Ein Kampf, der es wert ist

Das Gegenteil von Selbstherrlichkeit und Schwarzmalerei

Das heißt, der ‚Klaußner‘ war ein gehobenes Lokal, keine Berliner Eckkneipe. Unter keinen Umständen. Vor dem Krieg war es sogar eher ein Treffpunkt für Kunst und Politik. Im Gegensatz zu irgendwelchen Kneipen oder auch im Gegensatz zum Beispiel zur Wirtschaft des bayerischen Schauspielers Josef Bierbichler in Ambach, in der gelebt und zum Teil auch gewohnt wurde, war das bei uns vollkommen anders: Das „Geschäft“ hatte mit dem Haushalt nichts zu tun, hatte sich nicht zu kreuzen. Wir Kinder hatten im Geschäft überhaupt nichts zu suchen, sondern da wurde höchstens mal auf dem Heimweg von der Schule hingegangen, wobei es noch die Dependance des ‚Zum Klaußner‘ im Albrechtshof – ein Ensemble von Häusern mit Hinterhof und Biergarten – gab. Da, wo heute in Steglitz der Kreisel steht. Da gab es dann ab und zu mal ein Eis nach der Schule oder, beliebt auch, Pariser Schnitzel, und das war es. Also, von dem ganzen Kneipen- wie Restaurantleben war nichts zu spüren. Mein Vater war nie zu Hause. Wenn er mal da war, wollte er „erziehen“, was sofort zu Riesenkrächen auf allen Seiten führte. Die Großmutter wohnte im Haus. Sie hat aus irgendwelchen Gründen immer bei uns gewohnt und wollte wohl auch ein...

Erziehung und Situation im Elternhaus

Popanz der Macht

Ich will die Menschen ausroden von der Erde

Das Kraftzentrum

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Kabarett war überhaupt in Westberlin eine Spezialität, als aus dieser krisenhaften Frontstadtmentalität und dem berüchtigten Berliner Witz mit Schnauze so etwas Eigenes entstand, das in Wolfgang Neuss, dem Mann mit der Pauke, vielleicht seinen Höhepunkt erlebte. Neuss war natürlich wesentlich weiter links angesiedelt und deshalb in diesen bürgerlichen Kreisen erstmal nicht vorhanden. Als Kind hat man Neuss nicht verstanden. Als Kind liebte ich vor allem Imitationen von Politikern im Radio, die auf das Verschiedenartige der Stimmen setzten, sowie einzelne, zum Teil auch von Komikern der Vorkriegszeit entworfene Tableaus: kleine Hörstücke mit verstellten Stimmen. Dies alles übte eine große Faszination auf mich aus. Radio war und ist für mich bis heute das Topmedium. Wurzelte der robuste Antikommunismus darin, dass Ihr Vater aus einer vermögenden Schicht stammte, oder lag es eher an der Frontstadt Berlin, wo die erhitzte Sensibilität an dieser Weltgrenze im Kalten Krieg besonders ausgeprägt war? Ich glaube, die Herkunft aus dem besitzenden Bürgertum spielte die geringste Rolle. Die Hauptrolle spielten in erster Linie die russischen Befreier – wie man ja heute sagen muss –, die aber im Zuge dieser Befreiung sich auch Verbrechen haben zuschulden kommen lassen. Dies war im Bewusstsein absolut gegenwärtig: die Vergewaltigungen, und vor allem dann...

Kabarett als erste Theatererfahrung

Sind die Eltern ins Theater gegangen? Die Eltern sind dauernd ins Theater gegangen. Und vor allen Dingen sind sie auch sehr viel in Konzerte gegangen. Deshalb ist es umso verwerflicher, dass meine Mutter mir das Klavierspielen lernen ausgeredet hat. Ich solle erst in der Schule besser werden. Das hätte sie nicht tun dürfen. Meine Mutter war eine hochgradig engagierte Gustaf-Gründgens-Verehrerin. Sie hatte ihn natürlich noch im Krieg erlebt, im Schauspielhaus am Gendarmenmarkt, sie muss überhaupt einiges in Berlin im Krieg gesehen haben. Weiterhin war sie eine große Verehrerin von Erich Schellow, der im Schillertheater die klassischen Helden spielte, und von Boleslaw Barlog, der es geschafft hatte, in Westberlin einen Gegenentwurf zum Ostberliner Theater zu machen bzw. überhaupt einen Wiederaufbau. Das Schillertheater war ja zerstört. Das Hebbel-Theater existierte als einziges, wesentliches, wo Fritz Kortner seine ersten Aufführungen machte. Aber der Name Kortner ist nicht gefallen, nur der Name Jürgen Fehling, weil Fehling als Gast im ‚Klaußner‘ sich unmöglich gemacht hatte. Es ist ja bekannt, dass Fehling in späteren Jahren psychisch nicht mehr ganz gesund war und er wohl durch ungeheure Schweinigeleien aufgefallen war, wie man das nannte. Obszönes Auftreten, obszöne Reden. Ein Tourette-Syndrom? Wahrscheinlich. Er bekam dann Lokalverbot. Friedrich Luft und...

Theatererfahrung der Eltern

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Als Sie zum Studium nach Berlin zurückgingen, waren Sie ja nicht gleich auf der Max-Reinhardt-Schule. Warum? Meine Mutter wollte, dass ich Akademiker werde oder zumindest ein entsprechendes Fach anfange. Sie selber hatte ein Kunstgeschichtsstudium auf der Humboldt Universität begonnen und gehörte zu den Gründungskindern der Freien Universität. Das war ihr Mythos. Ich sollte es auch in dieser Richtung versuchen. Es war natürlich die Hochzeit der 68er-Bewegung, und die Uni war in heller Aufregung. Ich habe dann Germanistik nicht wirklich studiert und in Theaterwissenschaft ein bisschen rumdilettiert, ein paar Vorlesungen gehört, vor allem aber ein paar Seminare besucht u. a. bei meinem heute noch befreundeten akademischen Urvater Arno Paul. Arno hatte im selben Jahr seine Dozentur begonnen wie ich mein Studium. Wir waren genau zehn Jahre auseinander, beide Anfänger und hatten eine ähnliche Vergangenheit: Arno hatte in München studiert. Ich war in Bayern zur Schule gegangen. Wir kannten unseren Karl Valentin und Arno erschien in halblangen Lederhosen zu seinen Vorlesungen. Mit Manfred Wilke machten wir interessante Seminare über das Theater im Dritten Reich und besuchten als Zeitzeugen, so habe ich auch den noch kennengelernt, den berühmten Kritiker Herbert Jhering in seinem Dahlemer Haus. Das war natürlich wirklich sehr spannend, diese Sachen...

