Ein Kampf, der es wert ist

Das Gegenteil von Selbstherrlichkeit und Schwarzmalerei

Popanz der Macht

Ich will die Menschen ausroden von der Erde

Das Kraftzentrum

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Am 11. Februar 2017 eröffnete das HELIOS Theater in Hamm zum nunmehr 7. Mal die bisher größte Ausgabe des internationalen Kinderund Jugendtheaterfestivals hellwach, in dessen Rahmen insgesamt zehn Produktionen aus Dänemark, Frankreich, Italien, der Türkei, Deutschland, Südafrika und Ruanda in der Region Hellweg zu sehen waren. Die Betrachtung ausgewählter Produktionen gibt einen Einblick in das breite Programmspektrum.

Schlaglichter auf das hellwach-Festival in Hamm

Anders hinsehen

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

Theater und Therapie im 21. Jahrhundert seien wie „distanzierte Geschwister“, so der Theaterwissenschaftler Matthias Warstat. Obwohl viele Theaterprojekte der Avantgarde im 20. Jahrhundert in therapeutischer Absicht auf gesellschaftliche Krisen Bezug genommen hätten, herrsche nach wie vor große Skepsis auf beiden Seiten. Theater und Therapie seien nur in dem Falle „miteinander verträglich“, wenn weder die Autonomie der Kunst noch das Verfahren und das Instrumentarium der Therapie absolut gesetzt würden. In den...

Editorial

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Der Krieg und die „Kulturrevolution“

Barrieren-frei – gibt es doch gar nicht! Stimmt: Weder sprachlich – im Singular kennen wir den Begriff aus einem inklusiven Kontext – noch inhaltlich – denn was ist wirklich frei von Hindernissen und zugänglich für alle? Die Utopie in unserer Wortneuschöpfung versucht sich die Tatsache zu vergegenwärtigen, dass es so vielfältige Hindernisse gibt wie Menschen mit unterschiedlichen Bedürfnissen. Der erste Schritt zu weniger Barrieren ist, diese als solche zu erkennen....

Wende und Wandel

Das Lied der Guano-Vögel

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

„Ich wage deshalb die These, dass Männer die besseren Puppenspieler sind als Frauen.“ Jürgen Klünder begründet diese provokative Aussage, die 1989 in der Zeitschrift „Das Figurentheater“ erschien, aus dem Unvermögen der Männer, Kinder zu gebären. Deshalb seien sie in der künstlerischen Schöpfung kreativer. Prompt folgte eine Entgegnung der Künstlerin Renate Schweizer: „Dadurch, dass Frauen nun ins Figurentheater drängen, fordern sie von Männern nicht automatisch, sich in den Hintergrund zu begeben.“ Sie verlangte, die „einseitige Schwarz-Weiß-Sicht“ endlich aufzugeben und „die vielen Farben zwischen den Extremen wahrzunehmen“. Vor diesem Hintergrund sollte man die ungeheure Entwicklung schätzen, die das Figurentheater durchlaufen hatte, als Katja Spiess 2002 eine Ausgabe von „Das Andere Theater“ der Frage widmete, ob es eine besondere weibliche Ästhetik gebe. Schon damals verwiesen die befragten Frauen auf ihre künstlerische Autonomie, unabhängig von ihrem Geschlecht. Und heute? In den Museen werden die lange unbeachteten Werke von Frauen* wiederentdeckt, das Theater hinterfragt Machtmissbrauch infolge von #MeToo. Seit 2018 wird in Deutschland offiziell ein drittes Geschlecht anerkannt und eine gerechtere Verteilung der Familien- und Hausarbeit in Partnerschaften scheint sich, trotz allen konservativen Gegenwinds, zu entwickeln. Viel ist erreicht, viel im Werden – aber ein weiter Weg liegt noch vor uns, wenn es um eine...

wann, wenn nicht jetzt?

