Ein Kampf, der es wert ist

Das Gegenteil von Selbstherrlichkeit und Schwarzmalerei

Popanz der Macht

Ich will die Menschen ausroden von der Erde

Das Kraftzentrum

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Für Hardcore-Heimatverbundene ist Bayern ja so etwas wie der Himmel auf Erden. Die Frauen des Chors hingegen, von denen das Stück „Bavaria“ des chilenischen Autors und Regisseurs Guillermo Calderón handelt, empfinden es als Hölle. Für sie ist vielmehr Paraguay das Paradies, von dem sie träumen und wo sie all das zu finden hoffen, wonach sie sich sehen: Frieden und Freiheit, ein Leben in Einklang mit der Natur, dafür ohne staatlich verordnete Impfungen. Weit ab von den Zumutungen der westlichen Welt. Oh, wie schön ist Paraguay. Im Probenraum dieser zum Querdenkertum neigenden Chorgemeinschaft mit unübersehbar sektiererischem Gruppenzwang herrscht schwerster Esoterik-Alarm. Als hätten die Damen einen Eine-Welt-Laden leergeshoppt, ist die Bühne (Ausstattung: Sophia Sylvester Röpcke) ausstaffiert mit Salzsteinlampen und anderem Wohlfühl-Nippes. Überall liegen Kissen herum, deren Ethnomuster mit den bunten Kleidern der Frauen korrespondieren. Leinengewänder mit gestickten Applikationen oder Selbstgestricktes. Ein Klavier dient als Sammelpunkt für gemeinsamen Gesang. Volkslieder werden angestimmt – bayerisches, aber auch südamerikanisches Liedgut. Singen ist für diesen Chor so etwas wie praktizierte Inbrunst. Entsprechend innig intoniert das sechsköpfige Ensemble die Lieder. Ironische Brechung stellt sich durch die Rahmung ein, durch den ergriffenen Ernst mit dem Guillermo Calderón die Figuren des Stücks zu Werke gehen lässt, der von außen...

„Bavaria“ von Guillermo Calderón – Regie Guillermo Calderón, Bühne und Kostüme Sophia Sylvester Röpcke, Dramaturgie Katrin Michaels

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Der Krieg und die „Kulturrevolution“

Wende und Wandel

Das Lied der Guano-Vögel

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

Für Manuela Infante hat Theater mehr mit Philosophie zu tun als mit Geschichtenerzählen. In ihren Stücken sind die Protagonisten Steine oder Pflanzen, die sich ständig verwandeln, auch schon mal in Menschen, wie es scheint. Ihr Kosmos ist groß und nicht immer verständlich, aber stets faszinierend. Sie gehört zu jenen Auserwählten, die alles dürfen und ergo tun. Sie ersinnt ungewöhnliche Narrative, jenseits des Anthropozäns. Die Menschen sind eh verloren, also übernehmen Bäume, die sich verbreiten und dabei sprechen, und Mineralien, die sich ihrer Lebenskunst versichern. Das hat manchmal fast märchenhafte Züge und oft auch recht brutale. Man weiß nie so recht, woran man bei ihr ist, und gerade das scheint Zuschauer wie Mitspieler zu inspirieren. Daraus ergibt sich ein politisches Theater ganz eigener Art, mit Fantasie statt Propaganda, lässiger Überlegenheit statt bitterer Abrechnung. „Was mich am Theater am meisten interessiert, ist nicht, was man damit alles machen kann, sondern, was es eigentlich ist“, sagt sie. „Dazu habe ich viele Theorien ausgebrütet. Mich ­fasziniert Theater als materielle Praxis, wie es auf verschiedene Weise funktioniert.“ An ihrem wohl berühmtesten Stück „Estado Vegetal“ (deutscher Titel „Gegen den Baum“) lässt sich das gut ablesen. Es beginnt wie eine Vorstadtkomödie. Ein Junge fährt mit dem Motorrad...