1969 – Rückkehr nach Berlin zum Studium

THEATER Produktion Guertler / Runze (privat) in der Kirche Berlin-Buckow PINKVILLE Text und Regie: George Tabori Sergeant 1971 Schaubühne am Halleschen Ufer MÄRZSTÜRME 23 (UA) Schwiedrzik/Steckel/Nel nach Otto Gotsche auch Regie E. Schäfer 1971 Schillertheater Berlin KASPERL AM ELEKTRISCHEN STUHL Konrad Bayer Regie: Hans Peter Fitzi Reporter 1972 OPERETTE Witold Gombrowicz Regie: Ernst Schröder Lakai 1972 (Übernahme) WILDWECHSEL Franz Xaver Kroetz Regie: Horst Siede Franz 1972 DER HORATIER (UA) Heiner Müller Regie: Hans Lietzau 1972 (abgebrochen) Theater am Turm Frankfurt am Main DER BÄR GEHT AUF DEN FÖRSTERBALL Peter Hacks Regie: Frieder Anders Hans 1973 WOYZECK Georg Büchner Regie: Michael Gruner Andres 1973 LICHTENBERG Gerhard Roth Regie: Wolfgang Wiens Der Arzt 1973 Schauspiel Köln EGMONT Johann Wolfgang Goethe Regie: Hansgünther Heyme Brackenburg 1974 DER BRAND VON USTER (UA) Hansjörg Schneider Regie: Valentin Jeker Köbi 1975 BRAVO, GIRL! Werner Geifrig Regie: Roland Schäfer Freund 1975 KASIMIR UND KAROLINE Ödön von Horváth Regie: Christof Nel Abnormität 1975 EIN SOMMERNACHTSTRAUM William Shakespeare Regie: Hansgünther Heyme Bühne: Horst Sagert Thisbe 1975 BUSCHMANN UND LENA Athol Fugard Regie: Nicolas Brieger Der alte Schwarze 1975 ZAR WASSERWIRBEL Jewgeni Schwarz Regie: Volker Geissler Wanja 1975 Foto linke Seite: In der UdK, früher die Max-Reinhardt-Schule NACHTASYL Maxim Gorki...

Rollenverzeichnis

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Ein anderer Regisseur ist Volker Schlöndorff, mit dem Sie Diplomatie gemacht haben. Das war auch wieder eine autoritäre Militärperson, die quasi nur im ersten Akt dieses Kammerspiels auftritt, die aber ganz wichtig ist, weil es um die Frage geht: Wird Paris untergehen oder wird es friedlich übergeben? Diese Figur, die da auftritt, steht für die militärische Vorbereitung der Zerstörung. Das war folgendem Umstand geschuldet: Volker Schlöndorff hatte mir einen Film angeboten mit einem Thema, das ich eins zu eins, wie ich fand, bereits gedreht hatte. Nämlich ein Film mit Dito Tsintsadze, Der Mann von der Botschaft; wir dürfen diese Filme von Tsintsadze nicht unter den Tisch fallen lassen. Er ist ein Regisseur, der hier in Berlin seit vielen Jahren lebt und mit dem ich vier Filme gemacht habe, wovon zwei wesentlich sind: Der Mann von der Botschaft und eben Invasion. Ich hatte dieses Thema, von dem Der Mann von der Botschaft handelt – also ein Mann, der sich um ein Kind kümmert und dabei unter Verdacht gerät –, bereits mehr oder weniger genau so gemacht. Deshalb habe ich gesagt, lieber Volker Schlöndorff, das kann ich nicht machen, das hab ich schon einmal gemacht. Das hat ihn irritiert, dass man ihm...

Dito Tsindatzes Der Mann von der Botschaft

Der Krieg und die „Kulturrevolution“

Das interessiert mich, weil das auch für die Selbstbildung natürlich eine Rolle spielte, das Wissen, was machen die anderen. Aber es gab natürlich auch damals schon ältere reisende Schauspieler, die dann von anderen Städten erzählten, in denen sie gastierten. Das war natürlich ein Nimbus, wenn man am nächsten Tag aus dem Flugzeug etwas später auf die Probe kam. Das hatte also bereits gewaltigen Glanz. Und dann wurde berichtet, wie es woanders zuging. Auch das war eine Quelle natürlich. Auch das mündliche Berichten spielte eine große Rolle. Ja, unbedingt. Was auch wirklich bemerkenswert und wichtig ist, es gab Schauspieler – ich nenne nochmal den Namen Alexander Wagner –, die sehr weit zurückblickten, nicht nur in ihren Erlebnissen, sondern auch Erinnerungen, die also bis in die dreißiger Jahre Kenntnis und Verbindungen hatten. Nicht, weil sie so alt waren, sondern weil stark tradiert wurde. Das ist ja auch ein österreichischer Zug. Wagner war ein Halbroma, ein Jenischer, ein Halbzigeuner sagte man damals, aus Salzburg. Jugendfreund von Thomas Bernhard. Zu meiner Bildung als Traditionalist trug das viel bei. Arbeit mit historischem Gedächtnis. Mir scheint das in den siebziger Jahren, auch mit solchen Inszenierungen von Nel, mit solchen Stücken wie Rotter, auch gar nicht anders...