Digitalisierung (von lat. digitus, Finger und engl. digit, Ziffer) meint in der ursprünglichen Bedeutung zunächst einmal die „Umwandlung von analogen Werten in digitale Formate“ sowie deren Verarbeitung und Speicherung. Wir haben es also im Grunde mit einer Art Übersetzungsleistung zu tun, in deren Rahmen eine analog vorliegende Information, oft über mehrere Stufen, in ein numerisches, digitales Signal umgewandelt und eine Simulation der Ausgangsdaten erschaffen wird, die unsere Sinne wiederum über...

In den vergangenen Jahren, so die Ausgangsbeobachtung, die der inhaltlichen Ausrichtung des speziell für Künstler*innen des Figurentheaters aufgelegten Sonderprogramms KONFIGURATION des Fonds Darstellende Künste zugrunde liegt, rückten die Zusammenhänge zwischen den Phänomenen der Digitalisierung und den künstlerischen Praktiken des Figuren- und Objekttheaters verstärkt in den Fokus. Beide können eine Stellvertreterschaft des Menschen erzeugen, die sich in Robotern, Avataren, Drohnen, Virtual bzw. Augmented Reality, um nur einige Beispiele zu nennen, ebenso ausdrückt wie im animierten Theaterobjekt. Projektleiterin Christina Röfer gibt beispielhafte Einblicke in einige geförderte Vorhaben und beobachtet verschiedene künstlerische Strategien zum Umgang mit dem Digitalen.

Digitalstrategien im Figurentheater

Von pluralen Zuständen

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

Spanische Theaterautor:innen im Überblick

Zuhören. Eine radikal-politische Erfahrung

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Theater und Arbeiterklasse

Das Risiko des zeitgenössischen Dramas

Sich selbst begegnen statt zuschauen In eine besondere Umgebung begibt man sich auch, wenn man entlang der massiven Mauern in den Erlanger Burgbergkeller hineinläuft und in der vollkommenen Dunkelheit schließlich jegliche Orientierung verliert. Plötzlich blitzen auf einer riesigen Leinwand nur für Sekunden grelle Muster und Formen auf und offenbaren nicht nur die beeindruckende Größe des Gewölbes, sondern hinterlassen visuelle Eindrücke, die unmittelbar auf der Netzhaut nachhallen, während tiefe Klangimpulse den Körper durchdringen. Ähnlich wie bei „FEED“ – Kurt Hentschlägers immersiver Installation, die uns bereits 2009 im Experimentiertheater mittels dichtem Nebel und Stroboskoplicht in eine psychedelisch-rauschhafte Farben- und Musterwelt eintauchen ließ – scheint auch seine aktuelle Arbeit „SOL“ Raum und Zeit aufzulösen und konfrontiert die Besucher*innen mit der eigenen Wahrnehmung, indem unmittelbar erlebte visuelle, akustische und sensorische Resonanzen ästhetischer Vorgänge das gewohnte Körperempfinden radikal herausfordern. Moran Duvshanis „Cardiophone“ lenkt die Aufmerksamkeit noch weiter ins Körperinnere und nimmt die Besucher*innen während ihrer Einzeltermine mit auf eine Reise zu sich selbst. In der Stille und Geborgenheit der Neustädter Kirche werden im Laufe dreier, immer weiter den Turm hinaufführender Stationen zunächst die Herztöne aufgezeichnet und in einen Lochstreifen gestanzt, der dann schließlich mittels einer Spieluhr die ganz persönliche Herzmelodie erklingen lässt – simpel und...