Das Theater der Chilenin Manuela Infante ist politisch im Geist des Zweifels

Steine, Pflanzen, Sounds

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

„¡Presente!“ schallt es kraftvoll mit Hunderten Stimmen durch den Saal, als Compañero Victor Jara von der Bühne aus aufgerufen wird. Die musikalische Inszenierung mit Liedern des Sängers, der im September 1973 während des Pinochet-Putsches im Stadion von Santiago de Chile ermordet wurde, hat ihren Höhepunkt erreicht. Ja, er ist anwesend, nicht vergessen, und das Publikum besteht durchaus nicht nur aus Veteranen jener Zeit. Jaras Werk, das vor allem aus Politsongs, Liedern über den Alltag einfacher Leute und der Bearbeitung der einheimischen Musikfolklore besteht, wird verehrt. Jara war aber auch Theaterregisseur und Schauspieler, ein Theatermann, der in den 1960er-Jahren das chilenische Theater mit Stücken seines Landsmanns Alejandro Sieveking, von Bertolt Brecht und Peter Weiss mit erneuerte. „La Población“ ist ein Album aus dem Jahr 1972, das hier mit einem großen Chor und Orchester von mehr als dreißig Leuten in großen Arrangements mit Ansprachen aufgeführt wird, von Valeria Peña wie ein inszeniertes Konzert auf die Bühne gebracht. Aus dem Bühnenhimmel senkt sich eine Gitarre als großes Symbol des Sängers in den Saal, der als einer der Spielstätten des Nationaltheaters gleich gegenüber dem Präsidentenpalast La Moneda liegt, wo der Sozialist Salvador Allende am 11. September 1973 sich beim Eindringen der Putschisten das Leben...

Das Festival Teatro a Mil in Santiago de Chile zieht einen roten Faden des Putsches vor 50 Jahren durch sein Jubiläumsprogramm

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

Spanische Theaterautor:innen im Überblick

Zuhören. Eine radikal-politische Erfahrung

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Theater und Arbeiterklasse

Das Risiko des zeitgenössischen Dramas

Mit dem Beginn der 1990er Jahre, als das Land langsam zur Demokratie zurückkehrte, setzte ein Prozess der Erneuerung des chilenischen Theaters ein. Auf die wenigen Autoren, die in der Zeit der Diktatur ihre Stimme erhoben hatten, folgte eine vom Wunsch nach Innovation erfüllte Szene, Theatermacher, die sich in den Inhalten wiederfinden wollten und die, anders als ihre Vorgänger, eine Ausbildung an Theaterakademien absolvierten. Diese Entwicklung konsolidierte sich im 21. Jahrhundert: Die meisten Autoren der Gegenwart sind Schauspieler, die durch die Arbeit mit ihren Compagnien zu Dramatikern wurden und das Theater ausgehend von den Proben hören. Ein wichtiger Faktor in diesem Veränderungsprozess war das großartige Wirken der engagierten Autoren in der Zeit der Diktatur. Zu nennen sind insbesondere Marco Antonio de la Parra mit seinen emblematischen Workshops, aus denen die ersten neuen Stimmen zu hören waren, sowie Juan Radrigán, ein Arbeiter ohne akademische Ausbildung, der mitten in der Diktatur mit seinen proletarischensubproletarischen Dramen auftauchte und die Themen und Stoffe des chilenischen Theaters dauerhaft veränderte. Er wurde zu einer unverzichtbaren und hochgeschätzten Referenz für eine neue, junge Szene. Thematisch konzentrieren sich die Bühnenautoren unserer Zeit auf die politische Geschichte und ihre Folgen: Die menschlichen Opfer des freien Marktes, den die Diktatur brutal...