Was Kritiker berichten und Schauspieler erzählen

Der Segelklub am Wannsee spielt eine große Rolle, schon von der Kindheit an bis heute. Die Großeltern sind da 1910 Mitglied geworden. Es gab Dinge in der Kaiserzeit, die en vogue waren, darunter eben das Segeln, die Beschäftigung auf dem Wasser, und diese Mitgliedschaft blieb ununterbrochen bestehen, bis mein Vater irgendwann dann zum Vorsitzenden gewählt wurde und den Klub dann auch den Amis wieder aus den Händen nehmen konnte. Diesen Klub gründete er mit den versprengten Mitgliedern wieder nach dem Krieg. Das Ganze hat eben auch durch die Figur meiner Großmutter väterlicherseits, die als erste Frau alleine ein Schiff auf See führte – oft in der Ostsee – und große Reisen gemacht hat, einen bestimmten Glanz erfahren. Sie war eine der ersten segelnden Frauen, passend zu Kaiser Wilhelms Ruf: Deutschlands Zukunft liegt auf dem Wasser. Und wann sind Sie in diese Segelwelt eingetreten? Als Kind. Als Familienmitglied. Irgendwann bekam ich dann ein kleines Schiffchen geschenkt, auf diesem kleinen Boot haben wir dann Segeln auf dem Wannsee gelernt. Es war die Pflanzschule des Segelns.

Segeln als Familientradition

Wende und Wandel

Sie sind 2018 als erster Stipendiat im Thomas-Mann-Haus in Kalifornien gewesen. Was war das für eine Erfahrung? Das Vorwort für dieses Buch ist mein Essay über die Reise, über die kalifornische Erfahrung. Es war eine angenehme Zeit, wenn auch sehr kurz. Es war anders geplant, aber kurz vorher habe ich erfahren, dass das Haus nicht bezugsfertig sein würde. Ich kann sagen, dass ich überrascht war, wie stark dort das Bewusstsein ist, welchen Einfluss die deutschen Emigranten hatten. Carl Laemmle hat die Studios gegründet, Billy Wilder ist eine Legende, aber das gilt eben nicht nur für das Film-Business, sondern auch für Literatur und Philosophie, etwa mit Herbert Marcuse und Theodor W. Adorno. Das ist vielen dort sehr bewusst, das hat mich überrascht und gefreut. Man unterschätzt ja die Amerikaner, auch darüber hab ich in diesem kleinen Aufsatz geschrieben. Zugleich habe ich erfahren, wie viel Obdachlosigkeit es dort gibt, wie unfassbar hart die soziale Wirklichkeit dort sein kann. Die Leute schlafen in Autos, was eigentlich verboten ist, oder liegen auf der Straße, weil es warm genug ist. Der Kaufmann von Venedig war 2017 die dritte Arbeit mit Roger Vontobel, mit ihm gab es einen Don Carlos und einen Zerbrochnen Krug in Dresden....

Als Autor in Thomas Manns Haus in Kalifornien

Das Lied der Guano-Vögel

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Skandalinszenierung als Vorsprechen Noch während des Schauspielstudiums hatte ich mit Tabori Pinkville gemacht, ein Stück gegen den Vietnamkrieg. Meine allererste Theaterarbeit überhaupt. Zur Zeit der Schauspielschule, Max-Reinhardt-Schule genannt, heute UdK. Damals war der Name Max-Reinhardt-Schule noch präsent. George Tabori, der gerade mit seinem Stück Kannibalen am Schillertheater richtig berühmt geworden war, kam zu uns in den zweiten Jahrgang, und die Schulleitung sagte, er wolle mit uns ein Stück machen, wir sollten ihm ein bisschen vortanzen. Das war alles sehr angenehm, weil er von großer amerikanischer Freundlichkeit war. Er wirkte wie ein wirklich achtzigjähriger Greis, obwohl er gerade fünfzig geworden war, denn er sprach sehr langsam und sehr tief und man hatte das Gefühl, er kommt gar nicht mit. Das war natürlich weit gefehlt. Er hat dann unseren Jahrgang komplett engagiert und noch ein, zwei Leute aus dem Jahrgang drüber. Wir begannen ein Stück namens Pinkville zu proben, der originale Codename für das Dorf My Lai, das angelehnt war an die Geschichte von Jesus Christus. Leutnant Calley, der Hauptkriegsverbrecher, der befohlen hatte, die Zivilbevölkerung auszurotten, ist da gleichzeitig eine Christus-Figur. Ein ziemliches Durcheinander von Bildern. Vor allem aufgehängt an der Figur von Jesus Christus – die Hauptfigur ist also gleichzeitig Täter...

Starker Start mit George Tabori

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Eine Zeitreise beginnt. Sie führt uns an Bord der Queen Mary 2 einer Million amerikanischer Soldaten entgegen. So viele, das erfährt man auf dem noch ganz der Geschichte des Truppentransports ergebenen Schiff, waren es, die bis 1945 Europa erreichten, um es zu befreien. Im Bordkino läuft passenderweise Die dunkelste Stunde, der Churchill-Film, den man schwankend, wie Deckung nehmend, besucht. Eine Million. Es ist erstaunlich, wie wenig wir noch immer über all das wissen. Britannia rules the waves und Amerika den Weltraum. Tagsüber trägt ein Spezialist, der tatsächlich Kennedy heißt, im Nebensaal Unterhaltsames aus dem Space Center vor, und das im Wechsel mit wieder einem Briten, der uns erklärt, warum es die französischen Piloten waren, die die Concorde ruiniert haben. Wir haben uns für den Dampfer entschieden, nicht nur um derart kriechend der inneren Uhr den Übergang zu erleichtern, sondern natürlich auch, um den Gefühlen nachzureisen, die diejenigen beschlichen haben müssen, für die es vorläufig oder für immer, wer konnte das wissen, kein Zurück mehr gab. Und wie auf ein unsichtbares Kommando hin tut das Schiff kund, was es von uns Nachgeborenen erwartet. Die Zeugnisse der Historie sind schon vorbereitet. Als ein schwimmendes Dokumentationszentrum hält die Cunard Reederei überall auf der...