Es herrschte bestes Sommerwetter in Franken, während das 21. Internationale Figurentheaterfestival seine rund 22.000 Besucher*innen vom 24. Mai bis 2. Juni 2019 mit einem gewohnt vielfältigen Programm quer durch die Metropolregion führte. Neben den altbekannten Veranstaltungsräumen – wie dem Erlanger Markgrafentheater, dem Schwabacher Stadtmuseum, der Nürnberger Tafelhalle oder dem Fürther Kulturforum – wurde mit „La Spire“ von Chloé Moglia/Rhizome und ihrer riesigen, spiralförmigen Stahlkonstruktion die Wiese am Europakanal akrobatisch bespielt, AKHE lieferten mit „Utopie“ eine anarchische Feuershow auf dem Erlanger Großparkplatz, der amerikanische Street Art-Künstler David Zinn ließ seine kreidegezeichneten Phantasiewesen „Sluggo &amp; Phil“ durch die Fürther Innenstadt ziehen und Rimini Protokoll befragten mit dem Publikum an Bord eines zur Tribüne umgebauten LKWs in „DO‘s &amp; DON‘Ts“ die sichtbaren und unsichtbaren Regeln der Gesellschaft bei einem Roadtrip durch Nürnberg.

Das 21. Internationale Figurentheaterfestival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach

Begegnungen zwischen Individuum und Kollektiv

Puppenspiel trifft auf Hip-Hop in „The Broke 'N' Beat Collective“

Broke but not broken

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Gewaltdarstellung im Theater ist ein ambivalentes Feld. Scheint sie einerseits in einer künstlerischen Form, die im Spiel über die Welt nachdenkt, probates Mittel der Reflexion, Aufklärung oder Analyse, gerät sie andererseits schnell in die Falle der Ästhetisierung oder Profanisierung und muss sich den Vorwurf der Verharmlosung gefallen lassen. Auf den Bühnen des Figurentheaters begegnet sie uns in unterschiedlichsten Formen, denen wir uns im Thementeil dieser Ausgabe von double aus zwei...

„I wish nobody ever loves you, you piece of shit!”, faucht die Performerin Danielle Cohen Levy ins Mikrofon. Die schlimmste aller Beleidigungen wollte sie kreieren: Politisch korrekt sollte sie sein, weder sexistisch noch rassistisch noch sonst irgendwelche Machtstrukturen bedienend. Aber zugleich wirklich böse – eine wohl durchdachte verbale Vernichtung. Konflikte können sich unterschiedlich äußern und vielfältig verletzen, etwa als Meinungsverschiedenheit, als gewaltsame Auseinandersetzung oder gar als tödliches Kriegsszenario. Selbst gut gemeinte Komplimente können zur Kränkung werden, wie gleich zu Beginn des Stücks augenzwinkernd deutlich wird: „I’m sure there are people who really like what you do.” Mit artistischem Geschick und viel Humor haben Cohen Levy und ihre Mitstreiter in einem stark körperlichen Zugang szenische Übersetzungen für dieses breite Konfliktspektrum gefunden und bringen dessen verschiedene Dynamiken virtuos und im wahrsten Sinne des Wortes ins Spiel. Der richtige Ton Schon die mit Folie ausgekleidete Bühne indiziert die Versuchsanordnung. An den Seiten sind verschiedene Requisiten zunächst sorgfältig aufgereiht, später zeugt das hinterlassene Chaos stumm von den verhandelten Konflikten und Streichen: Als Namer Golan etwa ein Beil auf der Stirn balanciert, um es mit einem schwungvollen Stoß vermeintlich auf einen Holzblock krachen zu lassen, den die Kolleg*innen jedoch durch seinen Laptop ersetzt haben, splittern...

Namer Golan, Gil Lavi, Danielle Cohen Levy und Tomilio Munz bilden das israelische Künstler*innenkollektiv Worst Case Scenario, deren Performance „23 thoughts about conflict“ bei der Fidena 2018 zu sehen war (besprochen in double 38). In einer collagenhaften Versuchsanordnung werden darin 23 der Wirklichkeit entlehnte Szenarien, in denen Alltagssituationen (beinahe) eskalieren, als poetisch-artistische, mal humorvolle, mal nachdenkliche Nummernrevue durchgespielt.