Ein kurzer Abriss des chilenischen Theaters heute

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Der Anti-Katastrophenfilm

Ein Mann in allen Medien

Auf dem Dach des Theaters des Kulturzentrums Parque Cultural de Valparaíso steht der Musiker Lito Celis neben einem Mikrofon in der chilenischen Frühsommersonne. „Meer“. „Wacklig“. „Brise“. „Farbe“. „Bella Vista“. In jeweils fünf Worten sammelt er die Eindrücke, die die Stadt bei den Teilnehmern von Movimiento Sur nach einer Woche Akademie hinterlassen hat. Eine Stadt, die offiziell nie gegründet wurde, wie Celis erzählt, sondern spontan und planlos aus ihrem historischen Kern erwuchs. Ehemals wichtigster Handelsknotenpunkt am Pazifik, der mit der Eröffnung des Panamakanals 1914 seine wirtschaftliche Bedeutung verlor, erstreckt sich Valparaíso über 42 zum Meer abfallende Hügel, unten der Hafen, an den Hängen ein Gewirr aus bunten Häusern unterschiedlichster Baustile und -materialien, schiefen Treppchen und engen Gassen, Seilbahnen, streunenden Hunden und Katzen, Graffiti. Darüber ein Klangteppich aus Motorengeräuschen, Baulärm, Kirchenglocken, den Signalhörnern der Schiffe in der Bucht, dem Kläffen der Straßenhunde, dessen Echo wie Dolby Surround von Hügel zu Hügel wandert. Für Lito Celis hat Valparaíso eine ganz eigene Stimme – und die ist „pure Bewegung“. Der Chilene ist einer der sogenannten „Kontextleser“ des Laboratoriums, des Kerns von Movimiento Sur – lokale Künstler, Soziologen und Architekten, die in Referaten und Exkursionen die geografischen und sozialen Besonderheiten der Hafenstadt vorstellen. Ausgehend von...

Im chilenischen Valparaíso suchen lateinamerikanische Tänzer und Choreografen bei dem Akademieprojekt Movimiento Sur nach dem Eigenen

Generation ohne Angst

Wilde Dramaturgie – Nachdenken über Textarbeit

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

Mit Frank Castorfs Arbeit verbinden mich zwei prägende Erfahrungen: die Wahl des Regisseurberufs und der Fußabdruck eines totalitären Systems, der Spuren auf der Konfiguration unserer ästhetischen Rechercheprozesse im Theater hinterlassen hat. Ausgehend von dieser Feststellung möchte ich den großen Einfluss ansprechen, den die Kenntnis der Arbeit eines seiner Zeit verpflichteten Künstlers wie Castorf für mich bedeutet hat. In der Zeit der Diktatur Pinochets kam ich zum ersten Mal mit Castorfs Werk in Berührung, als sich dieses Enfant terrible der europäischen Theaterszene gegen Ende der achtziger Jahre unter schwer erklärbaren, surrealistischen Umständen im Theater der Universidad Católica de Chile mit seiner unvergesslichen Inszenierung von Gotthold Ephraim Lessings „Miss Sara Sampson" vorstellte. Die Pietätlosigkeit seiner Regiearbeit übertrug sich in Bildern von höchster Prägnanz, die mich, den damaligen Theaterstudenten, stark beeindruckten. Vom Parkett aus stieß meine lupenreine Stanislawski-Ausbildung auf traumatische Weise mit Ausdrucksformen zusammen, deren szenische Darstellung und Art, aktuelle Themen zu bearbeiten, für mich bis dahin absolut undenkbar waren. Die Schauspieler waren unverschämt, sie schrien, rotzten, sabberten und masturbierten auf der Bühne, was für einen Großteil des Publikums einen Verstoß gegen die Regeln der Ästhetik und des guten Geschmacks darstellte. Diese Eindrücke wurden dadurch verschärft, dass Castorf hier den Text eines beispielhaften...