June Gloom

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

In die andere Richtung gedacht, also die Vorbereitung einer Rolle: Benutzen Sie da viel, was Sie vorher schon mal gemacht haben? Nein, so arbeite ich überhaupt nicht. Ich arbeite nicht retrospektiv, das ist mir völlig fremd. Ich guck mir auch meine Arbeiten im Film und Fernsehen nicht nochmal an, vielleicht nach zwanzig Jahren mal einen Ausschnitt und denke dann, aha, gar nicht sooo schlecht! Aber meistens erträgt man das schwer, weil man natürlich altert und das Jugendliche als das Erledigte betrachtet – also umgekehrt, als man denken könnte. Dass man der Jugend nachtrauert, ist überhaupt nicht der Fall, es dreht sich eher um und man denkt, mein Gott, war ich unerfahren. Deshalb lohnt sich das schon mal nicht. Und die Arbeit an einer Figur fürs Theater oder an einem Theaterstück geht für mich auf jeden Fall immer erst über die Figur, die ich zu spielen habe … in welchem Kosmos steht die und in welchem Zusammenhang ist sie entstanden, was will das Stück erzählen, wie muss die Figur aussehen, damit sie nicht nur selber eine Entität darstellt, sondern auch im Zusammenhang mit dem Stück befördernd wirkt. Dann kommt der Schritt, wo man sagt, die und die Erfahrungen müssen in die...

Jede Arbeit beginnt bei null

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

Die wirkende Erinnerung

Sie haben Hörbücher von ganz verschiedenen Autoren gesprochen oder eingelesen, wie das ja nicht ganz zutreffend über eine solche Sprechgestaltung heißt. Paul Auster, Wolf Biermann, Botho Strauß, Daniel Kehlmann und James Joyce zum Beispiel. Warum ist das Hörbuch für Sie interessant? Das ist Kopftheater. Von Buchstabe zu Buchstabe entwickelt sich eine ganze Welt. Deshalb kommt es da ja auch auf die Buchstabentreue an. Wenn etwas im Manuskript verdruckt ist, stimmt das Ganze schon nicht mehr. Es ist wichtig, dass es Kohärenz hat. Andererseits ist es wie ein Generationensprung zurück, als das Kind etwas von den Eltern oder Großeltern vorgelesen bekam. Das Geschichtenerzählen ist sehr intim, ist ein Vorgang zwischen nur zwei Personen. Wahrscheinlich hören die meisten Leute deshalb Hörbücher für sich allein. Sie sind für einen Zuhörer gemacht. Das Kopftheater findet zuerst im Sprecher statt. Wie bereiten Sie das vor? Eigentlich nur durch das intensive Lesen des Texts. Man muss den direkten Eindruck vermitteln, aber vorher einmal den Blick aufs Ganze gehabt haben. Ich nehme mir nicht vor, dass ich das an dieser Stelle so und so charakterisiere, als Teil eines großen Plans, das finde ich nicht interessant. Denn den Weg, den der Hörer nimmt, sollte man auch als Vorleser...

Hörbücher als Kopftheater

Vorhang runter, Zelt weg

Es ist also alles verbunden, die Schauspielerei, das Singen, die Filme, die Hörbücher und das Schreiben? Ich bin ein Romantiker, die Dinge wirken sehr stark auf mich, und ich bin empfänglich. Ich stehe unter starkem Einfluss von allem, was zum Teil auch abgewehrt werden muss, damit es mich nicht überwältigt. Aber es hat natürlich auch ein großes Reservoir an Erfahrungen und Empfindungen gefüllt. Aber zu diesem Verständnis des Romantischen gehört, daraus etwas Neues zu machen. Da sind Maler ganz anders, wenn ich an Adolph Menzel oder Gerhard Richter denke. Und doch, sehe ich, auch sie sind Interpreten. Das Interpretieren äußert sich in Konzentration, Verdichtung. Man denkt ja, Interpretation ist Erweiterung bis hin zur Ausschmückung. Aber nein, es geht um Verdichtung auf höherer Stufe. Eine noch höhere Konzentration. Verdichtung zu einer Öffnung von Wirklichkeit. Das Verständnis wächst durch Verdichtung.

Ein Credo

Spanische Theaterautor:innen im Überblick

Zuhören. Eine radikal-politische Erfahrung

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Aber der Fritz Bauer der Dokumentaraufnahmen, die man im Film sieht, fordert den direkten Vergleich. Es gibt noch andere Aufnahmen, die nicht im Film zu sehen sind. Aus all dem lässt sich natürlich schon auf den ganzen Menschen schließen. Er ist so eigen, er ist so besonders, dass man sich natürlich fragt, was steckt dahinter, woher kommt das, warum benimmt sich jemand so? Fahren ihm seine seelischen Nöte dermaßen in den Körper? Nichts anderes ist das ja, die plötzlichen Wendungen und Zuckungen, dahinter ist ja auch viel Abwehrhaltung, Schutzhaltung und Angriffshaltung zugleich. Schutz und Angriff sind bei ihm eine ganz ununterscheidbare Körpersprache widersprüchlicher Art eingegangen. Das ist bei Bauer der inhaltliche Punkt, und es kann immer nur um inhaltliche Punkte gehen. Und sicher nicht um eine reine Imitation – Kabarett war mal. Das war mal ein ganz guter Einstieg, aber dann muss man inhaltlich werden. Anverwandlung, aber keine Imitation. Bei Fritz Bauer ist es natürlich so, dass es eine große Person der Zeitgeschichte ist, die zu würdigen ist, und man insofern auch eine Reflexion dafür braucht beim Spielen. Das finde ich auch. Ohne Kenntnis der Epoche muss so etwas verflachen. Brecht und die Methode Breloer Wie war es bei Brecht?...