„23 thoughts about conflict“ von Worst Case Scenario

Balanceakte

Der Anti-Katastrophenfilm

Ein Mann in allen Medien

Wilde Dramaturgie – Nachdenken über Textarbeit

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

Unboxing Chévere

„Es geht um magische Momente“

I do you!

Alissa Mello, Claudia Orenstein und Cariad Astles legen mit „Women and Puppetry“ einen Sammelband vor, der sich als erste Publikation in dieser Komplexität dezidiert dem Themenfeld Frauen und Puppentheater widmet. Ausgehend von der Beobachtung, dass Frauen – wie in so vielen gesellschaftlichen Bereichen – zwar im Figurentheaterbereich stark vertreten, aber im öffentlichen Diskurs damals wie heute weit weniger sichtbar sind als ihre männlichen Kollegen, versammelt der Band konsequent diverse und ausschließlich weibliche Stimmen von Theoretikerinnen und Künstlerinnen, die sich jeweils differenziert mit (weiblichem) Puppentheater in speziellen historischen und kulturellen Kontexten auseinandersetzen und dabei Aspekte wie Gender oder soziales Umfeld ebenso mit einbeziehen wie persönliche Perspektiven. Dieses breite Themenfeld strukturieren die Herausgeberinnen, indem sie die Beiträge in drei Kapitel einordnen und damit dramaturgisch den Fokus vom Abstrakten ins Konkrete, von gesellschaftlichen Diskursen zu persönlichen künstlerischen Statements schärfen. Im ersten Teil, „Critical perspectives on women in puppet theatre“, werden gesellschaftliche Diskurse zum Thema Weiblichkeit beleuchtet und im Kontext von Figurentheater erforscht. Während Laura Purcell-Gates den weiblich gelesenen Puppenkörper vor dem Hintergrund des Unheimlichen diskutiert (siehe auch S. 20ff. im Heft), analysiert Deniz Basar Puppentheater als Möglichkeit, um dort über Weiblichkeit und Sexualität zu sprechen, wo kulturelle Normen diese tabuisieren. Kyounghye Kwon wiederum...

Women and Puppetry. Critical and Historical Investigations

Kritisch, international, persönlich

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Systemcheck

„Das Etikett ‚AUFSTREBEND‘ ist grausam und hält die Autorinnen klein“

Es waren besondere Bedingungen, unter denen im Herbst letzten Jahres der renommierte Fritz-Wortelmann-Preis verliehen wurde. Die Veranstaltung, die sonst alle zwei Jahre zu einem prall gefüllten Programm-Marathon voller unterschiedlicher Eindrücke, Austauschformate und – natürlich – den Verleihungsfeierlichkeiten nach Bochum einlädt, fand nun erstmalig online statt. Die Veranstalter*innen des Deutschen Forum für Figurentheater und Puppenspielkunst (dfp) waren entschlossen, der pandemiebedingten Vereinzelung des Publikums etwas entgegenzusetzen und luden in eine detailliert gestaltete virtuelle Festivallandschaft ein, die rund um die (teils live gespielten, teils aufgezeichneten) Vorstellungen zu lockerem Austausch animierte. Auch die 21 gezeigten Wettbewerbsproduktionen aus ganz Deutschland, die vom 16. bis 19. September 2021 in drei Kategorien gegeneinander antraten, zeugten in ihrem Ideenreichtum und dem Experimentieren mit (digitalen) Formaten von einer unaufhaltsamen Lust am Spiel: Zeitgenössisches Puppenspiel (z. B. Kreatur: „Creatures Hill“, Janna Mohr: „Panne?!“, Aika &amp; Kompagnons: „Die Echosammlerin“) gab es ebenso zu sehen wie Schattentheater (Tangram Kollektiv: „Schattenwerfer“ oder Akademie für Kunst und Musik Düsseldorf: „Der Zauberer von Oz“), Miniaturtheater (Yazmin van de Loo: „Rose“), Material- bzw. Objekttheater-Performances (z. B. äöü: „Aus dem Innenleben eines Staubsaugerbeutels“, LimoN: „Das blinde Sehen“) oder (Figuren-)Theaterfilme (z. B. Human Beans: „Unbehagen“, Hybride Formen von spielmitte e.V.: „Das Raumzeitjojo“, Figurentheaterbande des Theaterreviers: „Illuminatoren Nihau!“). Ein...