Ein Gastspiel mit Lessing in Chile

Poetica Castorfiana

Unboxing Chévere

„Es geht um magische Momente“

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

Die wichtigsten Theaterproduktionen Südamerikas kommen aus der freien Szene der einzelnen Länder. Ökonomisch geht es den unabhängigen Gruppen von Mexiko bis Argentinien nicht gut, künstlerisch geben sie den Ton an. Zudem konzentriert sich das Theaterleben häufig in der Metropole oder den großen Städten. Das ist auch in Chile so, wo Santiago mit einer beträchtlichen Zahl an Premieren aufwartet, die meist zwischen März und Dezember in knapp dreißig Häusern unterschiedlicher Größe stattfinden. Was quantitativ durchaus beeindruckend erscheint, ist allerdings vor dem Hintergrund der Tatsache zu sehen, dass viele Compagnien mit ausgesprochen knappen Budgets auskommen müssen. Ihre prekäre Situation heute hat ihren Ursprung in den wirtschaftlichen Bedingungen, die die zwischen September 1973 und März 1990 in Chile herrschende Diktatur schuf, um ihre Politik in allen Bereichen der chilenischen Gesellschaft durchzusetzen. Freie Theatergruppen hatten, um ihre Stücke auf die Bühne zu bringen und bekannt zu machen, keine andere Wahl als sich Produktionsformen zu unterwerfen, die sie zwangen, gegeneinander um Sichtbarkeit, Finanzierung und Quoten in den Theatersälen zu konkurrieren. Ein Blick in die soziale, politische und ökonomische Geschichte des Landes soll uns helfen, besser zu verstehen, was diese Produktionsformen für das Theater bedeuten. Nach 1973 kommt es zu einem radikalen Wandel der Strukturen, die...

Freie Gruppen, knappe Ressourcen: Fallbeispiel Chile

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Systemcheck

„Das Etikett ‚AUFSTREBEND‘ ist grausam und hält die Autorinnen klein“

Ein Wald in Flammen

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Was macht das Theater, Juan Mayorga?

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Die eigene Dringlichkeit

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Das Cartoonartige ausloten

Rufer in der Wüste

Zirkus

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Als Chile in den 1990er Jahren langsam zur Demokratie zurückkehrte, setzte ein Prozess der Erneuerung des chilenischen Theaters ein. Diese Entwicklung konsolidierte sich im 21. Jahrhundert: Die meisten Autor:innen der Gegenwart sind Schauspieler:innen, die durch die Arbeit mit ihren Compagnien zu Dramatiker:innen wurden und das Theater ausgehend von den Proben hören. Ein wichtiger Faktor in diesem Veränderungsprozess war das großartige Wirken der engagierten Autor:innen in der Zeit der Diktatur.

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Passionsspiele Oberammergau 2022

"Zwischen Zwingli und Zukunft"

"Theater unser"

Recherchen 165 "#CoronaTheater"

"Theater der Vereinnahmung"

Recherchen 163 "Der Faden der Ariadne und das Netz von Mahagonny  im Spiegel von Mythos und Religion"

„Oasis de la impunidad“, Regie Marco Layera, beim Festival Teatro a Mil in Santiago de Chile

"Die Passion hinter dem Spiel"

"Passion Play Oberammergau 2022"

Recherchen 162 "WAR SCHÖN. KANN WEG …"

"Scène 23"

Eine Welt, die nicht mehr lebensfähig scheint und doch nicht untergehen kann: Gina Haller in der Inszenierung „Noise. Das Rauschen der Menge“ am Schauspielhaus Bochum in der Regie von Manuela Infante.

Recherchen 156 "Ästhetiken der Intervention"

backstage "HÜBNER"

"Pledge and Play"

„Inútiles“ (Taugenichtse), R: Ernesto Orellana

Arbeitsbuch 31 "Circus in flux"

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
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HÜBNER

Iberoamerikanisches Theater im Umbruch / Teatro Iberoamericano en tiempos de cambio

¡Adelante!

Lange bevor die Passionsspiele in Oberammergau alle zehn Jahre ins allgemeine Bewusstsein vordringen, haben die Vorbereitungen im Ort bereits begonnen. Bühnenbildner Stefan Hageneier entwirft Pläne, nach denen die Bühne des Passionstheaters gestaltet wird. Chor und Orchester beginnen unter der Leitung von Markus Zwink zu proben. Und Spielleiter Christian Stückl macht sich Gedanken über die Textfassung und die Besetzung von Jesus, Kaiphas und der anderen Hauptrollen. 
Dieses Fotobuch dokumentiert die Entstehung der Passionsspiele 2022. Sebastian Schulte ist selbst Oberammergauer und hat den gesamten Arbeitsprozess aus der Innenperspektive miterlebt und mit seiner Kamera festgehalten. Seine Bilder entstanden mitten auf der Bühne, mitten auf den Proben. 
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Preparations for the Passion Play in Oberammergau start long before most people start thinking about it. Stefan Hageneier creates new plans for the stage and costumes of Passion Play Theater. Markus Zwink starts to rehearse with the choir and orchestra. And director Christian Stückl starts to rewrite the script and thinks about the cast for Jesus, Caiaphas, and the other main characters. 
This book documents the making of the Passion Play 2022, starting with the first preparations, rehearsals, the postponement due to the Corona Pandemic, and finally, the premiere in May 2022. Sebastian Schulte lives in Oberammergau and also plays a servant of the high priest Caiaphas. He has experienced and captured the entire process of the making of the Passion Play with his camera. His photographs show the perspective from the inside, immersed in the rehearsals, immersed in the play.