Die inhaltliche Vorbereitung und die körperliche Gestaltung

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Theater und Arbeiterklasse

Das Risiko des zeitgenössischen Dramas

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Das Datum Ihrer Geburt im September 1949 liegt zeitlich ganz nahe zur Gründung der Bundesrepublik. Bedeutet Ihnen das etwas, sozusagen ein „Windelkind“ der Bundesrepublik zu sein? Das bedeutet mir schon was. Ich denke immer wieder mal darüber nach, dass ich ein „Windelkind“ zweier deutscher Staaten bin, einer Nachkriegsordnung. Inwiefern zweier deutscher Staaten? Die wurden ja relativ kurz nacheinander gegründet, und wenn man in Berlin geboren ist und lebt, dann ist die Nähe unweigerlich größer. In Berlin sagte man ja auch all die Jahre: Wir fahren jetzt mal nach Westdeutschland. Wo genau war das in Berlin? Ich bin in Friedenau geboren. Im elterlich-großelterlichen Haus in der Hähnelstraße 14. Das war mal eine Art Villenkolonie, wie im Südwesten Lichterfelde, die von dem Kaufmann und Stadt- entwickler Carstenn gegründet wurde. Oder die Kolonie Alsen in Wannsee. Hier waren sogenannte Terraingesellschaften aktiv, die die Grundstücke parzellierten und verkauften, und so wurde wohl auch Friedenau gegründet. Also schon durchaus gehoben, was man – da Friedenau relativ unzerstört geblieben ist – auch heute noch gut sehen kann: sehr bürgerlich. ... also in der Nähe der Niedstraße, der berühmten Literatur­ meile, wo Günter Grass und Uwe Johnson wohnten und quasi die halbe westdeutsche Literaturszene versammelt war? Die...

Geburt in Berlin-Friedenau

Der Anti-Katastrophenfilm

Ich wollte noch etwas zu Gutkelch fragen. Der hatte angesprochen, womit Sie sich vorher schon beschäftigt hatten und was bis heute eine Rolle spielt, nämlich diese Auseinandersetzung mit Stimme und was sie in der Konnotation bedeuten kann. Das erinnert mich an die frühen Tonbandexperimente. Schließlich sind Sie auch ein Interpret im Hörbuch geworden. Insofern war der Professor Gutkelch doch wichtiger als das, was Sie unter Spintisiererei verbuchen. Na, ja, ihn will ich gar nicht zu den Spintisierern zählen. Er hatte sich da was ausgedacht, was eine ganz interessante Methode war, um einem werdenden Schauspieler den Sitz und den Inhalt der eigenen Stimme zu vermitteln und wie man das variieren kann, um da voranzukommen. Nun, Hörbücher machen ja fast alle Schauspieler. Doch so sehr ich das liebe, für mich war die Sprache auf dem Theater wichtig vor allem in Kombination mit dem Körper und nicht nur in so einer Wesenlosigkeit wie vor dem Mikrofon. Ich suchte immer auch die Exzessivität. Deshalb hatte ich an Kortner so einen Geschmack gefunden, aus seinem Rachegebrüll, aus seinem Shylock-Monolog bin ich nie entlassen worden, ein ganzes Leben lang und auch heute, wenn ich den Shylock selber spiele, gibt es einen Kortner-Moment, den ich nicht loslasse,...

Thema Stimme und Körper

Ein Mann in allen Medien

Ulrich Mühe fasste das Problem, das vor allem ein Wahrnehmungsproblem war, unter dem er litt, so zusammen: Der Ostschauspieler macht angeblich alles mit dem Kopf, der Westschauspieler alles aus dem Bauch und aus der eigenen Biografie heraus. Das waren die Vorurteile. Ich hatte, als das so paraphrasiert das erste Mal so geäußert wurde, sehr stark das Gefühl, jetzt wird nach Konstruktionen gesucht, um sich abzugrenzen. Was sich natürlich dahinter verbirgt, ist die Vermutung, dass im Westen die Theaterfiguren auf ihre psychologische Genauigkeit abgeklopft wurden, die man naturgemäß durch die Anbindung an die eigene biografische Erfahrung besser untermauern und erfahren kann, und dass im Osten eben tendenziell die Botschaft, die an eine Figur angehängt werden kann, deutlicher aufgesucht wird als ihre psychologische Genauigkeit. Ich glaube, das spielte schon eine Rolle, dieser politische und ästhetische Gegensatz, der dann jedoch in diese Richtung vergröbert wurde: Die spielen nur aus dem Bauch und die spielen nur aus dem Kopf. Das ist natürlich plumper Unsinn. Es gab sowohl als auch. Auf beiden Seiten, ganz klar. Es gab im Westen keinen Auftrag. Es gab ihn natürlich unausgesprochen, das heißt, der Zeitgeist war der Auftrag. Und das ist schon ein Unterschied, Zeitgeist und Auftrag. Es ist nicht...

Konstruktionen von Theaterarbeit in Ost und West

Wilde Dramaturgie – Nachdenken über Textarbeit

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

Sie waren an der jüngsten Erneuerung des deutschen Kinos beteiligt, die da Anfang der nuller Jahre mit Good Bye, Lenin! von Wolfgang Becker, Die fetten Jahre sind vorbei von Hans Weingartner und Yella von Christian Petzold eben sehr markante Filme hervorbrachte, und diese Richtung wurde bereits 1992 mit Wolfgang Beckers Kinderspiele eingeschlagen? Ich bin wahrscheinlich nicht wirklich dazu berufen, das so genau zu analysieren, aber ich glaube, dass mit diesem Film auf jeden Fall die Möglichkeit Einzug hielt, sich als Filmemacher auch an extremeren Positionen abzuarbeiten. Auf keinen Fall die Sache nur auf Komödien beruhen zu lassen, oder feuilletonistischen oder filmessayistischen Erzählweisen, sondern tatsächlich auch einen gewissen harten Realismus auszuprobieren. Diese Filme, da weiß ich gar nicht, ob die sich überhaupt vergleichen lassen. Ein Film wie Yella hat mit einem Film wie Kinderspiele eigentlich gar nichts zu tun. Richtig allerdings ist, dass es die künstlerische Spitze einer Generation oder des Filmemachens einer bestimmten Zeit abbildete. Dadurch hatte ich einen Zugang zum Film, der sehr erfüllend war. Ab Good Bye, Lenin! gab es eine kontinuierliche Arbeit im Film. Was ist da passiert? Vorher hab ich hauptsächlich Theater gespielt. Dann ging es weiter mit dem wunderbaren Hans-Christian Schmid, mit dem ich später...

