mit dem Respekt vor dessen einstigen Werten verbindet, und der immun ist gegen die Moden, zu denen der Zeitgeist verführt.

MATTHES

Wie spricht man Heiner Müllers Texte? Wie soll man mit ihrer Vielstimmigkeit und provokativen Unspielbarkeit umgehen? Wie bleibt man im Sprechen Müllers Radikalität treu - einer Radikalität, die sich auch darin äußert, dass Müller niemals für das Theater produziert hat, ohne zugleich dem Theater aufzukündigen?
Der von dem Komponisten und Regisseur Heiner Goebbels und dem Theaterwissenschaftler Nikolaus Müller-Schöll herausgegebene Band, der aus einem Symposium am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen hervorgegangen ist, versammelt zu diesen Fragen Beiträge von Anton Bierl, Josef Bierbichler, Petra Bolte-Picker, Kai Bremer, Jörn Etzold, Helga Finter, Heiner Goebbels, Wolfgang Hagen, Ulrike Haß, Günther Heeg, Romain Jobez, Jean Jourdheuil, Sebastian Kirsch, Krassimira Kruschkova, Michael Lohmann, Bernd Maubach, Nikolaus Müller-Schöll, Rainer Nägele, Patrick Primavesi, Helmut Schäfer, Christine Standfest, Friederike Thielmann, Helene Varopoulou, Carl Weber und Sophie Witt.

Heiner Müller sprechen

Zwölf Jahre zeitgenössisches Autorentheater an der „Schillerbühne“: Das Hausautorenmodell und zahlreiche Uraufführungen bestimmten in diesen Jahren das Profil des Nationaltheaters. Werke von Theresia Walser, Felicia Zeller, Philipp Löhle, Roland Schimmelpfennig, Thomas Köck, Noah Haidle und Erstaufführungen von Tony Kushner und Tracy Letts prägten den Spielplan. Ein zweiter Schwerpunkt lag auf dem Versuch, ein Theater für Mannheim in immer neuer Auseinandersetzung mit der sich wandelnden Stadtgesellschaft zu entwickeln: mit der Mannheimer Bürgerbühne, partizipativen Stadtprojekten, einer lebendigen Festivalkultur, den Internationalen Schillertagen und Theater der Welt 2014.
Ein Buch, das alle Inszenierungen der Intendanz von Burkhard C. Kosminski und seinem Ensemble in einer bildhaften Chronik dokumentiert. Die Hausautoren Anne Lepper, Akın E. Şipal und Thomas Köck berichten von Erfahrungen, Chancen und Risiken der engen Zusammenarbeit von Theater und Dramatikern und versuchen, eine Standortbestimmung aktueller Dramatik vorzunehmen.

Schauspiel am Nationaltheater Mannheim 2006 – 2018

Zwölf Jahre Autorentheater

Weil das Theater immer wieder auch auf Moden setzt, zu denen das Schielen auf Uraufführungen gehört, ist die deutschsprachige Dramatik in stetem Wandel und ihre Fülle durchaus einer gewissen Schnelllebigkeit geschuldet. Zehn Jahre nach dem ersten „Stück-Werk“ folgt nun ein fünfter, vollständig neu entwickelter Band nach der bewährten Devise: 40 (DramatikerInnen) unter 40 (Jahren), die mindestens drei Uraufführungen zu verzeichnen haben.
Wären diese Kriterien nicht gegeben, ließe sich ein solches Buch nicht auf einen leserlichen Umfang eingrenzen. Und so kann auch dieses Stückwerk kein lexikalisches Unterfangen sein, das Vollständigkeit behaupten könne. Vielmehr gilt es mithilfe der vielen Einzelporträts junger TheaterautorInnen ein möglichst detailliertes Bild davon zu zeichnen, welche Impulse für das zeitgenössische Theater heute von der Dramatik ausgehen, welche Fragen und Inhalte die AutorInnen gemeinsam umtreiben oder auch voneinander unterscheiden, welche Formen, Sprachen oder Arbeitsweisen sie jeweils kennzeichnen. Zuletzt aber will auch ein solches „Handbuch“ zur jungen Generation ein Stückwerk bleiben. Denn wo es in Porträts und Beschreibungen erste Orientierungen gibt, eine Sichtweise auf einen Autor begründet und den Blick vom aktuellen Projekt auf die Hintergründe früherer Stücke weitet, will es in erster Linie neugierig machen: auf die Lektüre der Stücke an sich und auf die Inszenierungen, die auf den deutschsprachigen Bühnen landauf landab ein interessiertes Publikum verdienen.