Die Passion hinter dem Spiel

Mit dem Begriff der Intervention ist eine Überschreitung der Kunst durch die Kunst selbst aufgerufen. Damit einher geht nicht nur das Versprechen einer spezifischen Wirksamkeit, sondern eine Praxis des Aushandelns ästhetischer und politischer Sphären. Im Theater scheint die Rede von Intervention dann besonders prägnant zu sein, wenn die komplexen Wechselwirkungen von Öffentlichkeit, Gesellschaft und Medienwirklichkeit über die Szene hinaus thematisiert werden. Der aus einer Tagung an der Ludwig-Maximilians-Universität München hervorgehende Band versammelt Beiträge, die kritische Perspektiven auf Theaterprojekte und theatrale Aktionen werfen, die mit unterschiedlichen Strategien des Eingreifens arbeiten. Dabei wird die Pluralität der interventionistischen Ästhetiken und ihre Theoriebildung aufgezeigt.
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Ein- und Übergriffe im Regime des Theaters

Ästhetiken der Intervention

What’s the story with the little village of Oberammergau in the Bavarian Alps? For nearly 400 years, the people who live here have performed the Passion of Christ every ten years. All together. Grandparents, parents, children and grandchildren all join each other on stage. They are fulfilling a vow once made by their ancestors to stave off the plague. This book sets out to discover why the villagers’ enthusiasm for theatre has endured to this day. It takes a look behind the scenes and accompanies the creation of the 2022 Passion Play with its 2,400 participants. In a series of conversations, the author explores their motivations, special rituals such as the Hair and Beard Decree and theatre life in times of the coronavirus pandemic. And why giving up is not an option.
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How the Passion Play in Oberammergau Changes  a Village and Impacts the World

Pledge and Play

Was ist immersives Theater? Was bedeutet es, im Kontext der Theaterrezeption davon zu sprechen, dass Zuschauerinnen und Zuschauer „komplett eintauchen“? Die vorliegende Studie entwickelt anhand eines breiten Korpus von Aufführungen des partizipativen Gegenwartstheaters ein Verständnis von immersivem Theater im engen Sinn und trägt damit zur begrifflichen Unterscheidung von Partizipation und Immersion bei. Untersucht werden formale Gemeinsamkeiten der Publikumsinvolvierung in Arbeiten des Kollektivs SIGNA, von Paulus Manker, Punchdrunk und Scruggs/Woodard. Die Autorin zeigt, dass immersives Theater mit seinen multisensorischen und interaktiven Erfahrungsräumen wirkungsästhetisch auf komplexe Prozesse der Vereinnahmung zielt. Diese können sowohl in produktive Selbstreflexion umschlagen als auch unbemerkt bleiben, worin sich die gesellschaftspolitische Relevanz dieses „übergriffigen“ Theaters widerspiegelt.
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Die kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../../api/files/99046257-5541-410f-9ab6-b9e43a361bfc/TdZ_Recherchen_164_Theater der Vereinnahmung.pdf">PDF-Download (ca. 6 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-429-0 (Open Access) DOI: <a class="PrimaryLink BaseLink" href="https://doi.org/10.35287/9783957494054" target="_blank" rel="noopener">https://doi.org/10.35287/9783957494054</a> Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Publikumsinvolvierung im immersiven Theater