Arbeit mit den Regisseuren der neuen Welle des deutschen Kinos

All die schönen Menschen

Unboxing Chévere

„Es geht um magische Momente“

Sie sagen, Stephen Parker war die wichtigste Quelle, um ein anderes Brechtbild zu erarbeiten? Ganz und gar nicht, der Witz ist, dass diese Biografie auf Deutsch erst erschienen ist, als der Film schon abgedreht war, aber es waren natürlich Informationen über den Inhalt dieses Buches durchgedrungen. Wie stellt man Brecht dar? Wir haben uns viel mit dem Werk beschäftigt, zu Recht natürlich, denn das Werk ist unvergänglich, der Körper ist vergänglich. Der Körper schafft aber das Werk, diese Dialektik muss eine Rolle spielen, sonst ist das blutleer und uninteressant und auch unwahr. Für seine Darstellung muss man Anhaltspunkte haben und dafür gab es nur wenig Material im Brechtarchiv, wie man weiß, eher Tonmaterial. Wie diese Tonmitschnitte von Proben, zum Beispiel Brecht probt das Leben des Galilei und wird mit Ernst Busch nicht fertig. Und es gibt natürlich die Syberberg-Filme, die sind stumm. Da siehst du einiges, aber nicht genug. Jedenfalls sind diese Tondokumente aufschlussreich, weil man da Einiges erfährt über seinen psychischen Haushalt und den, wie er sich selbst nennt, „Melancholeriker“. Die Verbindung von Melancholie und Cholerik, das hört man aus dieser merkwürdigen Stimme, die überhaupt keine Anbindung an die hiesige Landschaft hat. Wie muss der den Berlinern hier vorgekommen...

Wie stellt man Brecht dar?

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Systemcheck

„Das Etikett ‚AUFSTREBEND‘ ist grausam und hält die Autorinnen klein“

Peter Stein ist um zwölf Jahre älter als Sie. Was hatten Sie damals von ihm gesehen, als alle in Berlin zusammenkamen? Und was war die Erwartung, wie es mit ihm weitergehen würde? Peer Gynt als wichtiges Erlebnis Erstmal hatte ich nur von ihm gehört. Ich hatte Viet Nam Diskurs oder Gerettet, seine zwei Inszenierungen in den Münchner Kammerspielen, nicht gesehen. Das rutschte irgendwie durch, oder ich war mir als Oberschüler der Bedeutung nicht bewusst, oder ich hatte keine Zeit. Da gibt es tausend Gründe, warum man was verpasst. Dann kam Bremen, davon hörte ich als Schüler in München nur ganz am Rande. Das war mir kein Begriff, auch Peter Zadek zu der Zeit noch nicht. Erst als Stein nach Berlin kam, erinnerte ich mich: „Aha, da gab es doch schon in den Kammerspielen eine Aufführung, von der alle geredet haben, Gerettet.“ Damals Aufführung des Jahres von Theater heute. Also bin ich in alles gepilgert, was nun von ihm zu kriegen war. Es fing mit der Mutter an. Therese Giehse war mir natürlich ein Begriff aus München, auch schon als Schüler. Und dann kam als Nächstes schon der Peer Gynt. Es kamen parallel immer auch sehr linke Projekte wie Das Verhör...

Die Schaubühne Peter Steins

Ein Wald in Flammen

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Was macht das Theater, Juan Mayorga?

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Das klingt, als wäre es trotzdem leicht gewesen, sich eine eigene Position zu erarbeiten und weder in eine bestimmte Richtung gedrängt zu werden noch eine Belastung verarbeiten zu müssen. Es fiel mir im Gegenteil sehr schwer, eine eigene Position zu erobern, denn die Unveränderbarkeit der Lebensumstände schien gewaltig. Der Antikommunismus war die Haltung, auf die sich im westlichen Lager alle einigen konnten, natürlich auch die Sozialdemokraten. Deshalb war der Schwenk vom antikommunistisch erzogenen kleinen Jungen, der Berlin den Amerikanern verdankte, hin zu einem, der in der 68er-Bewegung plötzlich hinter einer roten Fahne herlaufen sollte, größer nicht vorstellbar. Dazu muss man sich die dritte Station meiner Kindheit in Berlin vor Augen halten. Ich war ein Jahr auf dem altsprachlichen Gymnasium in Steglitz, dem „Heese-Gymnasium“. Bis zum durch die wirtschaftlichen und politischen Schwierigkeiten bedingten Umzug 1962 nach Bayern. Das Altgriechische blieb mir so erspart. Der Direktor hatte auf der Inaugurationsveranstaltung der neuen Jahrgänge im Titania-Palast eine Rede gehalten, die Griechisch begann und mit einem griechischen Zitat endete. Da wurde einem Zehnjährigen natürlich schwarz vor Augen, weil man dachte: „Was kommt da auf mich zu?“ Heutzutage sage ich „schade“. Wie bei so vielen Dingen, die einem als Kind schrecklich erscheinen und später unter...