Neue deutschsprachige Dramatik im Porträt

Stück-Werk 5

Inklusive Film-DVD „Homo ludens“ – Das Gotscheff-Porträt von Ivan Panteleev
Bulgare. Anarchist. Empfindsamer Barbar. Theater der Zeit widmet das Arbeitsbuch 2013 einem der bedeutendsten Regisseure des deutschsprachigen Theaters: Dimiter Gotscheff. Ein kongenialer Textarchäologe und Sprachexeget, dessen Begegnung mit Heiner Müller für ihn und seine Kunst lebensentscheidend gewesen war: Müllers Stücke gingen ihm „direkt in den Körper und meine Gedärme".
Geboren 1943 in Bulgarien, kam er 1962 nach Ostberlin, wo er zunächst Veterinärmedizin, bald aber Theaterwissenschaften studierte und bei Benno Besson und Fritz Marquardt assistierte. Müllers Brief an Gotscheff anlässlich dessen „Philoktet"-Inszenierung 1983 in Sofia umreißt früh Gotscheffs Theaterkunstauffassung, an deren Ausdifferenzierung und Vervollkommnung der Regisseur bis heute arbeitet: „In der Körpersprache Eurer Aufführung (...) habe ich diese Übersetzung von Text in Theater gesehen, die Transformation der Fabel vom Stellplatz der Widersprüche zur Zerreißprobe für die beteiligten, den Widerstand der Körper gegen die Notzucht durch den Sachzwang der Ideen".
Das Arbeitsbuch versammelt prominente und authentische Texte von Kollegen und Mitstreitern aus den sechziger und siebziger Jahren aus Ostberlin, den frühen achtziger Jahren aus Sofia, den achtziger Jahren aus Köln und Düsseldorf, den neunziger Jahren aus Bochum, den nuller Jahren aus Berlin und Hamburg. Beginnend mit Bibiana Beglau, Margit Bendokat und Josef Bierbichler und nicht endend bei Almut Zilcher und Patrycia Ziolkowska. Profunde Essays steuern Stefanie Carp, Jean Jourdheuil, Mark Lammert und Frank Raddatz bei. Dem Buch beigegeben ist eine DVD mit dem filmischen Gotscheff-Porträt „Homo ludens" von Ivan Panteleev.

Dunkel das uns blendet

Dimiter Gotscheff

Osnabrück, September 1909: Das Theater am Domhof wird feierlich eröffnet. Nach jahrelangen politischen und finanziellen Aktivitäten der Osnabrücker besitzt die Stadt endlich einen würdigen Theaterbau. Wie ein roter Faden zieht sich seither bürgerliches Engagement durch die hundertjährige Geschichte des Theaters am Domhof. Ausgehend vom Wunsch der Osnabrücker nach „einer Stätte der Erbauung" setzt sich diese Dokumentation mit den Aufgaben und Möglichkeiten eines Theaters in einer mittelgroßen Stadt wie Osnabrück auseinander.
Ehemalige Mitarbeiter und Journalisten berichten in Aufsätzen und Gesprächen, wie sich das Theater am Domhof immer wieder neu definierte und als kulturelles Zentrum behauptete. Eines wird dabei klar: Ein bürgerverbundenes Theater in der so genannten Provinz kann sich sehr unterschiedlich darstellen, aber eines muss es nicht sein, langweilig. Oder wie Stefan Keim in seinem Artikel „Das Bürgertheater" schreibt: „Es liegt kein Widerspruch darin, zeitgenössisch zu sein und die Tradition des Bürgertheaters fortzusetzen."