Zur 47. Verleihung des Fritz-Wortelmann-Preises

Formenvielfalt und Spielfreude

Ein Wald in Flammen

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Was macht das Theater, Juan Mayorga?

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Die eigene Dringlichkeit

Unser Verhältnis zur Natur ist widersprüchlich: Fast täglich zeugen Berichte über Artensterben, Umweltkatastrophen, kapitalistisch motivierte Ausbeutung von Ressourcen oder die all das umfassende Klimakrise vom rücksichtslosen Umgang des Menschen mit der Erde. Gleichzeitig legen wir Wert auf gesunde Ernährung, Tierschutz oder Outdoor-Aktivitäten und beschreiben das Leben im Einklang mit der Natur nur zu gern als Idealzustand. Die drei hier beleuchteten Performances thematisieren diese komplizierte Beziehung auf sehr unterschiedliche Weise – und stellen unsere Perspektive auf die Natur infrage. Natur erleben Im Rahmen der vierten Ausgabe des Theaterfestivals FRATZ International zeigen Angela Schubot und Jared Gradinger mit „YEW:kids“ (dt. Eibe) eine ungewöhnliche Performance für Menschen ab drei Jahren im Botanischen Volkspark Pankow. Als Expeditionsgruppe starten wir einen gut 40-minütigen Spaziergang durch Feld, Wald und Wiesen und werden dabei, so hören wir gleich zu Beginn, „auf Wesen treffen, die vielleicht kein Gesicht oder kein Vorne haben.“ Doch zunächst probieren wir die saftigen Blätter des Sauerampfers und hören, wie die Pflanze klingt: Mit einer App wandelt der Sounddesigner Stefan Rusconi deren Impulse in helle Laute um. Die Natur1 ist zutiefst lebendig und auch das erwachsene Publikum tritt neugierig mit ihr in Kontakt. Zwar erwische ich mich dabei, über im Gras lauernde Zecken...

Von überraschenden Begegnungen und ungewöhnlichen Allianzen

Die (menschliche) Natur im Fokus

Überall herrscht Materialknappheit: Holz fehlt auf dem Bau, Chips in der Automobilindustrie. Überall? Nein! Im Figurentheater ist Material vorhanden – immer schon und in größter Vielfalt! Nicht nur, wenn es sich um „Materialtheater“ im engen Sinne handelt, bildet das Material die physische Grundlage jeder Inszenierung. Es wird ausgewählt, bearbeitet, mit anderen Materialien kombiniert und schließlich bespielt. Es wird vom Publikum wahrgenommen, das dann seine eigenen Materialerfahrungen im Rezeptions-Gepäck hat. Und...

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Das Cartoonartige ausloten

double: Inwiefern spielt die Auseinandersetzung mit dem Thema Geschlecht eine Rolle in eurer Ausbildungs- und Arbeitspraxis? Jemima Milano: Ich studiere hier noch im vierten Jahr und bin parallel im Engagement am tjg. in Dresden. Tatsächlich ist für mich einer der Gründe, warum ich auf den Puppenspielzug aufgesprungen bin, diese Offenheit, Freiheit, diese Befreiung, auch von Geschlechtern. Dass ich einfach spielen kann was und wen ich will, ohne diese Beschränkung zu haben, die mir ja mein eigener Körper vorgibt. Dass ich jede Erweiterung wählen kann, auch in Bezug auf Material. Frank Becker: Ich habe mich in den letzten Jahren speziell damit beschäftigt, inwiefern das Bühnenlied Fragen aufgreift wie: Wer bin ich auf der Bühne? Wie transformiere ich mich, wenn ich mit einer Puppe arbeite? Hat das Material eine geschlechtliche Konnotation oder kann man das damit in Verbindung bringen? Wenn wir mit Material arbeiten, müssen wir hinterfragen, wie es durch unsere Perspektive vielleicht vereinnahmt wird. double: Es gibt oft eine relativ klare gesellschaftliche Vorstellung davon, wie eine männliche und wie eine weibliche Stimme klingt. Wie geht ihr hier damit um? Ulrike Völger: Es ist nicht so, dass wir im Unterricht ständig darüber sprechen. Etwa: „Deine Stimme müsste...