Ausgangslage der politischen Selbstfindung

Die eigene Dringlichkeit

Das haben die Eltern nicht verachtet? Natürlich. Viel schlimmer waren aber der Comic Sigurd und ähnliche „Schundheftchen“ genannte Publikationen, bei denen erstens die Druckqualität ganz miserabel war, das sprachliche Niveau niedrig und die Anbindung an – ja, man kann wirklich sagen – völkisches Gedankengut viel stärker als bei Micky Maus. Die in der Laubenkolonie gegenüber wohnenden bösen Jungs, die lasen alle Aki und Sigurd und Prinz Eisenherz. Im Grunde waren sie die Verlängerung der damals sehr verbreiteten Landser-Heftchen für Erwachsene. Der Zeitungskiosk bot eine große Publikationsfülle von Zweiter-Weltkriegs-Literatur. Ein Kind schnappt das natürlich irgendwo auf, möchte das dann auch haben. Enid Blyton spielte noch eine Riesenrolle, diese Kinderbuchliteratur aus England, die mich wirklich absolut fasziniert hat, Die fünf Freunde und noch andere Reihen. Eine, die mich besonders beeindruckt hat, hieß Geheimnis. Die Titel in der „Geheimnisreihe“ lauteten z. B. Geheimnis um einen nächtlichen Brand. Es ging um eine Kindergruppe, die merkwürdige Verbrechen aufklärte unter Führung von Dicki Kronsbein, ein relativ beleibter Junge, der die Fälle jeweils löste, indem er sich verkleidete und in Konkurrenz stand mit dem Dorfpolizisten „Wegda“, einem noch beleibteren englischen Bobby, der mit seinem „Weg da! Weg da!“ dazwischenfunkte. Dass die Kinder immer die Fälle aufklärten, machte...

Erster Auftritt als Detektiv

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Mit der Wirklichkeit passt das erstmal nicht so zusammen. Oh doch. Die DDR hat ja nicht so schnell neu gebaut wie Westdeutschland, das schnell versuchte, die Vorzeit zu beseitigen. Die Trümmer standen und die Trümmer erinnerten natürlich eher an die Vortrümmerzeit als an die Trümmerzeit. Die Moderne war in der DDR nicht so eingezogen wie im Westen, auch im Design. Ich habe mich mit allen darüber unterhalten. Alle, die ich sprach, haben ähnlich empfunden: Die Reise in die DDR ist eine Reise in die dreißiger Jahre. Da ist noch das Deutschland von vor dem Krieg sichtbar. Am Kollwitzplatz natürlich besonders durch die Einschusslöcher in den Häuserwänden … Das sowieso. Einschusslöcher gab es zwar auch im Westen, aber durch den Unterschied in der technologischen Entwicklung hatte man wirklich das Gefühl einer Zeitreise in die Vergangenheit und gar nicht so sehr in eine sozialistische Gegenwart. Wie ließ sich das bei Sagert künstlerisch erkennen? Der war von der Formsprache her nicht unbedingt der Moderne zuzurechnen. Nein, er teilte das ja mit vielen DDR-Künstlern. Da müsste man sich mal genauer drüber hermachen, welche Art von Moderne denn in der DDR-Bildwelt und -Bühnenbildwelt vertreten ist oder welche Art von Tradition fortgetragen und umgewandelt wird. Also...

Die DDR als Reise in die Vergangenheit

Wenn der Shylock eine besonders gesuchte Herausforderung war: Gibt’s denn noch ähnliche Rollen, die Sie gerne gespielt hätten oder noch spielen wollen? Ja, es gibt natürlich gerade die Rollen, die ich versäumt hab, weil ich eine Zeit lang zu sehr nur dem Ensemblegedanken anhing. Das sind Rollen, die würde ich heute gerne nachholen, der Prinz von Homburg oder Romeo zum Beispiel. Das wird aber wahrscheinlich kaum passieren, oder? Bei Romeo wohl nicht (lacht). Ich würde allerdings sagen, es gibt eigentlich keine Grenzen, keine Altersgrenzen für Figuren. Man kann unter Umständen ganz überraschende Volten dramaturgischer Art schlagen, wenn man sich von diesen Alters- und Generationsgedanken mal befreit. Ich verrate mal ein Beispiel, das ist der Wetter vom Strahl im Käthchen von Heilbronn. Wetter vom Strahl, besetzt mit einem Mann meines Alter, würde bedeuten, dass die Obszönität, dass dieses Käthchen unter allen Umständen diesem Mann gehören will, diesem Wetter vom Strahl, der darüber völlig konsterniert und auch etwas erschreckt ist, nochmal eine ganz andere Dimension bekäme. Bei einem gleichaltrigen Ritter Wetter vom Strahl ist es einfach eine gut nachvollziehbare Liebesgeschichte. Die Sprengkraft des kleistschen Stückes würde sich unter Umständen in einer Konstellation älterer Wetter vom Strahl – ganz junges Käthchen erst wirklich...

Versäumte Rollen

Das Cartoonartige ausloten

Rufer in der Wüste

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Schaubühne am Lehniner Platz

backstage "PETRAS"

backstage "OSTERMEIER"

Arbeitsbuch 28 "Luk Perceval"

Burghart Klaußner im Alter von zwei Jahren – die Eltern 1951

backstage "HÜBNER"

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Thomas Ostermeier ist einer der bekanntesten europäischen Theatermacher und gilt vielen als "das Gesicht des modernen deutschen Theaters" (DIE ZEIT). Seine großen Ibsen-Inszenierungen und sein "Hamlet" mit Lars Eidinger touren durch alle Kontinente; die Berliner Schaubühne, die er seit 1999 künstlerisch leitet, wird international gefeiert.
Im Gespräch mit Gerhard Jörder erzählt Thomas Ostermeier von seinem Weg zum Theater, das ihm nach den Konflikterfahrungen seiner Jugend "eine Art Lebensrettung" wurde. Selbstbewusst und selbstkritisch, offensiv und nachdenklich rekapituliert er die frühen Triumphe an der Baracke des Deutschen Theaters, die schwierigen Anfänge an der Schaubühne und den wachsenden Erfolg seines politisch engagierten realistischen Theaters gerade beim jungen Publikum. Entschieden kritisiert er die apolitische Haltung seiner Generation, den postmodernen Mainstream und die verengten ästhetischen Diskurse des deutschen Theaters, leidenschaftlich bekennt er sich zu den festen Institutionen der Kultur, zur Ensemble-Idee und zur kreativen Arbeit mit den Schauspielern - Kern seines Verständnisses von einem zeitgemäßen Theater, das nicht Formen, sondern Menschen zum Mittelpunkt macht.
Mit einem Vorwort von Gert Voss
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OSTERMEIER