100 Jahre Theater am Domhof

Gegen den Alltagsstaub – Theater in Osnabrück

Der niederländische Theaterkünstler Johan Simons kann auf eine großartige Karriere als Regisseur und Theaterleiter zurückblicken. Erste Erfolge als künstlerischer Leiter der Theatergroep Hollandia machten ihn in den 1980er und -90er Jahren international bekannt. Seine Arbeit hat ihn in die Leitung der Münchner Kammerspiele und der Ruhrtriennale (2015 bis 2017) geführt, seit 2018 ist er Intendant des Bochumer Schauspielhauses. Das vielleicht wichtigste Thema seiner Inszenierungen ist die Auseinandersetzung mit dem Tod, legendär seine Bochumer „Hamlet“-Inszenierung von 2019 mit der Ausnahmeschauspielerin Sandra Hüller in der Titelrolle.
Dieses reich illustrierte Arbeitsbuch will nicht nur Aufschluss geben über verschiedene Aspekte der Arbeit des Regisseurs Johan Simons, es versammelt auch Zeugnisse seiner Mitstreiter:innen und Weggefährt:innen. Zu Wort kommen u. a. Sandra Hüller, Pierre Bockma, Elsie de Brauw und Mieke Koenen in Interviews, Essays, Bildern und Skizzen.
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Dialog mit dem Tod

Johan Simons

2014 geht an der NEUEN BÜHNE Senftenberg die Intendanz von Sewan Latchinian, das „Niederlausitzer Theaterwunder“ (Hartmut Krug), nach zehn Jahren zu Ende. Damit findet auch die Ära der legendären GlückAufFeste ihren Abschluss. Vielleicht hatte ja mancher Theaterbesucher, um mit Goethes Satz aus dem „Faust“ zu sprechen, wirklich ein Fest erwartet. Stattgefunden haben an der NEUEN BÜHNE schließlich ganze zehn rauschende Feste, mal mit 12 oder gar 17 Premieren an einem Abend, mal mit gemeinsamem Frühstück oder einem stilechten Hochzeitsmenü, mit Busfahrten durch ganz Senftenberg oder mit Hofmannsthals „Jedermann“ in die Skihalle vor der Stadt.
„Und jedermann erwartet sich ein Fest“ blickt zurück auf die bekanntesten und schönsten Momente dieser einzigartigen Theaterspektakel. Der Bildband enthält neben zahlreichen Fotografien Steffen Rasches ein Interview von Hartmut Krug mit Sewan Latchinian sowie einen Essay von Martin Linzer. Ein wunderbares Dokument der Arbeit der NEUEN BÜHNE Senftenberg.