Theater der Vereinnahmung

Im Vordergrund dieser 23. Ausgabe der Anthologie SCÈNE stehen außereuropäische Perspektiven: Acht Theaterautorinnen und -autoren mit Wurzeln in Nordamerika, Afrika, der Karibik und dem Nahen Osten beschreiben in ihren Texten Migrationsgeschichten, wirtschaftliche Abhängigkeiten, Kämpfe um Selbstermächtigung und die jahrhundertelangen Auswirkungen des Kolonialismus. Von der Versklavung der indigenen Bevölkerung in Québec schlagen sie einen Bogen über die Rassentrennung in den amerikanischen Südstaaten bis hin zur Verwüstung des Libanon und dem Arabischen Frühling in Tunesien. Stets wird dabei exemplarisch die Auswirkung der „großen“ Weltgeschichte auf normale –manchmal resiliente, manchmal pathetisch egoistische – Individuen gezeigt. Ob komödiantisch, dokumentarisch-literarisch, episch-chorisch, kammerspielartig oder grotesk – besonders beeindruckt die Vielfalt der ästhetischen Ansätze und Handschriften.

Neue französischsprachige Theaterstücke

Bühnenexperimente am Bauhaus Dessau

Die Menschenbaustelle

Die Helferei in der Kirchgasse 13 in der Zürcher Altstadt, gelegen zwischen Grossmünster und Universität, ist ein Haus mit einer 750-jährigen Geschichten zwischen Kirche, Politik und Kultur. Ihr berühmtester Bewohner, der Reformator Ulrich Zwingli, hat die Schweiz politisch verändert wie nur wenige andere. Valeria Heintges zeichnet in ihrem Buch den Weg der Helferei vom Priesterhaus zu einer der ersten offenen multifunktionalen Einrichtungen Europas nach. Einst waren es Diakone, die der Helferei den Namen gaben. Heute sind es Künstlerinnen und Künstler, die unter diesen Namen im Haus ihre Arbeit entsprechend ausrichten. Hier wird Kultur gezeigt. Hier geht hin, wer Rat oder ein Gespräch sucht. Und seit Martin Wigger dieses Kulturhaus leitet, gibt es auch sehr viel Theater zu sehen. Er nahm an der Helferei das Konzept der "Social Critical Work" auf und entwickelte es weiter, zu einer Art "Social Critical Art Work".
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Die Helferei in Zürich

Zwischen Zwingli und Zukunft

Bertolt Brechts Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny und Ariadne auf Naxos von Hugo von Hofmannsthal: zwei Opern, deren Kultur- und Kapitalismuskritik oft nur vordergründig wahrgenommen wird. Charlotte Wegen geht in ihrer Studie einer kapitalismuskritischen Dimension in beiden Opern nach, die sich auf übergeordneter Ebene manifestiert: in der Gestik und Metaphorik des Textes, in Wiederholungen, Schablonierungen und Monologisierungen. Es sind Merkmale einer entleerten Zeit, einer Gegenwart ohne Zukunft, die sich im Kontext mythischer und religiöser Phänomene artikulieren und bereits im Bild der Ariadneschen Insel und der Wüste von Mahagonny ihren ersten Ausdruck finden.

Eine Untersuchung der Opernwerke Ariadne auf Naxos und Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny

Der Faden der Ariadne und das Netz von Mahagonny  im Spiegel von Mythos und Religion

Was ist da los in Oberammergau? Seit beinahe 400 Jahren führen die Menschen in dem oberbayerischen Alpendorf alle zehn Jahre die Passion Christi auf. Alle zusammen. Großeltern, Eltern, Kinder und Enkelkinder stehen gemeinsam auf der Bühne. Sie folgen einem Gelübde ihrer Vorfahren, das einst die Pest fernhalten sollte. Dieses Buch will ergründen, warum die Theaterbegeisterung der Dorfbewohner bis heute ungebrochen ist. Es blickt hinter die Kulissen und begleitet die Entstehung der Passionsspiele im Jahr 2022 mit ihren über 2000 Mitwirkenden. Die Autorin Anne Fritsch hat mit vielen von ihnen gesprochen: über ihre Motivation, über besondere Rituale wie etwa den Haar- und Barterlass und über das Leben mit Theater auch in Zeiten der Corona-Pandemie. Und darüber, warum Aufgeben keine Option ist.
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Wie die Passionsspiele Oberammergau den Ort verändern  und die Welt bewegen