Burghart Klaußner ist ein eigenwilliger Kopf. Hineingeboren in die Nachkriegswirren Berlins, sagt er über sich selbst: „Ich bin ja mitten in eine Rabauken-Zeit hineingewachsen und habe mir auch nichts sagen lassen wollen. Das ist geblieben: Ich lasse mir nicht gern Vorschriften machen.“ Sein Drang nach Unabhängigkeit hat seiner Karriere nicht geschadet, im Gegenteil: Burghart Klaußner gilt als einer der besten und originellsten Schauspieler unserer Zeit. Er ist seit Jahrzehnten erfolgreich auf der Bühne und im Film und führt darüber hinaus Regie, singt und hat sich jüngst auch als Schriftsteller einen Namen gemacht.
Anlässlich seines 70. Geburtstags erzählt Burghart Klaußner im Gespräch mit Thomas Irmer von seinem Leben und seiner künstlerischen Arbeit. Das Theater ist ihm Heimat, Film Begegnung, sagt er. Er berichtet über seine Anfänge an der Berliner Schaubühne am Halleschen Ufer und am Schiller-Theater Anfang der siebziger Jahre und seinen Weg zu allen wichtigen deutschsprachigen Schauspielhäusern, u. a. in Berlin, Köln, Hamburg, Düsseldorf, Dresden, Bochum und Zürich. Und er spricht über seine Film- und Fernsehrollen, etwa als Pastor in „Das weiße Band“ von Michael Haneke oder als Brecht im gleichnamigen Dokudrama von Heinrich Breloer.
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KLAUSSNER

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
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HÜBNER

Luk Perceval hat nach zwanzig Jahren Arbeit im deutschen Theater – von der Berliner Schaubühne über die Münchner Kammerspiele zum Thalia Theater Hamburg – ein großes Kapitel abgeschlossen und mit der Rückkehr nach Belgien zugleich ein neues eröffnet.
Das Arbeitsbuch bilanziert Percevals Theaterarbeit und entwirft mit ihm ein wesentliches Modell der Gegenwart: das Künstlertheater des 21. Jahrhunderts. Langjährige Arbeitspartner wie die Bühnenbildnerinnen Katrin Brack und Annette Kurz und die Perceval eng verbundenen Schauspieler Thomas Thieme und Patrycia Ziółkowska geben dazu Auskunft.
 
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Luk Perceval

Valery Tscheplanowa trat wie eine Explosion auf die Bühne. „Ich bin Ophelia. Die der Fluss nicht behalten hat. Die Frau am Strick. Die Frau mit den aufgeschnittenen Pulsadern.“ Mit diesen Worten fesselte sie 2007 das Publikum im Deutschen Theater Berlin von der ersten Sekunde an. Mur­melnd, rufend, schreiend. Seit dieser Inszenierung von Heiner Müllers „Hamletmaschine“ in der Regie von Dimiter Gotscheff sind zwölf Jahre vergangen, in denen Valery Tscheplanowa wie ein Irrlicht durch die Stadttheater zog und längst auch ihren Weg zum Film gefunden hat. Es waren trotz beglücken­ der Momente auch Kämpfe, die sie dort austrug – gegen den Betrieb und für die Kunst.
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 Dieser reich bebilderte Gesprächsband schil­dert die Reise einer eigenwilligen Schauspielerin, die 1980 im sowjetischen Kasan beginnt, den Leser durch die Wirren des Systemumbruchs in ein ein­sames norddeutsches Dorf führt, von russischen Schamanen, hilflosen Intendanten und palästinen­sischen Macho­-Frauen erzählt und mit ihrer Theaterarbeit mit Dimiter Gotscheff und Frank Castorf noch lange nicht endet.

TSCHEPLANOWA

Das Theater von Armin Petras gleicht oft einer Kinderzeichnung – nur wenige Stri­che, und die Wahrheit leuchtet auf: Was man alles nicht braucht! Dieses Theater ist eine quirlige, überdrehte, wilde, improvisierende, rasende, herzwehe Spielbude. Der 1964 in Meschede Geborene leitete das Schauspiel in Nordhausen und Kassel, er war Intendant am Berliner Maxim Gorki Theater und am Schauspiel Stutt­gart. Und Regie landauf, landab, ohn’ Unterlass. Er ist ein Perfektionist des Un­fertigen, in dessen Inzenierungswerk die Traurigkeit kostbare Schattenflecke auf Lichtungen der Clownerie zaubert.
In Gesprächen mit Hans­-Dieter Schütt er­zählt Petras von seinem Leben, erzählt von Fußball­-Weltmeisterträumen, vom Boxen und von Nächten im eigenen Wald. Ein „Immerwerker“, der nur die Unablässigkeit leben kann, nicht die Lässigkeit. Seine Devise: Nutze den Tag, der in jeder Sekunde steckt. Stets ein Leben zwischen Ost und West – von Freiheit bleibt eines: die Suche danach. Es entfaltet sich die Biografie eines Denkens, das sich an Darwin entzündet und an Foucault. Ins Bild kommt auch das Alter Ego des Regisseurs, der erfolgreiche Stückeschreiber Fritz Kater. Unter diesem Pseudonym schreibt Petras eine Dramatik jener Ver­wundungen, die den Menschen treffen, wenn er zu schmächtig, zu fühlsam ist für die Kälte der Welt.
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