Die 10 GlückAufFeste der NEUEN BÜHNE Senftenberg

Und jedermann erwartet sich ein Fest

In den letzten Jahren hat die kulturelle Globalisierung auch in Amerikas Theatermetropole ihre Spuren hinterlassen. Die New Yorker Theater setzen zunehmend auf Auslandsimporte. New York läuft Gefahr, seinen Status als Theaterschmiede der Avantgarde zu verlieren, wie er einst von Theatern wie dem La MaMa, Mabou Mines und The Living Theater begründet wurde. Sogar der kommerzielle Broadway ist in vielerlei Hinsicht eine Kolonie des Londoner West-End geworden.
Keine leichten Zeiten für amerikanische Nachwuchsdramatiker, denn auch die zahlungskräftigeren Off-Theater setzen mit Blick auf Europa auf Gewinn versprechende Namen oder produzieren einen neuen Autor erst, wenn er sich als sogenannter „Art-Star" bereits in der Off-Off-Szene erfolgreich durchgesetzt hat. Amerikanische Theaterinnovation findet weit weg von den kommerziellen Theatermeilen um den Times Square statt: Off-Off-Broadway, Downtown, unweit des Ground Zero, wo sich die meisten der 99-Plätze-Spielstätten der freien Theaterszene befinden, die von kleinen not-for-profit-Theaterkompanien mit winzigen Budgets betrieben und bespielt werden. Die kleinen Bühnen in Kellern, ehemaligen Läden, Büchereien oder stillgelegten Schwimmbädern bilden den Nährboden für eine neue Generation amerikanischer Dramatiker, die aus allen Bundesstaaten (und sogar aus dem Ausland) hierherziehen, um die Form zu erneuern und ihre Stimme auf die Bühne zu bringen. (... ff. Vorwort)

Neue Theaterstücke aus New York City

Voices from Undergroundzero

Fünfzig Theatertreffen 1964 – 2013: Kein anderes Ereignis hat so kontinuierlich einen Überblick der künstlerischen Entwicklungen an deutschsprachigen Bühnen geboten, sich so erfolgreich als Festival beim Publikum etabliert und zugleich so wirkungsvoll und aktuell Anlass gegeben zum Disput. Dieses Buch feiert die ersten fünfzig Jahre des Theatertreffens und macht im Rückblick die Veränderung des Theaters in seinem Verhältnis zur Gesellschaft lesbar - nicht als Chronik, sondern als Sammlung von Stimmen, Geschichten, Gedanken, Erinnerungen und Bildern.
In Essays werfen Till Briegleb, Petra Kohse, Urs Jenny, Bernd Wilms und Henning Rischbieter einen Blick auf die Theater-Jahrzehnte seit 1964. Die Bühnenbildner Johannes Schütz, Anna Viebrock, Jürgen Rose, Erich Wonder und Volker Pfüller haben Bildstrecken gestaltet, die ihr Theater auf sehr verschiedene Weise dokumentieren. Hans Neuenfels, Emine Sevgi Özdamar, Jürgen Flimm, Ulrich Matthes, Friedrich Dieckmann, Christiane Schneider, Peter Iden, Peter von Becker, B.K. Tragelehn, Sibylle Wirsing, Bibiana Beglau, Jan Hein, Dirk Pilz, Tobi Müller, Matthias Lilienthal, Chris Kondek, Mieke Matzke, Judith Rosmair, Franz Wille, Elisabeth Schwarz, Zhang Wu, Josef Bierbichler, Feridun Zaimoglu, Isabell Lorey, Wladimir Kaminer und Dea Loher erzählen von eindrücklichen Erfahrungen beim Theatertreffen. Dass Geschichte auch aus sehr persönlichen Erinnerungen besteht, zeigen die „Zwischenrufe" von 126 Theatermachern, Kritikern, Politikern und Unterstützern. Ein Nebeneinander von Anekdotischem, Kritischem und Klugem - jeder Beitrag ein Stein des grossen Mosaiks Theatertreffen.

1964 –2013

Fünfzig Theatertreffen

1989 hatte Anke Roeder die Generation der feministisch engagierten Autorinnen (noch) als „Herausforderungen an das Theater" bezeichnet. In den letzten Jahren ist nicht nur die Zahl der Theaterautorinnen gestiegen, sondern auch deren Popularität. Ob beim „Heidelberger Stückemarkt" oder bei den „Mülheimer Theatertagen": Zu den Ausgezeichneten zählen immer häufiger weibliche Autoren. „Radikal weiblich? Theaterautorinnen heute" fragt die jüngere Generation deutschsprachiger Dramatikerinnen danach, ob und wie sich die Situation für Autorinnen am Theater in den vergangenen zwanzig Jahren verändert hat. Eine Bestandsaufnahme der Situation von Theaterautorinnen heute und ein Überblick über die deutschsprachige weibliche Dramatik zu Beginn des 21. Jahrhunderts.
Der Band besteht aus Interviews und Essays zu den folgenden Autorinnen: Gesine Danckwart, Nino Haratischwili, Sabine Harbeke, Meike Hauck, Rebekka Kricheldorf, Kathrin Röggla, Gerhild Steinbuch, Ulrike Syha, Tine Rahel Völcker, Theresia Walser und Felicia Zeller.