Theater unser

Castorf

In den letzten fünfzig Jahren hat der Zirkus einen bemerkenswerten Wandel erlebt. Progressive Zirkusformen haben sich international als „Zeitgenössischer Zirkus“ eine neue Position innerhalb der Gesellschaft erobert. Das Arbeitsbuch widmet sich dieser noch jungen Zirkusform und präsentiert Analysen, Interviews, Kommentare, umfangreiches Fotomaterial und künstlerische Positionen internationaler und deutscher Zirkuskünstlerinnen und -künstler. Mit der zusätzlichen Sondereinlage des VOICES Magazins „Re-thinking objects“ taucht das Buch tief in den aktuellen zirkusästhetischen Diskurs über neue Materialismen ein und nimmt außerdem die Verbindungen zum zeitgenössischen Tanz auf.
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Zeitgenössischer Zirkus

Circus in flux

The history of the Oberammergau Passion Play begins in 1633. In the midst of the Thirty Years’ War, as plagues brought suffering and death for months on end, the people of Oberammergau vowed that they would stage the ‘play of the suffering, death and resurrection of our Lord Jesus Christ’ every ten years. It was at Pentecost in 1634 that they first fulfilled this promise. In 2022, the community will present the Passion Play for the 42nd time, an unrivalled feat of continuity. Almost half the residents of Oberammergau, more than 2000 participants, mount the life of Jesus of Nazareth in a five-hour performance on the imposing open-air stage of the Passion Play Theatre in southern Bavaria. With more than one hundred performances and half a million spectators it is the most successful amateur production in the world, and is included on UNESCO’s register of Intangible Cultural Heritage. The official illustrated book documents Christian Stückl’s new production of the Passion Play with set designs, costumes and tableaux vivants by Stefan Hageneier. It is the third Passion Play production that the two Oberammergau-born artists have staged together, one that sees them forging a connection with the present day, highlighting the pressing issues of asylum and integration. The rehearsals are captured by Icelandic cinematographer Birgit Guðjónsdóttir, and her moving andrichly detailed photographs reveal the enormous energy and emotional force of this unique event.
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Passion Play Oberammergau 2022

Die Geschichte des Oberammergauer Passionsspiels beginnt 1633. Mitten im Dreißigjährigen Krieg, nach monatelangem Leiden und Sterben an der Pest, gelobten die Oberammergauer, alle zehn Jahre das »Spiel vom Leiden, Sterben und Auferstehen unseres Herrn Jesus Christus« aufzuführen. Zu Pfingsten 1634 haben sie dieses Versprechen zum ersten Mal erfüllt. Im Jahr 2022 führt die Gemeinde in einer einzigartigen Kontinuität durch die Jahrhunderte zum 42. Mal das Passionsspiel auf. Fast die Hälfte der Oberammergauer Einwohner, mehr als 2000 Mitwirkende, bringt in einer fünfstündigen Aufführung die Geschichte des Jesus von Nazareth auf die imposante Freilichtbühne des oberbayerischen Passionsspieltheaters. Mit mehr als hundert Vorstellungen und einer halben Million Zuschauern ist es das erfolgreichste Laienspiel weltweit und zählt zum „Immateriellen Kulturerbe“ der UNESCO.
Der offizielle Bildband dokumentiert Christian Stückls Neuinszenierung des Passionsspiels mit den Bühnenbildern, Kostümen und Lebenden Bildern von Stefan Hageneier. Es ist die dritte gemeinsame Passionsspiel-Inszenierung der beiden gebürtigen Oberammergauer Künstler, mit der sie diesmal eine Brücke ins Heute schlagen wollen, hin zu den drängenden Fragen von Flucht und Integration. Die isländische Kamerafrau Birgit Guðjónsdóttir begleitet über Wochen die Proben und zeigt in bewegten und detailreichen Fotografien die ungeheure Energie und emotionale Kraft dieses einzigartigen Ereignisses.
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