Die Stimme ist keineswegs bloße Biologie, auch ihr sind gesellschaftliche Konnotationen eingeschrieben. Für double sprach Christina Röfer mit den Dozent*innen Prof. Ulrike Völger (Sprecherziehung) und Frank Becker (Musik/Gesang) sowie mit Jemima Milano (4. Studienjahr, Ensemble tjg. Dresden) über Stimme, Geschlecht und produktive Brüche im Figurentheater.

Ein Gespräch über Stimme, Geschlecht und Figurentheater in der Ausbildung an der Berliner HfS Ernst Busch

Auf der Suche nach all den Stimmen

Rufer in der Wüste

Puppentheater aus Zwickau in meinem Berliner Wohnzimmer – nach den Streaming-Marathons in Pandemiezeiten zwar nicht mehr so ungewöhnlich, doch der heutige Abend verspricht Neues: Per Post wurde mir das Theaterset zugestellt, dem ich nun VR-Brille und Kopfhörer entnehme. Kurz darauf sitze ich im digitalen Saal des Puppentheaters und steuere mit meinem Blick den Start-Button an: Die Vorstellung kann beginnen! Die Bühne befindet sich um mich herum und ich folge mit Blicken den seitwärts ziehenden Nebelschwaden, dem sanft von oben herabfallenden Herbstlaub, den hinter mir erklingenden Stimmen oder dem Bewegung verheißenden Rascheln der Blätter. Dabei drehe und wende ich mich auf meinem Sitzplatz, während ich mich zugleich, dem virtuellen Wolkenstrudel sinnbildlich folgend, immer tiefer in die Geschichte hineinziehen lasse. Im stark reduzierten, überwiegend aus Naturmaterialien gefertigten Waldsetting beschwört die knapp halbstündige Inszenierung unter der Regie von Monika Gerboc eine morbide Atmosphäre herauf, in der sich die Visualisierungen der bekannten Goethe-Strophen, untermalt von düsteren Klängen (Daniel Špiner), wie beunruhigende Traumsequenzen aneinanderreihen. Martha Stöckner streift, in unschuldiges Weiß gekleidet und zunächst neugierig staunend, dann zunehmend entrückt wirkend, durch die Szenerie, in der tanzende Schmetterlinge und skelettierte Unterwasserwesen das Kind hartnäckig umgarnen. Plötzlich schwebt ein Knochenvogel (Puppen: Rafał Budnik) mit gespreizten Krallen auf mich...

„Der Erlkönig“ als 360° Virtual Puppetry vom Puppentheater Zwickau

Vater, Sohn, ich in Nacht und Wind

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

backstage

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

IXYPSILONZETT

Klimawandel

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Festival

Hamburg

Niedersachsen

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

Bericht

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Europa

Reflexion

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Rezension

Tanz

Performance

Thema

Debatte

Asien

Seitenblick

Brandenburg

Neue Dramatik

Spanien

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Inszenierung

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Chile

Akteure

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Schweiz

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Diskurs

Tarife & Theater

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Scène

Stück Labor – Neue Schweizer Dramatik

Gespräch

Startseite

Theaterwissenschaftlerin, Düsseldorf, Projektleiterin beim Fonds Darstellende Künste, Berlin. Sie absolvierte ihr Bachelorstudium der Theater- und Medienwissenschaft und der Germanistik an der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg und wechselte dann für den Masterstudiengang Inszenierung der Künste und der Medien an die Universität Hildesheim. Ihr Forschungsinteresse gilt dem Figuren- und Objekttheater, zeitgenössischen Körperinszenierungen sowie Körper- und Wahrnehmungstheorien.