Theaterautorinnen heute

Radikal weiblich?

Vor fünfzig Jahren wurde einer der prägendsten und radikalsten Kulturbauten der sechziger und siebziger Jahre eröffnet: das Düsseldorfer Schauspielhaus des Architekten Bernhard Pfau. Nach einer umfassenden Sanierung und der vollständigen Wieder-Inbetriebnahme erstrahlt das Haus zum Jubiläum erneut in vollem Glanz. Aus Anlass des Jubiläums wird eine umfangreiche Publikation über die vergangenen fünfzig Jahre Theatergeschichte erscheinen: In einem großen Artikel beschreibt der Autor und Architekturkritiker Till Briegleb die bewegte Baugeschichte der Architekturikone am Gustaf-Gründgens-Platz.
Der Theaterkritiker Martin Krumbholz lässt die vergangenen fünfzig Jahre Schauspiel am Düsseldorfer Schauspielhaus Revue passieren – reich bebildert mit zahlreichen Inszenierungsfotos. Der Schauspieler Wolfgang Reinbacher, der schon zur Eröffnung auf der Bühne des Düsseldorfer Schauspielhauses stand, erzählt im großen Interview von seinen wichtigsten Begegnungen und größten Theatermomenten. Gerwin Zohlen stellt die Sanierung des Pfau-Baus im Detail dar. Darüber hinaus versammelt der Band Beiträge von zahlreichen Persönlichkeiten, die mit dem  Düsseldorfer Schauspielhaus verbunden sind – Regisseure, ehemalige Intendanten, Künstler, Kulturpolitiker und Schauspieler.
Mit Beiträgen von u. a. Till Briegleb, Stefanie Carp, Roberto Ciulli, Herbert Fritsch, Volker Hesse, Christoph Ingenhoven, Martin Krumbholz, Falk Richter, B. K. Tragelehn, Harald Welzer, Sönke Wortmann und Robert Wilson.
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Das Düsseldorfer Schauspielhaus 1970 bis 2020

fünfzig

Gorki verbrachte von 1906 bis 1913 ein Exil auf Capri, wo ihn Lenin gern besuchte. Hier sieht man ihn Schach spielend mit Alexander Bogdanow, einem der späteren Erfinder des »Proletkult«, wofür ihn Lenin 1923 kurzzeitig einsperren ließ. Mit Gorki verfuhr Lenin nach der Revolution anders: als dieser sich in den »Unzeitgemäßen Betrachtungen...« und in persönlichen Briefen an ihn empört über terroristische Maßnahmen der neuen Macht äußerte, »empfahl« Lenin ihm einen weiteren Aufenthalt auf Capri, der »seiner Gesundheit sehr förderlich« sein würde. 1928 holte Stalin den Dichter mit großer Geste nach Moskau zurück und erklärte ihn zum Klassiker des sozialistischen Realismus. Dennoch sollte diese Rückkehr Gorkis Gesundheit mehr als schaden: er starb unter relativ ungeklärten Umständen 1936 im Alter von 68 Jahren. 
Das Maxim Gorki Theater wurde als ein Ort zur Pflege russischer und sowjetischer Theaterkunst 1952 in Berlin gegründet. Wie es sich in fünfzig wechselvollen Jahren mit diesem komplizierten Auftrag und Erbe auseinandersetzte, wie es dabei versucht hat, neue Wege zu gehen und welche Künstler es auf diesem Weg begleitet haben, soll hier erzählt werden.

50 Jahre Maxim Gorki Theater

Das Maxim Gorki Theater hat in den letzten Jahren unter der Intendanz von Armin Petras einen offensiven und eingreifenden Spielplan vorgelegt. Mit einer hohen Frequenz an Inszenierungen, Spektakeln und vielen Sonderveranstaltungen und Kooperationen entwickelte sich das Haus zu einem unverwechselbaren Ort, an dem wichtige gesellschaftspolitische Fragen verhandelt wurden.
Der lebendige Geschichtsraum Deutschland und insbesondere Berlin spielten dabei eine besondere Rolle, Stoffe aus Berlin und Brandenburg standen kontinuierlich im Fokus. Dabei prägten die Texte und Inszenierungen von Armin Petras sowie die Handschriften der drei Hausregisseure Jan Bosse, Jorinde Dröse und Antú Romero Nunes von 2006 bis 2013 das Bild des MGTs. Das Buch ist eine umfangreiche Sammlung von Gesprächen, Essays, Statements und Beiträgen u. a. von Jan Bosse, Jorinde Dröse, Wolfgang Engler, László Földényi, Jens Groß, Ludwig Haugk, Günther Heeg, Andrea Koschwitz, Antú Romero Nunes, Armin Petras und Carmen Wolfram. Eine vollständige Chronik aller Premieren, Spezialveranstaltungen und Produktionen sowie zahlreiche Farbfotos von den Inszenierungen ergänzen den Band.

Intendanz Armin Petras – Maxim Gorki Theater Berlin

Offene Rechnungen

Das Theaterhaus Jena ist seit zwanzig Jahren eine einmalige Institution in der deutschsprachigen Theaterlandschaft: Im Spannungsfeld von Stadttheater und freier Produktionsstätte haben sich verschiedene künstlerische Teams die Erforschung experimenteller theatraler Produktions- und Ausdrucksweisen, die Erprobung neuer Arbeitsstrukturen sowie die Förderung von soziokultureller Arbeit zur Aufgabe gemacht und sind damit regional und überregional auf Erfolgskurs. Das Buch beschreibt die Erfahrungen mit dem „Modell Theaterhaus" und fragt danach, wie viel Institution das freie Spiel benötigt und wie viel Freiheit unabhängig von Institution möglich ist: Wie scheitert man mit Erfolg? Was brauchen glückliche Produzenten? Wie flurbereinigt man eine Kultur-Landschaft?
Mit Beiträgen von Christin Bahnert, Nicola Bramkamp, Till Briegleb, Barbara-David Brüesch, Markus Heinzelmann, Michael Helbing, Rainer Hofmann, Christian Holtzhauer, Armin Kerber, Rebekka Kricheldorf, Mieke Matzke, Sven Schlötcke, Annemie Vanackere, Jonas Zipf u. a.

Sprechtheater

Arbeitsbuch 2023

Johan Simons

backstage

HÜBNER

fünfzig

backstage

KLAUSSNER

Zwölf Jahre Autorentheater

backstage

OSTERMEIER

Und jedermann erwartet sich ein Fest

Arbeitsbuch 2013

Dimiter Gotscheff

Im Zeichen der Faust

Offene Rechnungen

Fünfzig Theatertreffen

100 Jahre Staatsschauspiel Dresden

Recherchen 90

Einfachheit & Lust & Freiheit

Klein und kraftvoll

Recherchen 72

Radikal weiblich?

Recherchen 69

Heiner Müller sprechen

Gegen den Alltagsstaub – Theater in Osnabrück

backstage 1

MATTHES

Dialog 9

Voices from Undergroundzero

Arbeitsbuch 2008

Stück-Werk 5

50 Jahre Maxim Gorki Theater

Arbeitsbuch 2001

Stück-Werk 3