Passionsspiele Oberammergau 2022

"Zwischen Zwingli und Zukunft"

"Theater unser"

Recherchen 165 "#CoronaTheater"

"Theater der Vereinnahmung"

Recherchen 163 "Der Faden der Ariadne und das Netz von Mahagonny  im Spiegel von Mythos und Religion"

"Die Passion hinter dem Spiel"

"Passion Play Oberammergau 2022"

Recherchen 162 "WAR SCHÖN. KANN WEG …"

"Scène 23"

Recherchen 156 "Ästhetiken der Intervention"

backstage "HÜBNER"

"Pledge and Play"

Arbeitsbuch 31 "Circus in flux"

Material im Figurentheater

An die Substanz

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_backstage_huebner-e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

HÜBNER

Lange bevor die Passionsspiele in Oberammergau alle zehn Jahre ins allgemeine Bewusstsein vordringen, haben die Vorbereitungen im Ort bereits begonnen. Bühnenbildner Stefan Hageneier entwirft Pläne, nach denen die Bühne des Passionstheaters gestaltet wird. Chor und Orchester beginnen unter der Leitung von Markus Zwink zu proben. Und Spielleiter Christian Stückl macht sich Gedanken über die Textfassung und die Besetzung von Jesus, Kaiphas und der anderen Hauptrollen. 
Dieses Fotobuch dokumentiert die Entstehung der Passionsspiele 2022. Sebastian Schulte ist selbst Oberammergauer und hat den gesamten Arbeitsprozess aus der Innenperspektive miterlebt und mit seiner Kamera festgehalten. Seine Bilder entstanden mitten auf der Bühne, mitten auf den Proben. 
<iframe style="position: absolute; border: none; width: 100%; height: 100%; left: 0; right: 0; top: 0; bottom: 0;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=passion_hinter_dem_spiel-e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>
Preparations for the Passion Play in Oberammergau start long before most people start thinking about it. Stefan Hageneier creates new plans for the stage and costumes of Passion Play Theater. Markus Zwink starts to rehearse with the choir and orchestra. And director Christian Stückl starts to rewrite the script and thinks about the cast for Jesus, Caiaphas, and the other main characters. 
This book documents the making of the Passion Play 2022, starting with the first preparations, rehearsals, the postponement due to the Corona Pandemic, and finally, the premiere in May 2022. Sebastian Schulte lives in Oberammergau and also plays a servant of the high priest Caiaphas. He has experienced and captured the entire process of the making of the Passion Play with his camera. His photographs show the perspective from the inside, immersed in the rehearsals, immersed in the play.

Die Passion hinter dem Spiel

Zugänge zum Figurentheater

Barrieren | frei

Mit dem Begriff der Intervention ist eine Überschreitung der Kunst durch die Kunst selbst aufgerufen. Damit einher geht nicht nur das Versprechen einer spezifischen Wirksamkeit, sondern eine Praxis des Aushandelns ästhetischer und politischer Sphären. Im Theater scheint die Rede von Intervention dann besonders prägnant zu sein, wenn die komplexen Wechselwirkungen von Öffentlichkeit, Gesellschaft und Medienwirklichkeit über die Szene hinaus thematisiert werden. Der aus einer Tagung an der Ludwig-Maximilians-Universität München hervorgehende Band versammelt Beiträge, die kritische Perspektiven auf Theaterprojekte und theatrale Aktionen werfen, die mit unterschiedlichen Strategien des Eingreifens arbeiten. Dabei wird die Pluralität der interventionistischen Ästhetiken und ihre Theoriebildung aufgezeigt.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_recherchen_156-e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Neuerscheinungen im Verlag